![]() Tal vez recuerden anteriores capítulos de Mis 100 mejores canciones (leer con la voz de Troy McLure)... Pues eso, que en la entrega anterior me extendí más de la cuenta y decidí que lo mejor era dividir la idea original de ir desde la canción 45 hasta la 32 en dos entregas, así que os vuelvo a dar la tabarra, en esta ocasión empezando por la canción 37. Espero que entendáis que hacer esta lista y comentar algo interesante sobre las canciones y los artistas tiene bastante más trabajo del que pueda parecer a primera vista, pues no me vale escribir cualquier cosa ni simplemente tirar de memoria (me da para algunas coas, pera para otros datos tengo que documentarme para saber si estoy en lo cierto o no). En esta ocasión, como podréis ver, no he tardado tanto en publicar como la vez anterior. Procuraré encontrar tiempo donde sea para terminar esta lista de la que ya solo me queda... ¿un tercio? ¡Oh, no, parece eterna! Como siempre, advierto que la elección de las canciones que aparecen en esta lista es subjetiva, pero sí soy objetivo al decir que todas son muy buenas. Y tampoco me cansaré de repetir que lo mejor aún está por llegar... Si pos apetece echarle un vistazo a las canciones anteriormente publicadas, os dejo aquí los enlaces, más fácil imposible: aquí la primera; la segunda; la tercera; la cuarta; y la quinta. #37 WHOLE LOTTA LOVE - Led Zeppelin, 1969.
5:34 minutos. Hard Rock. Álbum: Led Zeppelin II. Autores: Jimmy Page, Robert Plant, John Bonham, John Paul Jones, Willie Dixon. Que viva Led Zeppelin. Resulta complicado resumir su historia e influencia en unas pocas líneas, más que nada por que con casi total seguridad sean la banda de rock duro más importante de la historia de la música. El grupo se formó en el 68 por el guitarrista Jimmy Page tras su salida de los Yardbirds, con la inclusión de John Paul Jones como bajista y teclista, Robert Plant como vocalista y John Bonham a la batería. Su música aunaba influencias bluseras, rockandrolleras, soul, célticas, hindis, folk e incluso country, conformando un sonido espectacular, impactante, inconfundible e inimitable. Han pasado más de treinta años desde su disolución y su música sigue siendo estando de actualidad, no solo se escucha en radio, cine, tele o publicidad, sino que siguen vendiéndose como rosquillas. Más de 300 millones de discos vendidos en todo el mundo hacen que solo The Beatles hayan vendido más discos que ellos. Whole Lotta Love fue la canción que abría su segundo álbum (Led Zeppelin II). Al igual que el resto del álbum tiene marcadas connotaciones sexuales. Algunas de las letras de la canción fueron "tomadas" de un par de temas grabados años atrás por los bluseros Muddy Waters y Willie Dixon, a quienes Plant admiraba. El tema terminó en un juicio ganado por Dixon en el 85, lo cual obligó a que la discográfica lo incluyera como letrista oficial de la canción. Al margen de otras consideraciones, el riff de guitarra de Jimmy Page está considerado por muchos expertos (como la propia casa de guitarras Gibson) como uno de los mejores de la historia. Es una canción para disfrutar con los cinco sentidos. Terminaré de contar la historia de Led Zeppelin en futuras entregas. #36 MY GENERATION - The Who, 1965. 3:18 minutos. Rock. Álbum: My Generation. Autor: Pete Townshend. "La primera acreedora del título de banda de rock más grande del mundo". De este modo se refirieron a The Who tras su inclusión en el Hall of Fame of Rock and Roll. Los británicos formados en 1964 por Roger Daltrey, Pete Townshend, John Entwistle y Keith Moon, sin duda que son merecedores de esta etiqueta, habiendo sido una de las más influyentes formaciones del panorama rockanrollero no solo british, sino mundial. En sus actuaciones destruían los instrumentos y destrozaban el escenario, actitud que les ayudó a hacerse muy populares entre los jóvenes. Alcanzaron gran éxito de fans y ventas con álbumes como My generation, A quick one, Who are you o la ópera rock Quadrophenia (de obligada visión para los melómanos). No obstante, tras la muerte del batería Keith Moon en 1978 con tan solo 32 años, la banda solo sacó dos álbumes de estudio antes de separarse en 1982. Después, volvieron a reunirse en ocasiones puntuales hasta que en 2006 los dos únicos miembros originales vivos, Daltrey y Townshend lanzaron un nuevo trabajo. En cuanto a la canción, My generation quizás sea la más representativa de la banda, una de sus más reconocidas y apreciadas. Compuesta por Pete Townshend con tan solo veinte años, estaba dirigida a los mods, jóvenes británicos rebeldes. Townshend,en referencia a la canción, dijo en alguna ocasión que tenía la sensación de que las personas mayores simplemente no la entendían. #35 MY WAY - Frank Sinatra, 1969. 4:40 minutos. Pop. Álbum: My Way. Autores: Claude François, Jacques Reveaux. Letra: Paul Anka. La Voz, Frankie Ojos Azules, está considerado como una de las figuras más importantes de la música popular estadounidense del siglo XX, y por ende, del panorama musical mundial. Pocos artistas se han mantenido en la cúspide del éxito durante sesenta años. Basando su repertorio en los compositores más reconocidos de la música popular como Porter, Gershwin o Van Heusen, la radio y el cine le dieron la difusión que lo convirtió en un mito. Aparte de consideraciones técnicas musicales como el tono de su voz, su perfecto fraseo o su dominio del tempo y la respiración, quedan incluso relegados por su capacidad para transmitir sentimientos con las letras y la interpretación de sus canciones. Sinatra es un mito con más de 1300 canciones grabadas y 50 pelis en su bagaje. Son inolvidables sus colaboraciones con Dean Martin y Sammy Dave Jr. formando el mítico Rat Pack, como por ejemplo en Ocean's Eleven (no confundir con el remake de Clooney-Pitt, mucho mejor la original, no hay color), o su papel en De Aquí a la Eternidad de Fred Zinneman (¿alguien me puede decir qué relación hay entre Sinatra, Elli Wallach y El Padrino de Coppola?) My Way es una canción francesa bellísima que fue adaptada por Paul Anka, respetando solo la melodía y cambiando casi toda la letra. Cuenta la historia de un hombre mayor que está cercano a la muerte y hace balance de su vida, sintiéndose satisfecho y orgulloso por haberla vivido a su manera (and did it my way). Es, junto a Strangers in the night, la interpretación más celebrada y recordada de Sinatra. #34 THE BOXER - Simon & Garfunkel, 1970. 5:12 minutos. Folk Rock. Álbum: Bridge Over Troubled Waters. Autor: Paul Simon. La historia de Simon & Garfunkel (primera parte). Paul Simon y Art Garfunkel fueron amigos desde la infancia. En el 55, tras haber compuesto varios temas, Paul propuso a Art formar un dueto, tenían solo dieciséis añitos. Tras grabar con el nombre de Tom y Jerry su primera canción, Hey Schoolgirl, un cazatalentos los descubrió y grabaron un álbum que logró vender 100 mil copias. Tras ciertas desvenencias provocadas por la grabación de un sencillo en solitario de Simon (algo que Garfunkel nunca le perdonó), se separaron tomando caminos artísticos diferentes, aunque no llegaron a tener éxito por separado. No fue hasta el 63 cuando volvieron a cantar juntos, dándose a conocer por fin como Simon y Garfunkel. Ese mismo año actuaron en el festival folk de New York junto a Bob Dylan. Después de esto, grabaron su primer disco con Columbia, titulado Wednesday Morning, 3 A.M. Fue un rotundo fracaso y ambos volvieron a separar sus caminos. No obstante, un par de años después The Sound of Silence comenzó a sonar en las radios de Boston dándoles a conocer entre el gran público. Aprovechando el tirón, los avispados productores de la discográfica cambiaron la instrumentación y sacaron un sencillo que cambiaba el estilo de folk a folk-rock. El mundo entero acababa de descubrir a Simon y Garfunkel (la historia continuará en próximas entregas). En cuanto a la canción presente, The Boxer contiene una de las letras más bellas del dueto, y describe en primera persona los apuros y la soledad de un cantante en la ciudad de Nueva York. Es de sobra archifamoso el puente al estribillo, el na-na-na, etc. En la parte final de la canción la perspectiva cambia a la de un boxeador. Se cree que es una ataque velado a Bob Dylan, quien se ve que no era santo de la devoción de el dúo neoyorquino. #33 LIGHT MY FIRE - The Doors, 1967. 7:09 minutos. Rock Psicodélico. Álbum: The Doors. Autor: Robby Krieger. James Douglas Morrison Clarke, The Lizard King (el Rey Lagarto), Mr. Mojo Risin, Jimbo, o simplemente Jim Morrison, es una de las figuras más míticas de la historia del rock. Hablé un poquito de The Doors en la primera entrega de la serie, y en esta ocasión quiero profundizar más en la persona-personaje de Morrison. A finales de los 60, the Doors fueron bandera de la psicodelia musical (junto a Pink Floyd y Jefferson Airplane, quizás los más memorables). Morrison no tenía demasiados conocimientos musicales, apenas sí escribía letras, pero ni componía ni sabía tocar. Por su parte, Manzarek, quien junto a Morrison constituía el alma de la banda, aportó al cuarteto su característica e inconfundible manera de tocar el teclado. En cuanto a Krieger, antes de unirse al grupo apenas se había iniciado como guitarrista. Y John Densmore tocaba la batería. Se podría decir de The Doors que eran un grupo bastante inexperto en sus inicios, pero la excelencia de sus composiciones deja patente que hay gente que ha nacido para hacer música. The Doors fue su primer disco (el nombre del disco y de la banda viene de un poema del poeta británico romántico-decadentista William Blake, "the doors of perception"), donde incluyeron la presente canción y The End -ambas incluidas en esta recopilación-, la también genial Break on through y la deliciosa The Crystal Ship entre otras. Con el irrumpieron de lleno en la escena musical sesentera, y pronto se convirtieron en un fenómeno de masas. En el segundo álbum, Strange Days (People are Strange), el grupo no obtuvo malas ventas, pero sí malas críticas. Con Waiting for the sun (con The Unknow Soldier) y The Shoft Parade (incluyendo Touch Me), aparte de cierto compromiso antibelicista e inconformista en las letras, el grupo se estancó. De hecho, muchas de las canciones habían sido compuestas en la primera época. En Morrison Hotel el grupo regresó al Blues (Roadhouse Blues o Waiting For The Sun), estilo que mantuvo en el último álbum de estudio de Morrison, que dejó un impresionante colofón en L.A. Woman (Riders on the Storm y L.A. Woman). El repaso a todas estas canciones de forma cronológica deja clara la evolución de la banda y su música y del propio Morrison, quien se convirtió por méritos propios en un mito antes de su trágica muerte. Harto de la fama y acosado por el puritanismo reinante en los EE.UU. en la época Nixon, tras verse sometido a varios procesos penales por conducta obscena y escándalo público, incluida una encarcelación en Miami, huyó del grupo y del país estableciéndose en París junto a su novia Pam. Durante un tiempo se dedicó a escribir poesía y a pasear por las calles disfrutando del anonimato. Hasta que el 3 de julio del 71 apareció muerto en la bañera de su apartamento, supuestamente por un paro cardíaco. Con tan solo 27 años, y en cuestión de menos de un año, se habían marchado tres mitos de la historia de la música, Hendrix, Joplin y Morrison. En cuanto a este último, os recomiendo una excelente película documental sobre su vida, When you're stranger, que podéis ver pinchando en el nombre. El narrador es Johnny Depp, casi nada. #32 PAINT IT, BLACK - The Rolling Stones, 1966. 3:52 minutos. Rock. Álbum: Aftermath. Autores: Mick Jagger, Keith Richards. De esta parte de la lista hacia adelante voy a escribir largo y tendido sobre los Stones, sus satánicas majestades. En lo que a esta canción se refiere, está oficialmente compuesta por Jagger y Richards, aunque tanto Charlie Watts como Brian Jones contribuyeron de forma importante para darle a la canción su característico e inconfundible sonido. Formó parte del álbum Aftermath del 66, y fue nº 1 tanto en UK como en EEUU. Se ha asociado con frecuencia a la Guerra de Vietnam gracias a su aparición en pelis como La Chaqueta Metálica de Stanley Kubrick, aunque su letra originalmente no esté inspirada en este acontecimiento. Se cree que Jagger tomó como referencia la muerte de la Reina Victoria, ya que en señal de duelo se pintaron de negro las rejas y las puertas de las casas británicas. Y aprovecharé esta ocasión para hablar del Rolling maldito, Brian Jones. Uno de los fundadores de la banda en el 62 junto a Ian Stewart, Mick Jagger y Keith Richards. En la primera época fue el líder de la banda, y destacó su influencia en los primeros álbumes de los Rolling, Aftermath, Between the Buttons y Their Satanic Majesties Request. A pesar de que nunca figuró como letrista ni compositor ni vocalista en ninguna de las canciones del grupo, se ha señalado que la creatividad del grupo nunca volvió a ser igual después de su salida del mismo, provocada por su comportamiento y por rencillas con los demás miembros, en especial por un rollete de índole cornúpeta con Richars y su ex novia Anita de por medio. En junio del 69 fue despedido de The Rolling Stones, retirándose a su granja de Sussex. Un mes más tarde apareció muerto en su piscina, supuestamente por un ataque de asma, aunque la suya fue una muerte que generó muchas suspicacias. Tenía tan solo 27 años, al igual que Hendrix, Joplin y Morrison. El objetivo de llegar hasta la canción #32 ya está cumplido. Solo me quedan 31 más, y espero tener tiempo para ir publicándolas pronto, aunque tenga que ser poco a poco. Eso sí, os puedo asegurar sin miedo a equivocarme que lo que queda de la lista va a ser legen-espera un momento-dario, ¡legendario!
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Ciertamente no tengo perdón de dios por el hecho de haber estado más de un año sin terminar de publicar esta lista que tengo confeccionada desde el año 2009, un "trabajo de clase" que realicé con mi buen amigo Miguel Nieto en aquellos "maravillosos" años en que fuimos compañeros de "estudios". Tengo una buena excusa, en realidad no he parado de trabajar durante todo este tiempo, y aunque pueda sonar exagerado, no he tenido tiempo material para dedicar a terminar de publicar esta lista. No obstante, ahora que tengo unas semanitas de vacaciones prometo que voy a terminar de publicarla. Y lo haré siguiendo por donde me quedé: por la quinta entrega de la saga. Vuelvo a advertir que esta lista es subjetiva, pero sí es objetivo el hecho de afirmar que todas las coplas que os traigo son muy buenas, y que lo mejor sigue aún estando por llegar... Por si queréis revisar las publicaciones anteriores, os dejo aquí los enlaces, más fácil imposible: aquí la primera; la segunda; la tercera; y la cuarta. #45 HIGHWAY TO HELL - AC / DC, 1979. 3:29 minutos. Hard Rock. Álbum: Hightway to Hell. Autores: Angus Young, Malcolm Young, Bon Scott. AC/DC es la caña. Son una de las bandas punteras, uno de los máximos exponentes del hard rock. El origen de la banda está en su tierra, Australia. George Young, el hermano mayor de Angus y Malcolm, era un guitarrista del famoso grupo australiano Easybeast, y enseñó a tocar la guitarra a sus hermanos. Malcolm formó el grupo Velvet Underground (nada que ver con Lou Reed). Después de un tiempo tocando juntos a sugerencia de George, la banda se disolvió, formando Angus y Malcolm AC/DC junto a Mark y Dave Evans. Grabaron un primer disco solo para Australia, TNT, y comenzaron a llenar los bares en sus actuaciones. Dave no tenía buena relación con Angus, así que lo sustituyeron por Bon Scott. Más tarde se unirían al grupo Phil Rudd (batería) y Cliff Williams (bajo), conformando así la formación definitiva de la banda. Con High Voltage y Powerage se hicieron famosos en Europa, pero no dieron el gran salto hacia el éxito hasta Let there be rock. Con Highway to Hell se convirtieron en la banda puntera del rock. Su estilo característico, con amplis altos en el escenario y altavoces bajos, al contrario que otros grupos, sin distorsión, con guitarra en limpio y ganancia alta, creó un sonido crudo y fuerte. No solían usar efectos, solo dedos y pedaleras. Uno de los signos característicos de la banda es la indumentaria de su líder, Angus, ataviado con un uniforme escolar. Tras la desgraciada muerte de Bon Scott después de una noche de alcohol y drogas en la que quedó dormido y se atragantó con su propio vómito, Brian Johnson se convirtió en el vocalista del grupo. Su primer disco juntos, Back in black, se ha convertido en el segundo más vendido de la historia después de Thriller de Michael Jackson. Highway to Hell es su canción más famosa. Es musicalmente simple, con un riff de guitarra repetitivo de ritmo pegadizo, más un gran solo de Angus acompañado con la rítmica de Malcolm. Se convirtió en el himno de los seguidores de la banda gracias a la melodía y a la aguda voz del inconfundible Bon, quien murió apenas unos meses después de lanzar el disco. (Quiero dar las gracias a mi buen amigo Angus Yerves por soplarme casi toda la información sobre la canción y la banda. Creo que valía la pena extenderse un poco más.) ![]() #44 COMFORTABLY NUMB - Pink Floyd, 1979. 6:23 minutos. Rock Sinfónico. Álbum: The Wall. Autores: Roger Waters, David Gilmour, Bob Ezrin. The Wall es la ópera rock de Roger Waters / Pink Floyd. Como comenté en publicaciones anteriores, junto a Dark Side of the Moon y Wish You Were Here compone la trilogía de obras cumbres de la banda británica, álbumes en los que explotaron al máximo su estilo musical y todas su potencialidades. The Wall como doble álbum y como película (lanzada posteriormente) cuenta la historia de un músico ficticio llamado Pink Floyd, su dura infancia en Inglaterra tras quedar huérfano de padre en la Segunda Guerra Mundial, su ascenso como músico de fama mundial, la incomunicación y la infelicidad que le produce el éxito y su caída en desgracia hasta abrazar la locura. Es una obra musical imprescindible para los amantes del rock y una obra audiovisual impactante y casi diría que de obligatorio visionado para comprender la esencia del disco. Si no la habéis visto aún, os dejo un enlace para que lo hagáis, estoy seguro de que no os dejará indiferentes. Está en versión original con subtítulos, deseo que os guste tanto como a mí. Pinchad aquí para ver The Wall. En cuanto a la canción elegida, Comfortably numb, se trata posiblemente de una de las más bellas del álbum (advierto que no será la última de The Wall en salir en esta lista, y tampoco es la más famosa) en cuanto al tema que trata -la locura del protagonista-, y la forma en que lo hace. Destaca su impresionante solo de guitarra a cargo de Waters. #43 LOSING MY RELIGION - R.E.M., 1991. 4:30 minutos. Rock Alternativo. Álbum: Out of Time. Autores: Will Berry, Peter Buck, Mike Mills, Michael Stipe. R.E.M. fue uno de los grupos de más éxito de finales de los ochenta y de la década de los noventa. Con un sonido genuino e inconfundible, cosa que no es nada fácil de conseguir y que diferencia a los grupos buenos de los demás, tuvieron su mayor éxito con Losing my Religion, una canción que habla del desencanto existencial de una generación que ve cómo los valores en que había sido educada se desmoronan. Los chicos de Michael Stipe se mantuvieron en lo más alto durante dos décadas, dejándonos un gran número de canciones inolvidables, como ejemplo valgan Everybody Hurts, Imitation of Life o Man on the Moon, entre otras muchas. Sin duda, la música de R.E.M. es parte del alma de los 90. #42 EVERY BREATH YOU TAKE - The Police, 1983. 4:15 minutos. Rock, Power Ballad. Álbum: Synchronicity. Autor: Sting. Siento especial debilidad por los Police. Los británicos petaron el panorama musical en los ochenta con un sonido inconfundible. Sé que digo esto de casi todas las canciones que aparecen en la lista, pero es eso lo que las hace merecedoras de ser consideradas como las 100 mejores: que todas tienen un sonido propio e inimitable. En el caso de los Police, los jovenzuelos Sting, Copeland y Summers disfrutaron de un éxito brutal que terminó por engullirlos con solo 5 álbumes en el mercado. Sting fue el único que supo reciclar su carrera, alcanzando gran éxito también en solitario, aunque con una música muy diferente a la de Police. Si bien tienen otras canciones que se pueden considerar míticas como Roxanne o Message in a Bottle, creo que no cabe ninguna duda al respecto de que Every Breath you Take es la gran obra de este grupo que, a pesar de terminar su andadura prematuramente, siempre será considerado como uno de los mega grandes. #41 HEY YOE! - The Jimi Hendrix Experience, 1966. 3:31 minutos. Rock. Álbum: Sencillo. (Smash Hits, 1969). Autor: Billy Roberts. Hey Joe es Jimi en estado puro, visceral, desatado, genial, inimitable, insustituible, insuperable, inclasificable... El que es considerado por muchos (me cuento entre ellos) el mejor guitarrista de la historia suspendió música en el colegio, lo que son las cosas. La historia de Hey Joe es sencilla. Hendrix conoce a Keith Richards, se hace amigo de su novia, Linda, y esta le presenta a Chase Chandler, bajista de los Animals. Éste pensaba dejar la banda y estaba buscando un nuevo proyecto, así que sugirió a Hendrix que hiciese una versión del Hey Joe del blusero Billy Roberts. El esfuerzo de Jimi por lograr una gran canción fue del total agrado de Chandler, así que éste le ayudó a fraguar el proyecto de la Jimi Hendrix Experience junto a Noel Redding y Mitch Michell. Ahora toca disfrutar de esta canción, y el resto de la historia lo contaré en futuras entregas. #40 THE HOUSE OF THE RISING SUN - The Animals, 1964. 4:33 minutos. Rock. Sencillo. Autores: Tradicional, arreglos de Alan Price. La casa del sol naciente es en realidad una canción tradicional de la música estadounidense ambientada en la Nueva Orleans, se cree que de finales del siglo XIX. Cuenta la experiencia de alguien sin demasiada fortuna en esa ciudad, habiendo sido versionada en numerosas ocasiones, las más famosas la de los Animals y la de Joan Baez. En este caso, la versión de los Animals es uno de los mejores exponentes del rock clásico de mediados de los sesenta. Espero que la disfrutéis. #39 PROUD MARY - Credence Clearwater Revival, 1969. 3:09 minutos. Rock sureño, rock and roll. Álbum: Bayou Country. Autor: John Fogerty. La Credence, la banda de John Fogerty que fusionó el country y el rock, obtuvo su primer gran éxito con esta genial y magnífica copla que ha sido versionada en más de 100 ocasiones por numerosos y grandes artistas. La Credence fue una de las bandas más estimadas y reconocidas del panorama musical estadounidense de finales de los sesenta y de la década de los setenta. Liderada por John Fogerty tuvo una trayectoria más bien corta, y con frecuencia su influencia en las generaciones posteriores no ha sido justamente reconocida, si bien es más que evidente. En palabras del propio Bob Dylan -ahí es nada-, Proud Mary es la mejor canción grabada en el año 1969. #38 ME AND BOBBY McGEE - Janis Joplin, 1970. 4:33 minutos. Rock Blues. Álbum: Pearl. Autores: Kris Kristofferson, Fred Foster. Si hablamos de la música de los 60-70, es imperdonable dejar de lado a Janis Joplin, uno de los iconos de la década, pero no solo musicalmente, sino espiritual y socialmente. Janis era la bandera del movimiento contracultural, hippie y feminista, del rock y del blues. Era toda una fuerza de la naturaleza desatada. Después de unirse a The Big Brother and The Holding Company alcanzaron la fama tras actuar en el festival de Monterrey '67, junto a Hendrix, The Mamas & The Papas, Jefferson Airplane, Otis Redding o The Who, lo cual les valió un contrato discográfico con el productor de Bod Dylan. Con Cheap Trills vendieron más de un millón de discos en un mes, y en menos de un año la fama alcanzada por Janis la hizo abandonar el grupo para lanzarse en su carrera en solitario. Tras crear la banda Kozmic Blues, su segundo trabajo no tuvo buenas críticas, y empujada por las circunstancias comenzó a tener problemas con la heroína y el alcohol. Tras su gran éxito en el festival de Woodstock, su vida personal y profesional parecía estar remontando, pero el 4 de octubre del 70 la encontraron muerta por una sobredosis de heroína. Su disco póstumo, Pearl, salió a la venta seis semanas después de su muerte, convirtiéndose en el más vendido durante 14 semanas. Como homenaje, los productores incluyeron el tema Mercedes Benz cantado a capella, era la última canción que había grabado en vida. Me and Bobby McGee, compuesta por Kris Kirstofferson y Fed Foster, fue su gran éxito, y la única canción de Janis en alcanzar el nº 1 del Billboard. En definitiva, un mito de la música que falleció prematuramente a los 27 años, dejando tras de sí una voz insuperable y un legado inolvidable. Ciertamente, esta entrega de la lista debería haber llegado hasta la canción #32, pero he agotado mi tiempo por hoy. Las canciones a estas alturas son tan buenas y los artistas tan interesantes, que resulta imposible hablar de ellos sin recrearse un poco en los detalles. De modo que la que debería haber sido la 5ª entrega de Mis 100 mejores canciones (de la 45-32), va a quedar dividida a su vez en dos entregas. Eso sí, prometo publicarla muy pronto, y no tardar tanto como esta última vez. ¡Doy mi palabra! Gente, he estado escribiendo unas reseñas sobre algunas pelis para ADICTOS AL CINE. Ya sé que no soy Carlos Boyero ni aspiro a llegar a Cahiers du Cinema, pero para que no se pierdan en el tiempo como lágrimas en la lluvia, y para que las lean mis amigos y amigas que no son Adictos, las iré colgando por aquí. Empezaré con una trilogía por la que siento gran afecto. Espero que os guste. A un lado los Baxter, a otro los Rojo y enmedio, yo. ![]() La primera entrega de la famosa Trilogía del Dólar de Sergio Leone, rodada casi exclusivamente en el maravilloso escenario del desierto de Tabernas (Almería, qué mágico es ese lugar), es la menos original de las tres, no por mala, sino porque es un remake de Yojimbo de Kurosawa, en algunas escenas calcado plano a plano. Esto no quita mérito a la de Leone, que sin ánimo de ser sacrílegos, en algunos aspectos incluso mejora a la original. ¿Concretamente en qué? Pues en tener dos monstruos (de la interpretación) a la cabeza como son Volonté e Eastwood, que encarnan un duelo absolutamente mítico. Joe es un vagabundo que llega a una ciudad en plena guerra entre las dos familias más poderosas, los Baxter y los Rojo. La forma en que se infiltra en ambos clanes para conseguir que todos los acontecimientos redunden en su beneficio es magistralmente narrada a lo largo del filme (o calcada del original de Kurosawa, para ser más exactos; y es que no se puede hablar de una película sin hacer referencia a la otra). El caso es que, sin ánimo de spoilear más de la cuenta, por si alguien no la ha visto, diré que el film mantiene la tensión a un nivel magnífico hasta llegar al duelo final entre Ramón y el hombre sin nombre, el que guarda un secreto bajo el poncho. Mención aparte, las escenas del cementerio (en la que el personaje de Eastwood engaña a todo el mundo de una forma genial), o la huida de Joe de la casa de los Rojo tras ser descubierto, dando paso al eminente duelo final. Por supuesto, es imposible no mencionar que en el ambiente resuenan los ecos del silbido de Kurt Savoy y la música mítica de Ennio Morricone (que levante la mano quien no la haya silbado alguna vez). ¿Eastwood frente a Mifune? Toshiro era el puto amo de los samuráis, nadie ha paseado la espada al hombro como él, con ese andar tan pasota que tenía y esa forma de sacudir las caderas. Pero Clint es poco menos que un Dios, y ese poncho, amigos míos, es tan mítico como la máscara de Darth Vader, el esmoquin de Vito Corleone, o la gabardina de Rick Blaine. Las interpretaciones de Volonté (qué malo más bueno) e Eastwood son magníficas, y la película globalmente no decepciona. Leone daría un salto hacia la excelencia en la posterior La muerte tenía un precio, y tocaría el cielo con la tercera, El Bueno, el Feo y el Malo, pero esas son otra historia, gente. ![]() Ficha técnica: Por un puñado de Dólares (Per un pugno di dollari) Italia, 1964. 95 minutos duración. Spaghetti Western. Dirigida por Sergio Leone. Escrita por Adriano Bolzoni, Víctor Andrés Catena, Jaime Comas Gil y Sergio Leone. Reparto: Clint Eastwood (Joe), Gian Maria Volonté (Ramón), Marianne Koch, Wolfgan Lukschy, Sieghart Rupp, y unos cuantos más. SINOPSIS: Tras la muerte de Juárez, en México dominan la injusticia y el terror. Joe (Clint Eastwood), un pistolero vagabundo, llega al pueblo fronterizo de San Miguel, donde dos familias se disputan el control del territorio, y entar al servicio del clan Rojo. Una noche, es testigo del intercambio de oro por armas entre mexicanos y soldados de la Unión. Es un remake en clave de western de "Yojimbo", de Akira Kurosawa. (FILMAFFINITY) Hace algunos meses me embarqué en un proyecto personal cuyo planteamiento no estaba claro desde el principio, y que se fue definiendo a medida que avanzaba en su creación. Comencé haciendo unos diseños basados en unas fotos, algo tan sencillo como dibujar personas. A medida que avanzaba quise no solo desarrollar mi estilo de dibujo, sino además darle mi toque personal a los trabajos. Sin saber muy bien por qué, tenía ante mí una serie de dibujos aparentemente terminados, pero que no me terminaban de convencer. Les faltaba algo, les faltaba alma. La solución me llegó mientras trabajaba escuchando música. ¡Les faltaba música! Y es lo que hice con mis dibujos, ¡ponerles música! En este proyecto he aunado dos de mis grandes pasiones: la búsqueda de la belleza por medio de la pintura, y la poesía hecha música plasmada en las letras de canciones que son significativas para mí. ¡Recomiendo encarecidamente disfrutar de esta obra con la música a todo volumen! ![]() Hola gente. Últimamente he tenido esto un poco abandonado, y es que he estado unos cuantos días fuera de combate (no creo que se haya notado demasiado mi ausencia). La verdadera causa por la que he estado desaparecido ha sido una maldita gripe que me ha tenido entretenido durante las dos últimas semanas, si no he contado mal los días, porque entre fiebres, toses y pastillas llegó un momento en que perdí la cuenta. Tengo que decir que no todo ha sido malo, pues me he tomado esta inactividad como unas pequeñas vacaciones que he dedicado a ver películas (entre 3 y 5 al día, calculo que han sido más de 40 en total). Justo el día en que caí derrotado contra el virus estaba preparando la publicación de un nuevo trabajo, que haré en los próximos días. Pero para no dejar esto demasiado huérfano de novedades, junto a estas líneas dejo un pequeño adelanto, que espero que os deje con ganas de ver más. ¡Un saludo, gente! En estas fechas entrañables en las que se ha convertido en costumbre hacer una recapitulación de los momentos más destacados del año que termina, me llena de orgullo y satisfacción... Que no, no os asustéis, que estaba bromeando. Simplemente se me ha ocurrido la idea (original, por supuesto que no se la he copiado a nadie; ¿acaso a alguien se le había ocurrido antes hacer algo así?) de hacer una breve galería de tan solo 13 imágenes que recuerdan algunos de los momentos (artísticos) más destacados para mí en este año 2013 que se termina, que en este ámbito no ha sido para nada malo. Pinchando en cada imagen podéis acceder a la galería correspondiente. Os deseo lo mejor para 2014, ya sé que en muchos aspectos no será muy complicado mejorar el que se termina. ¡Un saludo! ![]() He realizado una visita a los amigos de Radio Jódar para hablar un rato sobre la exposición de mis carteles de Cine en la inauguración del Festival Internacional de Cómic de Úbeda y Baeza. Os recuerdo que la exposición tendrá lugar durante el concierto inaugural, esta noche (18 de octubre) en el teatro Montemar de Baeza. También os animo a que asistáis mañana (19 de octubre) al Auditorio del Hospital de Santiago, para presenciar la obra de teatro "El Desencuentro", de mi buen amigo Miguel L. Nieto. Pinchando en el reproductor que aparece debajo de estas líneas podéis escuchar la entrevista entera, espero que os guste, y que os animéis a visitar el Festival. Y ya sabéis, no me cansaré jamás de repetirlo, mejor que con los amigos no se está en ningún lugar. |
Juan NepomucenoArte digital, pintura e ilustración, diseño gráfico, murales... Me dedico a todo esto... y a mucho más. Llega "El año en que murió Freddie" mi primer libro de la mano de Domiduca Libreros. ¡No te quedes sin él"
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