#37 WHOLE LOTTA LOVE - Led Zeppelin, 1969.
5:34 minutos. Hard Rock. Álbum: Led Zeppelin II. 
Autores: Jimmy Page, Robert Plant, John Bonham, John Paul Jones, Willie Dixon.

Que viva Led Zeppelin. Resulta complicado resumir su historia e influencia  en unas pocas líneas, más que nada por que con casi total seguridad sean la banda de rock duro más importante de la historia de la música. El grupo se formó en el 68 por el guitarrista Jimmy Page tras su salida de los Yardbirds, con la inclusión de John Paul Jones como bajista y teclista, Robert Plant como vocalista y John Bonham a la batería. Su música aunaba influencias bluseras, rockandrolleras, soul, célticas, hindis, folk e incluso country, conformando un sonido espectacular, impactante, inconfundible e inimitable.  Han pasado más de treinta años desde su disolución y su música sigue siendo estando de actualidad, no solo se escucha en radio, cine, tele o publicidad, sino que siguen vendiéndose como rosquillas. Más de 300 millones de discos vendidos en todo el mundo hacen que solo The Beatles hayan vendido más discos que ellos.
Whole Lotta Love fue la canción que abría su segundo álbum (Led Zeppelin II). Al igual que el resto del álbum tiene marcadas connotaciones sexuales. Algunas de las letras de la canción fueron "tomadas" de un par de temas grabados años atrás por los bluseros Muddy Waters y Willie Dixon, a quienes Plant admiraba. El tema terminó en un juicio ganado por Dixon en el 85, lo cual obligó a que la discográfica lo incluyera como letrista oficial de la canción. Al margen de otras consideraciones, el riff de guitarra de Jimmy Page está considerado por muchos expertos (como la propia casa de guitarras Gibson) como uno de los mejores de la historia. Es una canción para disfrutar con los cinco sentidos. Terminaré de contar la historia de Led Zeppelin en futuras entregas.

#36 MY GENERATION - The Who, 1965.
3:18 minutos. Rock. Álbum: My Generation. Autor: Pete Townshend.

"La primera acreedora del título de banda de rock más grande del mundo". De este modo se refirieron a The Who tras su inclusión en el Hall of Fame of Rock and Roll. Los británicos formados en 1964 por Roger Daltrey, Pete Townshend, John Entwistle y Keith Moon, sin duda que son merecedores de esta etiqueta, habiendo sido una de las más influyentes formaciones del panorama rockanrollero no solo british, sino mundial. En sus actuaciones destruían los instrumentos y destrozaban el escenario, actitud que les ayudó a hacerse muy populares entre los jóvenes. Alcanzaron gran éxito de fans y ventas con álbumes como My generation, A quick one, Who are you o la ópera rock Quadrophenia (de obligada visión para los melómanos). No obstante, tras la muerte del batería Keith Moon en 1978 con tan solo 32 años, la banda solo sacó dos álbumes de estudio antes de separarse en 1982. Después, volvieron a reunirse en ocasiones puntuales hasta que en 2006 los dos únicos miembros originales vivos, Daltrey y Townshend lanzaron un nuevo trabajo.
En cuanto a la canción, My generation quizás sea la más representativa de la banda, una de sus más reconocidas y apreciadas. Compuesta por Pete Townshend con tan solo veinte años, estaba dirigida a los mods, jóvenes británicos rebeldes. Townshend,en referencia a la canción, dijo en alguna ocasión que tenía la sensación de que las personas mayores simplemente no la entendían.

#35 MY WAY - Frank Sinatra, 1969.
4:40 minutos. Pop. Álbum: My Way. 
Autores: Claude François, Jacques Reveaux. Letra: Paul Anka.

La Voz, Frankie Ojos Azules, está considerado como una de las figuras más importantes de la música popular estadounidense del siglo XX, y por ende, del panorama musical mundial. Pocos artistas se han mantenido en la cúspide del éxito durante sesenta años. Basando su repertorio en los compositores más reconocidos de la música popular como Porter, Gershwin o Van Heusen, la radio y el cine le dieron la difusión que lo convirtió en un mito. Aparte de consideraciones técnicas musicales como el tono de su voz, su perfecto fraseo o su dominio del tempo y la respiración, quedan incluso relegados por su capacidad para transmitir sentimientos con las letras y la interpretación de sus canciones.
Sinatra es un mito con más de 1300 canciones grabadas y 50 pelis en su bagaje. Son inolvidables sus colaboraciones con Dean Martin y Sammy Dave Jr. formando el mítico Rat Pack, como por ejemplo en Ocean's Eleven (no confundir con el remake de Clooney-Pitt, mucho mejor la original, no hay color), o su papel en De Aquí a la Eternidad de Fred Zinneman (¿alguien me puede decir qué relación hay entre Sinatra, Elli Wallach y El Padrino de Coppola?)
My Way es una canción francesa bellísima que fue adaptada por Paul Anka, respetando solo la melodía y cambiando casi toda la letra. Cuenta la historia de un hombre mayor que está cercano a la muerte y hace balance de su vida, sintiéndose satisfecho y orgulloso por haberla vivido a su manera (and did it my way). Es, junto a Strangers in the night, la interpretación más celebrada y recordada de Sinatra.


#34 THE BOXER - Simon & Garfunkel, 1970.
5:12 minutos. Folk Rock. Álbum: Bridge Over Troubled Waters. Autor: Paul Simon.

La historia de Simon & Garfunkel (primera parte). Paul Simon y Art Garfunkel fueron amigos desde la infancia. En el 55, tras haber compuesto varios temas, Paul propuso a Art formar un dueto, tenían solo dieciséis añitos. Tras grabar con el nombre de Tom y Jerry  su primera canción, Hey Schoolgirl, un cazatalentos los descubrió y grabaron un álbum que logró vender 100 mil copias. Tras ciertas desvenencias provocadas por la grabación de un sencillo en solitario de Simon (algo que Garfunkel nunca le perdonó), se separaron tomando caminos artísticos diferentes, aunque no llegaron a tener éxito por separado. No fue hasta el 63 cuando volvieron a cantar juntos, dándose a conocer por fin como Simon y Garfunkel. Ese mismo año actuaron en el festival folk de New York junto a Bob Dylan. Después de esto, grabaron su primer disco con Columbia, titulado Wednesday Morning, 3 A.M. Fue un rotundo fracaso y ambos volvieron a separar sus caminos. No obstante, un par de años después The Sound of Silence comenzó a sonar en las radios de Boston dándoles a conocer entre el gran público. Aprovechando el tirón, los avispados productores de la discográfica cambiaron la instrumentación y sacaron un sencillo que cambiaba el estilo de folk a folk-rock. El mundo entero acababa de descubrir a Simon y Garfunkel (la historia continuará en próximas entregas).
En cuanto a la canción presente, The Boxer contiene una de las letras más bellas del dueto, y describe en primera persona los apuros y la soledad de un cantante en la ciudad de Nueva York. Es de sobra archifamoso el puente al estribillo, el na-na-na, etc. En la parte final de la canción la perspectiva cambia a la de un boxeador. Se cree que es una ataque velado a Bob Dylan, quien se ve que no era santo de la devoción de el dúo neoyorquino.


#33 LIGHT MY FIRE - The Doors, 1967.
7:09 minutos. Rock Psicodélico. Álbum: The Doors. Autor: Robby Krieger.

James Douglas Morrison Clarke, The Lizard King (el Rey Lagarto), Mr. Mojo Risin, Jimbo, o simplemente Jim Morrison, es una de las figuras más míticas de la historia del rock. Hablé un poquito de The Doors en la primera entrega de la serie, y en esta ocasión quiero profundizar más en la persona-personaje de Morrison. A finales de los 60, the Doors fueron bandera de la psicodelia musical (junto a Pink Floyd y Jefferson Airplane, quizás los más memorables). Morrison no tenía demasiados conocimientos musicales, apenas sí escribía letras, pero ni componía ni sabía tocar. Por su parte, Manzarek, quien junto a Morrison constituía el alma de la banda, aportó al cuarteto su característica e inconfundible manera de tocar el teclado. En cuanto a Krieger, antes de unirse al grupo apenas se había iniciado como guitarrista. Y John Densmore tocaba la batería. Se podría decir de The Doors que eran un grupo bastante inexperto en sus inicios, pero la excelencia de sus composiciones deja patente que hay gente que ha nacido para hacer música. 
The Doors fue su primer disco (el nombre del disco y de la banda viene de un poema del poeta británico romántico-decadentista William Blake, "the doors of perception"), donde incluyeron la presente canción y The End -ambas incluidas en esta recopilación-, la también genial Break on through y la deliciosa The Crystal Ship entre otras. Con el irrumpieron de lleno en la escena musical sesentera, y pronto se convirtieron en un fenómeno de masas.
En el segundo álbum, Strange Days (People are Strange), el grupo no obtuvo malas ventas, pero sí malas críticas. Con Waiting for the sun (con The Unknow Soldier) y The Shoft Parade (incluyendo Touch Me), aparte de cierto compromiso antibelicista e inconformista en las letras, el grupo se estancó. De hecho, muchas de las canciones habían sido compuestas en la primera época. En Morrison Hotel el grupo regresó al Blues (Roadhouse Blues o Waiting For The Sun), estilo que mantuvo en el último álbum de estudio de Morrison, que dejó un impresionante colofón en L.A. Woman (Riders on the Storm y L.A. Woman).
El repaso a todas estas canciones de forma cronológica deja clara la evolución de la banda y su música y del propio Morrison, quien se convirtió por méritos propios en un mito antes de su trágica muerte. Harto de la fama y acosado por el puritanismo reinante en los EE.UU. en la época Nixon, tras verse sometido a varios procesos penales por conducta obscena y escándalo público, incluida una encarcelación en Miami, huyó del grupo y del país estableciéndose en París junto a su novia Pam. Durante un tiempo se dedicó a escribir poesía y a pasear por las calles disfrutando del anonimato. Hasta que el 3 de julio del 71 apareció muerto en la bañera de su apartamento, supuestamente por un paro cardíaco. Con tan solo 27 años, y en cuestión de menos de un año, se habían marchado tres mitos de la historia de la música, Hendrix, Joplin y Morrison. En cuanto a este último, os recomiendo una excelente película documental sobre su vida, When you're stranger, que podéis ver pinchando en el nombre. El narrador es Johnny Depp, casi nada.

#32 PAINT IT, BLACK - The Rolling Stones, 1966.
3:52 minutos. Rock. Álbum: Aftermath. Autores: Mick Jagger, Keith Richards.

De esta parte de la lista hacia adelante voy a escribir largo y tendido sobre los Stones, sus satánicas majestades. En lo que a esta canción se refiere, está oficialmente compuesta por Jagger y Richards, aunque tanto Charlie Watts como Brian Jones contribuyeron de forma importante para darle a la canción su característico e inconfundible sonido. Formó parte del álbum Aftermath del 66, y fue nº 1 tanto en UK como en EEUU. Se ha asociado con frecuencia a la Guerra de Vietnam gracias a su aparición en pelis como La Chaqueta Metálica de Stanley Kubrick, aunque su letra originalmente no esté inspirada en este acontecimiento. Se cree que Jagger tomó como referencia la muerte de la Reina Victoria, ya que en señal de duelo se pintaron de negro las rejas y las puertas de las casas británicas.
Y aprovecharé esta ocasión para hablar del Rolling maldito, Brian Jones. Uno de los fundadores de la banda en el 62 junto a Ian Stewart, Mick Jagger y Keith Richards. En la primera época fue el líder de la banda, y destacó su influencia en los primeros álbumes de los Rolling, Aftermath, Between the Buttons y Their Satanic Majesties Request. A pesar de que nunca figuró como letrista ni compositor ni vocalista en ninguna de las canciones del grupo, se ha señalado que la creatividad del grupo nunca volvió a ser igual después de su salida del mismo, provocada por su comportamiento y por rencillas con los demás miembros, en especial por un rollete de índole cornúpeta con Richars y su ex novia Anita de por medio. En junio del 69 fue despedido de The Rolling Stones, retirándose a su granja de Sussex. Un mes más tarde apareció muerto en su piscina, supuestamente por un ataque de asma, aunque la suya fue una muerte que generó muchas suspicacias. Tenía tan solo 27 años, al igual que Hendrix, Joplin y Morrison.

El objetivo de llegar hasta la canción #32 ya está cumplido. Solo me quedan 31 más, y espero tener tiempo para ir publicándolas pronto, aunque tenga que ser poco a poco. Eso sí, os puedo asegurar sin miedo a equivocarme que lo que queda de la lista va a ser legen-espera un momento-dario, ¡legendario!

#44 COMFORTABLY NUMB - Pink Floyd, 1979.
6:23 minutos. Rock Sinfónico. Álbum: The Wall. 
Autores: Roger Waters, David Gilmour, Bob Ezrin.

The Wall es la ópera rock de Roger Waters / Pink Floyd. Como comenté en publicaciones anteriores, junto a Dark Side of the Moon y Wish You Were Here compone la trilogía de obras cumbres de la banda británica, álbumes en los que explotaron al máximo su estilo musical y todas su potencialidades. The Wall como doble álbum y como película (lanzada posteriormente) cuenta la historia de un músico ficticio llamado Pink Floyd, su dura infancia en Inglaterra tras quedar huérfano de padre en la Segunda Guerra Mundial, su ascenso como músico de fama mundial, la incomunicación y la infelicidad que le produce el éxito y su caída en desgracia hasta abrazar la locura. Es una obra musical imprescindible para los amantes del rock y una obra audiovisual impactante y casi diría que de obligatorio visionado para comprender la esencia del disco. Si no la habéis visto aún, os dejo un enlace para que lo hagáis, estoy seguro de que no os dejará indiferentes. Está en versión original con subtítulos, deseo que os guste tanto como a mí. Pinchad aquí para ver The Wall.
En cuanto a la canción elegida, Comfortably numb, se trata posiblemente de una de las más bellas del álbum (advierto que no será la última de The Wall en salir en esta lista, y tampoco es la más famosa) en cuanto al tema que trata -la locura del protagonista-, y la forma en que lo hace. Destaca su impresionante solo de guitarra a cargo de Waters.

#43 LOSING MY RELIGION - R.E.M., 1991.
4:30 minutos. Rock Alternativo. Álbum: Out of Time. 
Autores: Will Berry, Peter Buck, Mike Mills, Michael Stipe.

R.E.M. fue uno de los grupos de más éxito de finales de los ochenta y de la década de los noventa. Con un sonido genuino e inconfundible, cosa que no es nada fácil de conseguir y que diferencia a los grupos buenos de los demás, tuvieron su mayor éxito con Losing my Religion, una canción que habla del desencanto existencial de una generación que ve cómo los valores en que había sido educada se desmoronan. Los chicos de Michael Stipe se mantuvieron en lo más alto durante dos décadas, dejándonos un gran número de canciones inolvidables, como ejemplo valgan Everybody Hurts, Imitation of Life o Man on the Moon, entre otras muchas. Sin duda, la música de R.E.M. es parte del alma de los 90.

#42 EVERY BREATH YOU TAKE - The Police, 1983.
4:15 minutos. Rock, Power Ballad. Álbum: Synchronicity. Autor: Sting.

Siento especial debilidad por los Police. Los británicos petaron el panorama musical en los ochenta con un sonido inconfundible. Sé que digo esto de casi todas las canciones que aparecen en la lista, pero es eso lo que las hace merecedoras de ser consideradas como las 100 mejores: que todas tienen un sonido propio e inimitable. En el caso de los Police, los jovenzuelos Sting, Copeland y Summers disfrutaron de un éxito brutal que terminó por engullirlos con solo 5 álbumes en el mercado. Sting fue el único que supo reciclar su carrera, alcanzando gran éxito también en solitario, aunque con una música muy diferente a la de Police. Si bien tienen otras canciones que se pueden considerar míticas como Roxanne o Message in a Bottle, creo que no cabe ninguna duda al respecto de que Every Breath you Take es la gran obra de este grupo que, a pesar de terminar su andadura prematuramente, siempre será considerado como uno de los mega grandes.

#41 HEY YOE! -  The Jimi Hendrix Experience, 1966.
3:31 minutos. Rock. Álbum: Sencillo. (Smash Hits, 1969). Autor: Billy Roberts.

Hey Joe es Jimi en estado puro, visceral, desatado, genial, inimitable, insustituible, insuperable, inclasificable... El que es considerado por muchos (me cuento entre ellos) el mejor guitarrista de la historia suspendió música en el colegio, lo que son las cosas. La historia de Hey Joe es sencilla. Hendrix conoce a Keith Richards, se hace amigo de su novia, Linda, y esta le presenta a Chase Chandler, bajista de los Animals. Éste pensaba dejar la banda y estaba buscando un nuevo proyecto, así que sugirió a Hendrix que hiciese una versión del Hey Joe del blusero Billy Roberts. El esfuerzo de Jimi por lograr una gran canción fue del total agrado de Chandler, así que éste le ayudó a fraguar el proyecto de la Jimi Hendrix Experience junto a Noel Redding y Mitch Michell. Ahora toca disfrutar de esta canción, y el resto de la historia lo contaré en futuras entregas.

#40 THE HOUSE OF THE RISING SUN - The Animals, 1964.
4:33 minutos. Rock. Sencillo. Autores: Tradicional, arreglos de Alan Price.

La casa del sol naciente es en realidad una canción tradicional de la música estadounidense ambientada en la Nueva Orleans, se cree que de finales del siglo XIX. Cuenta la experiencia de alguien sin demasiada fortuna en esa ciudad, habiendo sido versionada en numerosas ocasiones, las más famosas la de los Animals y la de Joan Baez. En este caso, la versión de los Animals es uno de los mejores exponentes del rock clásico de mediados de los sesenta. Espero que la disfrutéis.

#39 PROUD MARY - Credence Clearwater Revival, 1969.
3:09 minutos. Rock sureño, rock and roll. Álbum: Bayou Country. Autor: John Fogerty.

La Credence, la banda de John Fogerty que fusionó el country y el rock, obtuvo su primer gran éxito con esta genial y magnífica copla que ha sido versionada en más de 100 ocasiones por numerosos y grandes artistas. La Credence fue una de las bandas más estimadas y reconocidas del panorama musical estadounidense de finales de los sesenta y de la década de los setenta. Liderada por John Fogerty tuvo una trayectoria más bien corta, y con frecuencia su influencia en las generaciones posteriores no ha sido justamente reconocida, si bien es más que evidente. En palabras del propio Bob Dylan -ahí es nada-, Proud Mary es la mejor canción grabada en el año 1969.

#38 ME AND BOBBY McGEE - Janis Joplin, 1970.
4:33 minutos. Rock Blues. Álbum: Pearl. Autores: Kris Kristofferson, Fred Foster.

Si hablamos de la música de los 60-70, es imperdonable dejar de lado a Janis Joplin, uno de los iconos de la década, pero no solo musicalmente, sino espiritual y socialmente. Janis era la bandera del movimiento contracultural, hippie y feminista, del rock y del blues. Era toda una fuerza de la naturaleza desatada. Después de unirse a The Big Brother and The Holding Company alcanzaron la fama tras actuar en el festival de Monterrey '67, junto a Hendrix, The Mamas & The Papas, Jefferson Airplane, Otis Redding o The Who, lo cual les valió un contrato discográfico con el productor de Bod Dylan. Con Cheap Trills vendieron más de un millón de discos en un mes, y en menos de un año la fama alcanzada por Janis la hizo abandonar el grupo para lanzarse en su carrera en solitario. Tras crear la banda Kozmic Blues, su segundo trabajo no tuvo buenas críticas, y empujada por las circunstancias comenzó a tener problemas con la heroína y el alcohol. Tras su gran éxito en el festival de Woodstock, su vida personal y profesional parecía estar remontando, pero el 4 de octubre del 70 la encontraron muerta por una sobredosis de heroína. Su disco póstumo, Pearl, salió a la venta seis semanas después de su muerte, convirtiéndose en el más vendido durante 14 semanas. Como homenaje, los productores incluyeron el tema Mercedes Benz cantado a capella, era la última canción que había grabado en vida. Me and Bobby McGee, compuesta por Kris Kirstofferson y Fed Foster, fue su gran éxito, y la única canción de Janis en alcanzar el nº 1 del Billboard. En definitiva, un mito de la música que falleció prematuramente a los 27 años, dejando tras de sí una voz insuperable y un legado inolvidable.

Ciertamente, esta entrega de la lista debería haber llegado hasta la canción #32, pero he agotado mi tiempo por hoy. Las canciones a estas alturas son tan buenas y los artistas tan interesantes, que resulta imposible hablar de ellos sin recrearse un poco en los detalles. De modo que la que debería haber sido la 5ª entrega de Mis 100 mejores canciones (de la 45-32), va a quedar dividida a su vez en dos entregas. Eso sí, prometo publicarla muy pronto, y no tardar tanto como esta última vez. ¡Doy mi palabra!

Gente, he estado escribiendo unas reseñas sobre algunas pelis para ADICTOS AL CINE. Ya sé que no soy Carlos Boyero ni aspiro a llegar a Cahiers du Cinema, pero para que no se pierdan en el tiempo como lágrimas en la lluvia, y para que las lean mis amigos y amigas que no son Adictos, las iré colgando por aquí. Empezaré con una trilogía por la que siento gran afecto. Espero que os guste.

La primera entrega de la famosa Trilogía del Dólar de Sergio Leone, rodada casi exclusivamente en el maravilloso escenario del desierto de Tabernas (Almería, qué mágico es ese lugar), es la menos original de las tres, no por mala, sino porque es un remake de Yojimbo de Kurosawa, en algunas escenas calcado plano a plano. Esto no quita mérito a la de Leone, que sin ánimo de ser sacrílegos, en algunos aspectos incluso mejora a la original. ¿Concretamente en qué? Pues en tener dos monstruos (de la interpretación) a la cabeza como son Volonté e Eastwood, que encarnan un duelo absolutamente mítico.
Joe es un vagabundo que llega a una ciudad en plena guerra entre las dos familias más poderosas, los Baxter y los Rojo. La forma en que se infiltra en ambos clanes para conseguir que todos los acontecimientos redunden en su beneficio es magistralmente narrada a lo largo del filme (o calcada del original de Kurosawa, para ser más exactos; y es que no se puede hablar de una película sin hacer referencia a la otra). 

El caso es que, sin ánimo de spoilear más de la cuenta, por si alguien no la ha visto, diré que el film mantiene la tensión a un nivel magnífico hasta llegar al duelo final entre Ramón y el hombre sin nombre, el que guarda un secreto bajo el poncho. Mención aparte, las escenas del cementerio (en la que el personaje de Eastwood engaña a todo el mundo de una forma genial), o la huida de Joe de la casa de los Rojo tras ser descubierto, dando paso al eminente duelo final. Por supuesto, es imposible no mencionar que en el ambiente resuenan los ecos del silbido de Kurt Savoy y la música mítica de Ennio Morricone (que levante la mano quien no la haya silbado alguna vez).
¿Eastwood frente a Mifune? Toshiro era el puto amo de los samuráis, nadie ha paseado la espada al hombro como él, con ese andar tan pasota que tenía y esa forma de sacudir las caderas. Pero Clint es poco menos que un Dios, y ese poncho, amigos míos, es tan mítico como la máscara de Darth Vader, el esmoquin de Vito Corleone, o la gabardina de Rick Blaine. Las interpretaciones de Volonté (qué malo más bueno) e Eastwood son magníficas, y la película globalmente no decepciona. Leone daría un salto hacia la excelencia en la posterior La muerte tenía un precio, y tocaría el cielo con la tercera, El Bueno, el Feo y el Malo, pero esas son otra historia, gente.

Ficha técnica:
Por un puñado de Dólares
(Per un pugno di dollari)
Italia, 1964.
95 minutos duración.
Spaghetti Western.
Dirigida por Sergio Leone. Escrita por Adriano Bolzoni, Víctor Andrés Catena, Jaime Comas Gil y Sergio Leone.
Reparto: Clint Eastwood (Joe), Gian Maria Volonté (Ramón), Marianne Koch, Wolfgan Lukschy, Sieghart Rupp, y unos cuantos más.

SINOPSIS: Tras la muerte de Juárez, en México dominan la injusticia y el terror. Joe (Clint Eastwood), un pistolero vagabundo, llega al pueblo fronterizo de San Miguel, donde dos familias se disputan el control del territorio, y entar al servicio del clan Rojo. Una noche, es testigo del intercambio de oro por armas entre mexicanos y soldados de la Unión. Es un remake en clave de western de "Yojimbo", de Akira Kurosawa. (FILMAFFINITY)

Hace algunos meses me embarqué en un proyecto personal cuyo planteamiento no estaba claro desde el principio, y que se fue definiendo a medida que avanzaba en su creación. Comencé haciendo unos diseños basados en unas fotos, algo tan sencillo como dibujar personas. A medida que avanzaba quise no solo desarrollar mi estilo de dibujo, sino además darle mi toque personal a los trabajos. Sin saber muy bien por qué, tenía ante mí una serie de dibujos aparentemente terminados, pero que no me terminaban de convencer. Les faltaba algo, les faltaba alma. La solución me llegó mientras trabajaba escuchando música. ¡Les faltaba música!
Y es lo que hice con mis dibujos, ¡ponerles música! En este proyecto he aunado dos de mis grandes pasiones: la búsqueda de la belleza por medio de la pintura, y la poesía hecha música plasmada en las letras de canciones que son significativas para mí. ¡Recomiendo encarecidamente disfrutar de esta obra con la música a todo volumen! 

Hola gente. Últimamente he tenido esto un poco abandonado, y es que he estado unos cuantos días fuera de combate (no creo que se haya notado demasiado mi ausencia). La verdadera causa por la que he estado desaparecido ha sido una maldita gripe que me ha tenido entretenido durante las dos últimas semanas, si no he contado mal los días, porque entre fiebres, toses y pastillas llegó un momento en que perdí la cuenta. Tengo que decir que no todo ha sido malo, pues me he tomado esta inactividad como unas pequeñas vacaciones que he dedicado a ver películas (entre 3 y 5 al día, calculo que han sido más de 40 en total).
Justo el día en que caí derrotado contra el virus estaba preparando la publicación de un nuevo trabajo, que haré en los próximos días. Pero para no dejar esto demasiado huérfano de novedades, junto a estas líneas dejo un pequeño adelanto, que espero que os deje con ganas de ver más. ¡Un saludo, gente!

En estas fechas entrañables en las que se ha convertido en costumbre hacer una recapitulación de los momentos más destacados del año que termina, me llena de orgullo y satisfacción... Que no, no os asustéis, que estaba bromeando. 
Simplemente se me ha ocurrido la idea (original, por supuesto que no se la he copiado a nadie; ¿acaso a alguien se le había ocurrido antes hacer algo así?) de hacer una breve galería de tan solo 13 imágenes que recuerdan algunos de los momentos (artísticos) más destacados para mí en este año 2013 que se termina, que en este ámbito no ha sido para nada malo. Pinchando en cada imagen podéis acceder a la galería correspondiente. Os deseo lo mejor para 2014, ya sé que en muchos aspectos no será muy complicado mejorar el que se termina. ¡Un saludo!

He realizado una visita a los amigos de Radio Jódar para hablar un rato sobre la exposición de mis carteles de Cine en la inauguración del Festival Internacional de Cómic de Úbeda y Baeza.
Os recuerdo que la exposición tendrá lugar durante el concierto inaugural, esta noche (18 de octubre) en el teatro Montemar de Baeza. También os animo a que asistáis mañana (19 de octubre) al Auditorio del Hospital de Santiago, para presenciar la obra de teatro "El Desencuentro", de mi buen amigo Miguel L. Nieto. 
Pinchando en el reproductor que aparece debajo de estas líneas podéis escuchar la entrevista entera, espero que os guste, y que os animéis a visitar el Festival. Y ya sabéis, no me cansaré jamás de repetirlo, mejor que con los amigos no se está en ningún lugar.

Los próximos días 18, 19 y 20 de octubre se va a celebrar en las ciudades Patrimonio de la Humanidad de Úbeda y Baeza el Festival Internacional del Cómic Europeo.
Es un acontecimiento único en España, y sus contenidos girarán en torno a la producción europea del noveno arte. Hasta hoy, el cómic europeo no había tenido su hueco propio dentro de los diferentes certámenes o festivales nacionales, habiéndose visto obligado a compartir espacios con manga o cómic americano. Así que es una gran ocasión para acercarse a la excelente producción europea, y en el marco incomparable de las ciudades de Úbeda y Baeza.
Para más información sobre el festival, podéis pinchar en este enlace.

Con motivo de la celebración de este festival voy a tener el privilegio de exponer algunos de mis últimos trabajos. La exposición se llevará a cabo el próximo viernes (18 de octubre), durante la celebración del concierto "Del Cómic al Cine", donde la Banda de música de Baeza interpretará piezas musicales de cine tan clásicas y míticas como Superman, Pîratas del Caribe, El Bueno, El Feo y El Malo o Excalibur. 
El concierto servirá de inauguración oficial al Festival y que tendrá lugar en el Teatro Montemar de Baeza, a partir de las 21:30 h de la noche. La entrada es libre hasta completar el aforo (alrededor de 400 espectadores), así que los organizadores recomiendan llegar con suficiente tiempo de antelación. La apertura de puertas será a las 20:30, y desde entonces me encontraré en el lugar exponiendo algunas de las obras de mi última serie, "Juan Nepomuceno: de Cine".  Si os animáis, nos vemos allí.

Nunca me cansaré de repetir lo grato que resulta trabajar con amigos. En esta ocasión voy a tener el privilegio de anunciar el lanzamiento de la página web de mi buen colega Miguel Nieto. Ya tuve el honor de adelantar hace unas semanas las primeras imágenes del proyecto en que he colaborado con él, Cancionero Elemental, y por fin podemos decir que es una realidad. Ha sido para mí un placer la tarea de diseñar gráficamente no solo el disco, sino también la página web. Ya estáis tardando en dar una vuelta, y sobre todo, escuchar las canciones de este Cancionero Elemental que suena muy, muy bien, y no lo digo porque sea el trabajo de un colega, sino porque es verdad. Solo tenéis que pinchar en la imagen de abajo, y estaréis en su web. ¡Un saludo, gente!

Nunca me cansaré de señalar que trabajar con amigos es un placer. No lo ha sido menos que en otras ocasiones colaborar con Miguel Nieto diseñando las cubiertas del disco que tiene previsto grabar durante el mes de junio (si no recuerdo mal, aunque es posible que las fechas no sean exactas).

Bueno, eso de "money for nothing" para la canción está bien, pero en la realidad dudo que quien haya gastado dinero en algunos de los siguientes discos y/o canciones se arrepienta de ello. Son todos magníficos los que traigo en esta cuarta entrega de la lista de mis 100 canciones (aquí la primera; la segunda; la tercera). Llevaba cierto tiempo sin publicar una entrada de este tema, debido a que anduve ciertamente ocupado en las últimas semanas. Prometo que no volverá a suceder. Por supuesto que la mía es una lista subjetiva, pero sí soy objetivo si digo que todas estas canciones son muy buenas. Por cierto, lo mejor aún está por llegar...

#57 MONEY FOR NOTHING - Dire Straits, 1985.
8:29 minutos. Rock.  Álbum: Brother in Arms. Autores: Mark Knopfler y Sting.

Money for Nothing es uno de los temas más exitosos de la carrera de un gran grupo como son los Dire Straits. Para su elaboración, Knopfler contó con la colaboración de Sting. Ambos eran ya dos artistas totalmente consagrados, Sting con The Police (cerca ya de la disolución en 1985) y Knopfler con Dire Stratis. El camino para llegar hasta la cima, al menos para Knopfler, no había sido sencillo. Cuando los Dire Straits lanzaron el álbum de 1985 "Brothers in Arms" ya habían transcurrido siete años desde su irrupción en la escena musical con el magnífico álbum "Dire Straits" y su inolvidable "Sultans of Swing". Por el camino, sembraron la escena musical de magníficas canciones como "Down to the Waterline", "Lady Writer", "Tunnel of Love", "Romeo and Juliet", "Telegraph Road" o "Love Over Gold", y ya enfilaban los últimos años de existencia del grupo. Sin duda alguna, Dire Straits es uno de esos grupos imprescindibles, y la guitarra de Mark Knopfler una de las mejores que podemos escuchar.

#56 BILLIE JEAN - Michael Jackson, 1982.
4:57 minutos. Pop.  Álbum: Thriller. Autor: Michael Jackson.

Si hablamos de Pop, hay que hablar inevitablemente de Michael Jackson. Lo de inevitablemente parece que suena mal, pero no es la intención. El Jacko de los ochenta era el Rey Midas de la música, todo lo que tocaba se convertía en oro, y quizás Billie Jean sea su mayor contribución a la historia de la música. Dentro del álbum Thriller ya tuve ocasión de hablar en la primera entrega de esta serie. Sobre Billie Jean, hay poco que decir que no se haya repetido ya miles de veces. Un bajo espectacular y la voz de Jackson en todo su esplendor conforman un conjunto a la altura de pocos artistas. Y el moonwalk en el videoclip... para disfrutarlo. Lo mejor es quedarse con este recuerdo de Jacko.

#55 BORN TO RUN - Bruce Springsteen, 1975.
4:34 minutos. Rock.  Álbum: Born to Run. Autor: Bruce Springsteen.

"Born to Run", el álbum, es la obra maestra de Bruce Springsteen, un músico en cuyo repertorio podemos encontrar grandes discos y mejores canciones. Este disco es especial. Fue su primer mega-éxito, publicado en 1975 y considerado como su mejor trabajo y uno de los más importantes de la música rock de todos los tiempos. El toque que caracteriza a este disco es, sobre todo, el inconfundible sonido "Springsteen", por llamarlo de alguna forma, con sus introducciones instrumentales, un deleite para el oído. Después de esto, la carrera de Springsteen es de sobra conocida por todos, y es que sigue manteniendo en sus composiciones ese sello personal que le hace incofundible y casi inimitable, sus actuaciones en directo son uno de los mejores espectáculos artísticos que se pueden presenciar y, aún hoy, después de cuarenta años de carrera musical, sigue estando en la cima. "The Boss", un genio.

#54 LONG TRAIN RUNNIN' - The Doobie Brothers, 1973.
3:31 minutos. Funk Rock.  Álbum: The Captain and Me. Autor: Tom Johnston.

The Doobie Brothers fue un grupo californiano formado a  principios de los 70 por Tom Johnston, John Hartman y Greg Murph. Posteriormente se unieron al grupo otros miembros de gran importancia, como Jeff Baxter y Michael McDonald. Inclinados en sus inicios por una fusión de country rock, gospel e instrumentos de viento fueron evolucionando hacia una música de inspiración funk, soul, pop y rock and roll. Fueron un grupo, hasta su disolución en 1982, que gozó de gran éxito de ventas. De su álbum de 1973 "The Captain and Me" procede la presente canción, una de las más conocidas y versionadas del grupo y que, como muchas otras grandes canciones tuvo un origen envuelto en cierta improvisación. Magnífica, sin duda. Por cierto, que el grupo volvió a unirse en 1989, y hasta el día de hoy permanecen en activo.
 

#53 BROWN EYED GIRL - Van Morrison, 1967.
3:03 minutos. Pop. Álbum: Blowin' Your Mind.  Autor: Van Morrison.

"Van the Man" es un músico muy influyente en la música contemporánea. Su dominio de estilos como el folk, el blues, el country, el gospel, el rithm & bues, el jazz... y el mestizaje que ha hecho en sus composiciones de estos estilos,  unidos al dominio que tiene de varios instrumentos como la armónica, la guitarra, el saxo o el piano han propiciado que tenga tal consideración. Si hablamos de "Brown Eyed Girl", hablamos de su canción más conocida y la que impulsó su carrera en solitario tras abandonar el grupo "Them". En palabras de Paul Williams (un productor musical), se supone que es una canción sobre sexo, juventud, la memoria, pero sobre todo sobre el cantar". Está reconocida como una de las canciones más difundidas por radio de la historia de la música contemporánea, y es una auténtica delicia que vale la pena disfrutar en repetidas ocasiones.

#52 TIME OF THE SEASON - The Zombies, 1969.
3:32 minutos. Pop. Álbum: Odessey and Oracle. Autor: Rod Argent.

"What's your name? Who's your daddy? Is he rich like me?" The Zombies nunca llegaron a alcanzar la fama de la que gozaron otras bandas británicas, si bien no obtuvieron malas críticas por sus contemporáneos. Nunca llegaron a seducir al público británico en exceso, y de hecho su éxito fue mayor en los EE.UU. que en su propio país. Pero, sin lugar a dudas, el legado musical del grupo incluye algunas pequeñas joyas de la música de todos los tiempos, como es la presente "Time of Season", una canción grabada en el año 68 y que no alcanzó su mayor éxito hasta después de la disolución de la banda, ya en el año 69. Es una canción que habla del famoso "verano del amor". Vale la pena escucharla con atención.

#51 TIME - Pink Floyd, 1973.
7:08 minutos. Rock progresivo.  Álbum: The Dark Side of the Moon. Autor: Roger Waters.

Un poquito de historia de Pink Floyd, para quien no los conozca demasiado. El grupo fue fundado en el año 64, por Roger Waters, Nick Mason y Rick Wright. Pronto se unió a la banda Syd Barrett, ocupando el puesto de vocalista. Las composiciones de la banda en sus primeros tiempos guardan un cierto parecido con la música de The Beatles con aires psicodélicos, solo hay que escuchar "See Emily Play", su primer gran éxito. Durante el año 67, anduvieron de gira por EE.UU. junto al gran Jimi Hendrix, con lo que la popularidad del grupo fue aumentando poco a poco, y más aún con su primer gran álbum, "The Piper at the Gates of Dawn". No obstante, los problemas de Syd Barret con las drogas propiciaron su prematura salida del grupo y la llegada de David Gilmour... Y así comenzó a forjarse el auténtico e inconfundible estilo psicodélico, el rock progresivo, de Pink Floyd, que apuntaba maneras en "A Saucerful of Secrets" y "Ummagumma", pero que no alcanzó su cima creativa hasta el lanzamiento al mercado en el año 73 del espectacular "The Dark Side of The Moon", el primero de la gran trilogía del grupo (The Dark Side of the Moon - Wish you Were Here - The Wall). Desde la genial portada, diseñada por Hipgnosis y George Hardie, con el mítico prisma refractando la luz, un auténtico icono de la música, hasta sus canciones, las cuales es recomendable escuchar en conjunto, conforman un álbum auténticamente inolvidable.

#50 HIGHWAY STAR (LIVE) - Deep Purple, 1973.
6:54 minutos. Hard Rock.  Álbum: Made in Japan. 
Autores: Ian Gillian, Ritchie Blackmore, Roger Glover, John Lord e Ian Paice.

Deep Purple es el Hard Rock, el Hard Rock es Deep Purple. Se hace complicado hablar de un grupo tan longevo como este, por el que han pasado tantos componentes y que ha sufrido tantas modificaciones, siguiendo aún hoy en día en activo. No obstante, no resulta complicado reconocer su sonido, y menos aún el de su mejor época, a la que pertenece el genial álbum en directo "Made in Japan", grabado en tres conciertos en el verano de 1972 en Osaka (15 y 16 de agosto) y Tokio (día 17 de agosto). La mayoría de las canciones que el grupo interpretó en aquel concierto fueron extraídas del último álbum que habían editado en aquel momento, "Machine Head"... Ian Gillan, el vocalista, afirmó no estar satisfecho con su interpretación, ya que hacía poco que había salido de una bronquitis, mientras que Ian Paice (batería) y Roger Glover (bajista), señalaron que fue su mejor interpretación como miembros de Deep Purple. Lo cierto es que se convirtió en el álbum más vendido del grupo, uno de los más vendidos de la historia del rock, y que la interpretación de Ritchie Blackmore con la guitarra es absolutamente sublime, en especial en esta soberbia "Highway Star", y sobre todo a partir del minuto 4 del enlace. Absolutamente LEGEN -espera un momento- DARIA.

#49 CHANGES - David Bowie, 1972.
3:37 minutos. Glam Rock.  Álbum: Hunky Dory. Autor: David Bowie.

Ese tipo delgado y extraño con un ojo de dada color llamado de muchas formas, pero conocido como David Bowie. Qué se puede decir de Ziggy Stardust sin caer en la repetición, me pregunto. Qué se puede decir de un artista cuya carrera comenzó hace casi cincuenta años, y que aún hoy sigue siendo considerado como uno de las figuras más importantes de la música británica y mundial. Músico, compositor, actor, productor, arreglista... Sus trabajos en la década de los 70, especialmente, son archiconocidos, no solo por su voz sino por la intelectualidad de sus letras. Tras una primera época de música psicodélica, con éxitos como "Space Oddity", continuó con su evolución musical hasta el Glam Rock, estilo en el que se incluye la presenta canción y... no voy contar nada más de Bowie porque me quedo sin contenido para...

#48 I WILL SURVIVE - Gloria Gaynor, 1978.
4:58 minutos.  Disco. Álbum: Love Tracks. Autor: Freddie Perren y Dino Fekaris.

Freddie Perren y Dino Fekaris escribieron "I Will Survive", una bonita canción que cuenta en primera persona como una persona trata de recuperarse de una dolorosa separación. Gloria Gaynor, posiblemente la más conocida artista de la música disco, se encargó de convertirla en una canción inmortal, que ha sonado miles de veces en cine, televisión, publicidad, versionada en más ocasiones aún, repetida en millones de karaokes y adoptada como himno feminista y gay. Ciertamente, un clásico de los setenta que se deja escuchar muy bien, a pesar de la gran cantidad de veces que ha sido repetida.

#47 THE WEIGHT - The Band, 1968.
4:37 minutos. Folk Rock.  Álbum: Music from Big Pink. Autor: Robbie Robertson.

Vale la pena acercarse a la obra de The Band, una de las bandas de música más conocidas durante los 60 y los 70, quizás un poco caída en el olvido hoy en día. Integrada por Rick Danko, Garth Hudson, Richard Manuel, Robbie Robertson y Levon Helm, este conjunto canadiense dio muchas vueltas desde su fundación en 1958 hasta unirse en el 65 a Bob Dylan para acompañarlo en su gira estadounidense y mundial del año siguiente (no es otra que la famosa gira mundial de Bob Dylan reflejada en películas como "No Direction Home", "I'm Not There" o "Don't Look Back", imprescindibles). Dylan continuó trabajando con The Band durante años, y de esta colaboración surgieron varios álbumes como "The Basement Tapes", del 75, "Planet Waves" del 74, y sobre todo el genial directo de "Before the Flood" también del año 74. "The Weight" es una de las canciones que abanderaron el movimiento contracultural de finales de los 60, además de ser una canción versionada en gran cantidad de ocasiones, aunque pasó sin demasiado éxito por las listas de ventas. Una joya de la música de los sesenta, sin duda.

#46 ALL ALONG THE WATCHTOWER - Bob Dylan, 1967.
2:33 minutos.  Folk. Álbum: John Wesley Harding. Autor: Bob Dylan.

Después de evolucionar del Folk a Rock en "Bringing It All Back Home", "Highway 61 Revisited" y "Blonde on Blonde" (de los que hablaré más adelante), Dylan regresó a sus orígenes Folk en el álbum "John Wesley Harding", álbum que fue grabado de modo simultáneo al anteriormente mencionado "The Basement Tapes". Obtuvo un buen éxito de crítica y ventas, si bien Dylan regresó con posterioridad a las composiciones más eléctricas. "All Along the Watchtower" fue la canción más reconocida de este disco, siendo la que Dylan ha interpretado en más ocasiones en directo a lo largo de su extensa carrera musical (se comenta que más de 1.400 veces). La letra está cargada de metáforas, y es de un simbolismo conceptual extremo, por otra parte algo más que frecuente en Dylan. Está considerada como una de las mejores letras de la historia de la música contemporánea, si bien la canción original de Dylan quedó en un segundo plano apenas un año después de su lanzamiento, debido a la versión que un genial guitarrista hizo de ella, pero esa es otra historia...

Prometo intentar tardar menos tiempo en publicar la siguiente lista, que irá desde la canción nº 45 de la lista hasta la 32. Me da la impresión de que en ella deambularé hacia el infierno, perderé mi religión, patearé la gran manzana, y otras cosas peores... o mejores, según se mire. Ya van quedando menos.

Por supuesto que el espectáculo debe continuar, siempre. Sobre todo si es un buen espectáculo, como esta lista de mis 100 mejores canciones de la que os traigo la tercera entrega (Aquí la primera, aquí la segunda). Claro que es una lista subjetiva, nunca he afirmado lo contrario, pero también es una lista excelente, y ni siquiera hemos llegado a la mitad, ¿alguien da más? A disfrutarlas, ya advierto que esto va mejorando, y mejor que se va a poner...

#72 SWEET CHILD O'MINE - Guns N Roses, 1987.
5:55 minutos. Hard Rock.  Álbum: Appetite for Destruction. 
Autores: Axl Rose, Slash e Izzy Stradlin.

Ni siquiera sé por dónde empezar con Guns N Roses, o lo que es lo mismo, Axl Rose y Slash, Slash y Axl Rose. Slash, ese extraño tipo pelijoso con sombrero al que resultaba complicado verle los ojos, un auténtico virtuoso de la guitarra (solo hay que escuchar los primeros 45 segundos de esta canción para comprobarlo), y Axl Rose, cantante y compositor, cerebro del grupo. Uno de los "matrimonios" musicales más espectaculares, al menos en lo que a música rock se refiere, que terminó, como muchos matrimonios, en divorcio sonado. Pero antes de llegar a la ruptura cosecharon grandes éxitos con canciones fabulosas como "November Rain", "Civil War", "Paradise City", "Welcome to the Jungle" o su mayor éxito, sin duda alguna, la presente "Sweet Child O'Mine". No quisiera dejar este grupo sin comentar la calidad de las versiones que de otros artistas han realizado ("Knockin' on heavens door" de Dylan o "Live and Let Die" de Paul McCartney). Tras la separación en 1997, en 2008 sacaron un nuevo álbum, ya sin Slash, llamado "Chinese Democracy".

#71 BORN IN THE U.S.A. - Bruce Springsteen, 1984.
4:39 minutos. Rock.  Álbum: Born in the U.S.A. Autor: Bruce Springsteen.

Que Bruce Springsteen es uno de los tipos más grandes de la música de los últimos 40 años creo que nadie lo pone en duda. Ha mantenido una línea de excelencia en sus obras que está al alcance de pocos artistas, ya desde sus primeras composiciones hasta su primer mega-éxito, el genial álbum "Born to Run" (del que ya tendré ocasión de hablar en próximas entregas, lo aviso). En este caso, toca comentar una magnífica canción que abre y da título al séptimo álbum de estudio de "The Boss". Para quien no haya escuchado el disco completo, hay que decir que estamos ante uno de los mejores, de los más completos, absolutamente inolvidable, no solo de Springsteen, sino posiblemente de cuantos se hayan lanzado en los últimos 30 años, con composiciones como "Glory Days", "Dancing in the Dark" o "My Hometown". En cuanto a "Born in the U.S.A.", cuenta la historia de un soldado que vuelve de la Guerra de Vietnam. Magnífica canción, una obra maestra del maestro de New Jersey, Bruce Springsteen.

#70 MAGGIE MAY - Rod Stewart, 1972.
5:15 minutos. Rock Folk.  Álbum: Every Picture Tells a Story. Autores: Rod Stewart y Martin Quittenton.

Esta canción no tiene nada que ver con la tradicional de la zona portuaria de Liverpool que habla de una prostituta que roba a un marinero. Debo decir que conozco a alguna persona que piensa que esta canción es de M-Clan, pero en realidad "Maggie Despierta" es solo una adaptación (magnífica, por cierto) de la obra maestra de nuestro primo de la zona de Escocia, míster Rod Stewart. Hay que decir que Rod Stewart, en realidad, es londinense, aunque su familia es de origen escocés. Por lo demás, es uno de los artistas que más discos han vendido en la historia de la música (más de 150 millones). Con eso está casi todo dicho, pero por si a alguien no le convence, solo hay que escuchar esta magnífica "Maggie May", su canción más famosa sin duda, basada en una experiencia personal, la relación con una mujer algunos años mayor que él. Un auténtico deleite de canción.

#69 WONDERWALL - Oasis, 1995.

4:18 minutos. Rock Alternativo.  Álbum: (What's the Story) Morning Glory? Autor: Noel Gallagher.

Se habló mucho de Oasis en la época en que sacaron esta canción. Decían de ellos que eran los nuevos Beatles, y eso termina sepultando la carrera de cualquiera. No obstante, los Gallagher, Noel y Liam, consiguieron (y aún hoy siguen haciendo música por separado) convertirse a mediados de los noventa en una banda mítica de la historia de la música británica, no solo por su gran éxito de ventas, sino por la calidad de sus composiciones. "Wonderwall" es, quizás, su canción más reconocida, y forma parte de un álbum "(What's the Story) Morning Glory?" absolutamente imprescindible para melómanos.

 #68 WEST END GIRLS - Pet Shop Boys, 1985.
4:14 minutos. Synthpop. Lanzada como sencillo. Autores: Neil Tennant y Chris Lowe.

Sigo con la música británica pero cambio de década, a los 80. Se trata de una canción inspirada en un poema de T.S. Eliot que obtuvo buenas críticas de los expertos musicales. La música electrónica de los Pet Shop Boys resulta verdaderamente interesante, si bien es cierto que algunas de sus composiciones pueden sonar algo anticuadas, no dejan de ser muy buenas. Con esta canción obtuvieron su primer gran éxito, su primer número 1. Después de este, han vendido más de 100 millones de discos en todo el mundo, casi nada.

#67 ENJOY THE SILENCE - Depeche Mode, 1990.
4:15 minutos.  Darkwave. Álbum: Violator. Autor: Martin Gore.

Depeche Mode es un grupo británico de música electrónica considerado, según la BBC, como los padres de la música electrónica (por encima de Kraftwerk, ¿lo dirán porque estos son alemanes?). Lo cierto es que Depeche Mode es un grupo magnífico, con una larga lista de éxitos que van desde un primer periodo ochentero de música más "alegre" a una etapa posterior de madurez musical con un sonido más "dark", por llamarlo de algún modo. Con "Enjoy the Silence" obtuvieron uno de sus mayores éxitos (por encima de "Personal Jesus", otro de sus grandes temas) y aún hoy en día, en cualquiera de sus versiones, una de las canciones del grupo que más suenan.

#66 WITH OR WITHOUT YOU - U2, 1987.
4:56 minutos. Rock.  Álbum: The Joshua Tree. Autor: Bono.

The Joshua Tree (El árbol de Josué) es un cactus que crece en el Parque nacional de Árboles de Josué, en el estado de California. También es uno de los mejores discos de música que se hayan grabado jamás, llamadme atrevido por afirmar tal cosa, pero sé que llevo razón. Los irlandeses U2 (Bono, The Edge, Adam Clayton y Larry Mullen) alcanzaron su cima musical con este espectacular quinto álbum, cuyos 15 primeros minutos son absolutamente inmejorables. "Where the Streets Have no Name", "I Still Haven't Found What I'm Looking For" y por supuesto "With or Without You" son las tres magníficas canciones que abren este inolvidable álbum. Esta última, precisamente, aparte de ser uno de los mayores éxitos de la banda, tiene una de las mejores líneas de bajo que he escuchado (para gustos hay colores, ojo).

#65 STAYIN' ALIVE - The Bee Gees, 1977.
4:45 minutos. Disco.  Álbum: Saturday Night Fever. Autores: Barry, Robin y Maurice Gibb.

Los hermanos Gibb, The Bee Gees, son la banda emblemática de un estilo musical, el disco, que alcanzó su mayor apogeo en la década de los 70. "Stayin' Alive", compuesta para la banda sonora de la famosa película "Fiebre del Sábado Noche" protagonizada por John Travolta, terminó convirtiéndose en un himno del género y de la década, y reportó a los Bee Gees uno de los grandes éxitos de una carrera plagada de éxitos, no obstante, los británicos vendieron más de 380 millones de copias de sus discos (entre sencillos y álbumes), antes de su disolución en 2003 tras la muerte de Maurice. Historia de la música, sin duda, los Bee Gees.

#64 GOOD VIBRATIONS - The Beach Boys, 1967.
3:39 minutos. Rock.  Álbum: Smiley Smile. Autores: Brian Wilson y Mike Love.

Esta canción, sin duda alguna, es muy buena. Quizás no tanto como para encontrarse entre las 10 o 20 mejores, pero sin duda alguna es un clásico de la música. The Beach Boys fue un grupo creado en California en los años 60, máximo representante de la cultura surf de la época. Durante su primera época, sus temas se centraban en la cultura surf rock, con un sonido armónico muy cuidado. A mediados de los 60 incorporaron un estilo más psicodélico que les condujo a su cima musical, "Good Vibrations", sin duda alguna, un clásico entre los clásicos. Han influido musicalmente en grupos como Queen, The Ramones, ABBA, Pink Floyd, Radiohead e incluso los propios The Beatles, ahí es nada.

#63 WHAT'D I SAY, PARTS I & II - Ray Charles, 1959.
6:30 minutos.  Rithm & Blues. Álbum: What'd I Say. Autor: Ray Charles.

Esta canción crea un nuevo género musical: el Rithm & Blues... Esto solo puede conseguirlo un auténtico genio de la música, y en este caso no fue otro que Ray Charles. ¿Qué se puede decir de Ray Charles que no se haya dicho ya? Cantante, saxofonista, pianista, letrista, compositor, genio del soul, del jazz, precursor del Rithm & Blues, ciego desde la infancia y reconocido unánimemente como uno de los músicos más influyentes de la música popular. Esta canción nació como una pieza improvisada para cerrar un concierto y acabó convirtiéndose en uno de los mayores éxitos de la historia de la música, versionada en numerosas ocasiones por artistas de la categoría de Jimi Hendrix, The Beatles, Elvis Presley, Jerry Lee Lewis o Roy Orbison. Por cierto, que vale la pena no perderse la película de 2004 "Ray", protagonizada por Jamie Foxx y dirigida por Taylor Hackford. Es imprescindible conocer a Ray Charles para disfrutar la música.

#62 THE SHOW MUST GO ON - Queen, 1991.
4:24 minutos. Rock.  Álbum: Innuendo. Autor: Brian May.

Freddie Mercury sabía que vivía sus últimos días, y Brian May quiso escribir una canción para que fuese su despedida. "The Show Must Go On" se convirtió en el último sencillo de Fredie, lanzado solo seis semanas antes de su muerte. La letra de la canción es desgarradora, deja entrever el inminente final de Freddie, pero expresa su deseo de que "el espectáculo debe continuar". "Mi maquillaje se resquebraja, pero mi sonrisa todavía continúa", dice cerca del final. La canción fue lanzada en la cara B de de un sencillo que incluía, en la cara A, la canción que había sido el primer sencillo de Queen, "Keep Yourself Alive" (mantente vivo), curiosamente. Entre esas dos canciones se desarrolló una de las carreras más exitosas de la historia de la música, la de Freddie Mercury, el auténtico amo de los escenarios, sin duda alguna un músico inimitable e irrepetible.

#61 ALL YOU NEED IS LOVE - The Beatles, 1967.
3:47 minutos.  Poc Rock. Álbum: Magical Mistery Tour. Autores: John Lennon y Paul McCartney.

Aunque la canción está firmada por Paul y John, en realidad es obra de éste último exclusivamente. Fue interpretada por primera vez por el cuarteto de Liverpool en "Our World", convirtiéndose en la primera retransmisión vía satélite de la historia de la televisión y siendo vista por más de 400 millones de personas el 25 de junio del 67. La canción es maravillosa, como todo el repertorio de los Beatles, no hace falta ni siquiera afirmar tal cosa. Creo que no es necesario que diga que en las 40 canciones que me quedan para terminar la lista voy a tener más ocasiones para hablar de The Beatles, así que por ahora lo voy a dejar aquí, no sin antes recomendar la revisión del clásico de animación "The Yellow Submarine", sobre todo por parte de los más peques de la casa. Imprescindible.

#60 BLACK MAGIC WOMAN - GYPSY QUEEN  - Santana, 1970.
5:24 minutos. Blues Rock.  Álbum: Abraxas. Autor: Peter Green.

La historia de esta canción es curiosa. Fue escrita por Peter Green para ser lanzada como single por "Fletwood Mac" en 1968, siendo posteriormente recopilada en un par de álbumes. No obstante, fue Carlos Santana quien la convirtió en un auténtico megahit al incluirla en su álbum "Abraxas". El genial guitarrista mexicano mezcló la pieza original de Green con "Gypsy Queen" de Gabor Szabó, consiguiendo una mezcla de jazz, música húngara, folk y su característico ritmo latino... una auténtica genialidad, propia de Santana. "Abraxas" es una maravilla, un disco magnífico, absolutamente "redondo", que incluye obras de la categoría de "Oye Como Va", "Samba Pa Ti" o la propia "Black Magic Woman - Gypsy Queen", parte de la historia musical de la mano de un virtuoso de la guitarra que ha conseguido crear un sonido auténtico, propio, plenamente reconocible: Carlos Santana.

#59 SUZANNE - Leonard Cohen, 1967.
3:48 minutos. Folk.  Álbum: Songs of Leonard Cohen. Autor: Leonard Cohen.

Era imposible hacer una lista de las 100 mejores canciones sin incluir a Leonard Cohen, poeta, compositor, cantante, artista, genio del arte... Y no sigo porque lo único que puedo hacer con su música es elogiarla. La canción "Suzanne" fue originalmente concebida como un poema, tras un encuentro del trovador canadiense con Suzanne Verdal, esposa del escultor Armand Vaillancourt, ocurrido en Montreal (en la canción describe algunos lugares de la preciosa ciudad canadiense). Aquella situación inspiró a Cohen para escribir esta preciosa canción de amor, si bien el propio autor llegó a reconocer que entre él y Suzanne no llegó a suceder nada... Ha sido una canción versionada por otros artistas en numerosas ocasiones, siendo incluso la primera versión de la misma de un artista diferente al propio Cohen, Judy Collins. Esto sí que es una delicia para el oído.

#58 ONE - U2, 1991.
4:36 minutos. Rock Blues.  Álbum: Achtung Baby. Autor: Bono.

Los irlandeses, más maduros y colmados de éxito tras "The Joshua Tree", lanzan en 1991 su séptimo álbum de estudio, "Achtung Baby". El grupo, con los años, se va volviendo más comercial, y decide crear un disco con un nuevo sonido, con más influencias de la música electrónica. El resultado fue esta maravilla de disco (más de 18 millones de copias vendidas) y sobre todo esta magnífica canción, posiblemente la más bella del repertorio de la banda. Después de esto, U2 ha seguido evolucionando hacia una música más comercial que la de sus inicios, quizás menos original, cosechando grandes éxitos de ventas, pero siempre manteniendo un sello de identidad que les hace tener un sonido fácilmente identificable, algo que sin duda solo pueden conseguir las grandes bandas. Me muero si no digo que algunos aún sostienen que "no saben tocar". Pues anda que si llegan a saber...

Preparaos el cuerpo para la próxima entrega (desde la 57 hasta la 46) porque va a ser bestialmente sesentera-setentera, rockera, heavy, blusera, glam, psicodélica... Mamma mía...

Viva la vida y viva la música. Aquí llego con la segunda entrega de la lista de las que son, para mí, las 100 mejores canciones. Por supuesto que todo es opinable, valdría más, a estas alturas no me voy a poner dogmático. Pero nadie me negará que las que traigo son muy buenas. A disfrutarlas... Hoy me pongo un poco romanticón, por cierto.

#90 SMELLS LIKE TEEN SPIRIT - Nirvana, 1991.
5:04 minutos. Grunge.  Álbum: Nevermind.
Autores: Kurt Cobain, Dave Grohl y Krist Novoselic.

Esta canción es uno de los grandes hits de principios de los noventa, además de ser la obra cumbre de Nirvana - Cobain, dio a conocer el movimiento contracultural grunge, por llamarlo de algún modo. Hay cierta discusión sobre si Nirvana fue un producto puramente mercantil que se vendió bien creando un determinado grupo de clientes entre los adolescentes de la famosa Generación X. Lo cierto es que el suicidio de Cobain a los 27 años no hizo otra cosa más que alimentar su mito (aunque, en mi modesta opinión, algún escalón por debajo de Hendrix-Joplin-Morrison), y lo que nos queda es su música, oscura e interesante. Vale la pena acercarse a Nirvana, polémicas aparte.

#89 MONEY - Pink Floyd, 1973.
6:24 minutos. Rock progresivo.  Álbum: The Dark Side of the Moon. Autor: Roger Waters.

The Dark Side of the Moon es una de las obras cumbres de Pink Floyd, abriendo la que podríamos considerar como su mejor trilogía (The Dark Side / Wish You Were Here / The Wall). Los Pink Floyd son una banda única, difícil de imitar, y es complicado describir este disco para quien no lo haya escuchado. Es más, se hace necesario escucharlo completo, así que ya sabéis. Money es la sexta canción del disco, y tiene cierto aire de blues muy interesante. Ya tendré ocasión de explayarme hablando de los Pink Floyd en próximas entregas, lo advierto.

#88 ENTRE DOS AGUAS - Paco de Lucía, 1973.
6:09 minutos. Rumba.  Álbum: Fuente y caudal.
Autores: José Torregrosa y Paco de Lucía.

Hay pocas cosas que se puedan decir sobre Paco de Lucía, el Príncipe de la Guitarra, que no se hayan dicho ya. Reconocido en el mundo entero como uno de los grandes maestros de la guitarra, la mayor parte de su carrera musical se ha desarrollado en el mundo del flamenco, aunque ha realizado trabajos de música clásica, ha fusionado el flamenco con el jazz y ha hecho incursiones en otros estilos como la rumba. Precisamente esta pieza es una rumba que incluyó para cerrar un álbum al que le faltaba una canción, y nació así nada menos que esta magnífica obra de arte.

#87 THE LOGICAL SONG - Supertramp, 1979.
4:11 minutos. Rock progresivo.  Álbum: Breakfast in America. Autores: Rick Davies y Roger Hodgson

Hay algo que diferencia a un músico (ya sea solista o banda) de un músico bueno: un sonido reconocible. Supertramp tiene, sin duda alguna, un sonido reconocible. Este grupo británico nacido a finales de los sesenta fue evolucionando hasta llegar a alcanzar su mayor éxito a finales de los setenta, con piezas como The Logical Song o Goodbye Stranger, en las que brilla por encima de todo el característico piano eléctrico de Hodgson. Sin duda alguna que esta se trata de una canción magnífica y Supertramp es un grupo imprescindible.

#86 JAILHOUSE ROCK - Elvis Presley, 1957.
2:30 minutos. Rock and Roll.  Jailhouse Rock. Autores: Jerry Leiber y Mike Stoller.

Jailhouse rock fue una canción escrita por Leiber y Stoller para lucimiento de Elvis Presley en la película del mismo nombre, Jailhouse Rock. Tal vez en voz de cualquier otro artista no hubiese dejado de ser una canción decente, entretenida y simpática, de hecho estamos ante una canción versionada en innumerables ocasiones, pero tratándose de "El Rey" estaba claro que El Rock de la Cárcel se convertiría en un mega hit. Sin duda alguna, Elvis siempre es imprescindible.

#85 I GOT YOU (I FEEL GOOD) - James Brown, 1965.
2:52 minutos.  Soul. Álbum: I got you (I feel good). Autor: James Brown.

I got you (I feel good) dio fama mundial a James Brown. "El Padrino del Soul", un artista genial y se podría decir que irrepetible no solo por su voz, sino también por sus interpretaciones, cuenta con un buen número de canciones que han pasado a la historia de la música como "himnos del soul", formando parte imprescindible del legado musical del siglo XX. Esta canción cuenta con numerosas versiones, además de haber formado parte de algunas bandas sonoras cinematográficas, como Good Morning Vietnam.

#84 RESPECT - Aretha Franklin, 1967.
2:08 minutos. Soul.  Álbum: I Never Loved A Man The Way I Love You. Autor: Otis Redding.

Respect es una canción inmortalizada por Aretha Franklin, aunque compuesta por el genial Otis Redding, uno de los mejores músicos soul de los sesenta. Fue, precisamente, "Lady Soul" quien dio a esta canción una dimensión diferente a la original, convirtiéndola en un himno no solo feminista, sino también antirracista como casi toda la música de Aretha, en una época de profundos cambios sociales. Sería imposible hacer una lista de las mejores canciones sin contar con Aretha Franklin.

#83 KILLING ME SOFTLY WITH HIS SONG - Roberta Flack, 1971.
4:51 minutos. Soul.  Álbum: Killing Me Softly. Autor: Charles Fox y Norman Gimbel.

La canción escrita por Fox y Gimbel se basaba en un poema original de Lory Lieberman, quien también la convirtió en canción. La composición pasó desapercibida hasta que fue tomada por Roberta Flack, alcanzando con ella el mayor éxito de su carrera. Existen numerosas versiones de esta canción, entre las cuales voy a recomendar la que hizo el inclasificable Tino Casal en "Tal como soy" (Pitingo, NO, POR FAVOR.)

#82 I GOT YOU BABE - Sonny & Cher, 1964.
3:16 minutos. Baroque Pop.  Álbum: Look At Us. Autor: Sonny Bono.

Bill Murray debe odiar esta canción. Es la que sonaba en su despertador en la película Groundhog Day ("Atrapado en el Tiempo" en España). I Got You Babe es la canción que lanzó al estrellato a Sonny & Cher, convirtiéndolos en estrellas de la música a nivel internacional. Lo que vino después para esta pareja musical y matrimonial... Cher y sus rarezas, y congresista de los EE.UU. Sonny Bono, casi nada. Volviendo a lo que nos interesa, la música, sin duda alguna, una pequeña delicia musical.

#81 MOON RIVER - Henri Mancini, 1961.
2:26 minutos.  Balada. Álbum: OST Breakfast at Tiffany's. Autores: Henri Mancini y Johnny Mercer.

El genial compositor Henri Mancini, muy ligado al mundo del cine, se encargó de la música y Johnny Mercer puso la letra a esta canción creada para el lucimiento de Audrey Hepburn en la película Breakfast at Tiffany's ("Desayuno con Diamantes" en España), adaptación de un relato de Truman Capote. El resultado es de sobras conocido por todos, un clásico del cine con una interpretación magnífica y una banda sonora imposible de olvidar.

#80 ONLY YOU (AND YOU ALONE) - The Platters, 1965.
2:41 minutos. Rithm & Blues.  Álbum: Sencillo. Autor: Buck Ram y Ande Rand.

The Platters fueron un grupo musical exitoso durante los años cincuenta y sesenta. Cuentan con cierto número de canciones mundialmente reconocidas y frecuentemente versionadas, entre todas me quedaría con el "The Great Pretender" de Freddie Mercury. Only You (And You Alone) es su obra más famosa y exitosa, y se mantuvo durante más de treinta semanas en los puestos de honor del Billboard americano.

#79 WHEN A MAN LOVES A WOMAN - Percy Sledge, 1960. 
2:56 minutos.  Soul. Álbum: When a Man Loves a Woman. Autores: Calvin Lewis y Andre Wright

Percy Sledge está considerado como una de las figuras clave del soul durante los sesenta, y pinoero del country soul ya en los setenta. Su música alcanzó reconocimiento mundial gracias al éxito de esta canción, una preciosa balada de amor que ha sido utilizada tanto en el mundo del cine como en la publicidad. Era imposible no incluirla en esta colección.

#78 UNCHAINED MELODY - The Righteous Brothers, 1965.
3:41 minutos. Pop.  Álbum: You've Lost That Lovin' Feelin. Autor: Alex North y Hy Zaret.

Unchained Melody es una canción compuesta para la película de 1955 Unchained, siendo nominada a los premios Óscar. Se grabaron  numerosas versiones de ella (existen más de 500), pero la más famosa de todas es la de The Righteous Brothers de 1965, siendo uno de los mayores éxitos de este dueto musical estadounidense. Recuperó cierta fama tras su inclusión en la banda sonora de la película Ghost.

#77 ANGIE - The Rolling Stones, 1973.
4:33 minutos. Balada Rock.  Álbum: Goats Head Soup. Autores: Mick Jagger y Keith Richards.

Angie es la balada por antonomasia de The Rolling Stones. Es una pieza acústica que habla del fin de un amor, y destaca sobre todo por la interpretación de Jagger. Pertenece a una época de transición musical de los Stones, en la que vienen de convertirse en la "banda de rock más grande de mundo" gracias a exitazos tales como los álbumes "Let it Bleed", "Sticky Fingers" o "Exile on Main St.", y pronto van a pasar a un cierto estancamiento en su carrera. Hay poco más que decir de esta canción que disfrutarla.

#76 DUST IN THE WIND - Kansas, 1977.
3:29 minutos. Folk Rock.  Álbum: Point of Know Return. Autor: Kerry Livgren

Kansas es un grupo de rock progresivo que alcanzó su mayor éxito con esta pieza más cercana al Folk Rock que a otro género. Se trata de una melodía suave, melancólica, diferente al repertorio de la banda, en la que destaca el solo de violín a cargo de Robby Steinhardt. Esta canción ha sido objeto de numerosas versiones, si bien no superan la original. Lo único que se puede añadir es que vale la pena disfrutarla.

#75 HARD RAIN'S A - GONNA FALL, A - Bob Dylan, 1963.
6:55 minutos. Folk Rock.  Álbum: The Freewheelin'. Autor: Bob Dylan

Robert Allen Zimmerman se convirtió en Bob Dylan a finales de los cincuenta en los alrededores de la Universidad de Minnesota, tomando su nombre en homenaje al poeta Dylan Thomas. Esta composición pertenece a su segundo álbum de estudio, lanzado cuando tan solo tenía 22 años. Dylan ya era un genio de la música, y sus mejores obras estaban aún por llegar. Esta canción-protesta contiene una visión de la injusticia, del sufrimiento, de la guerra propias del activismo social del autor en la época. Su letra es una auténtica maravilla poética, parte imprescindible del genial Dylan, del mejor Dylan. Existen numerosas versiones, entre las que destaca la de Joan Baez con deliciosa voz, en una época en que era pareja sentimental de Dylan. Tan imprescindible como la original, por cierto.

#74 VIVA LA VIDA - Coldplay, 2008.
4:07 minutos. Rock Alternativo.  Álbum: Viva la Vida or Death and All His Friends.
Autores: Chris Martin, Johny Buckland, Guy Berryman y Will Champions.

Viva la Vida es una pequeña maravilla sonora de un grupo con un largo recorrido aún por delante. Los británicos Coldplay, liderados por Chris Martin, comenzaron a sonar mundialmente con el estupendo álbum Parachutes, en 2001. Desde ese álbum de debut que incluía pequeñas maravillas como "Trouble" o "Yellow", pasando por "A Rush of Blood to the Head" ("The Scientist", "In My Place", "Clocks"), "X&Y" ("Speed of Sound" y sobre todo "Fix You") la música del grupo ha evolucionado hasta alcanzar su esplendor musical con "Viva la Vida", un álbum sin un solo segundo de más, culminado por la genial pieza que es esta canción. Es la más reciente de las canciones incluidas en la recopilación y sin duda alguna que se puede considerar ya como un clásico moderno de la música que irá mejorando con el tiempo. Coldplay es ya, de hecho, una banda imprescindible con un sonido propio totalmente reconocible.

#73 I STILL LOVING YOU - Scorpions, 1978.
6:29 minutos. Balada Rock.  Álbum: Love at First Sting. Autores: Klaus Meine y Rudolf Schenker.

Hay quien opina que las mejores piezas de las bandas heavys son las baladas. Puede que no siempre suceda así, pero hay un buen número de ejemplos que confirman esta teoría. Sin duda alguna, cualquier entendido en música a quien pregunten sobre el tema pondrá como ejemplo de magnífica balada heavy el "I Still Loving You" de los Scorpions. La banda alemana cosechó uno de sus mayores éxitos con esta pieza que mezcla lo mejor del metal con lo mejor de una balada, en principio de temática amorosa, pero que también hace ciertas referencias a la división de Alemania y al muro de Berlín (imposible no recordar, en referencia a este tema, su genial "Wind of Change"). En el año 2000 grabaron junto a la Orquesta Filarmónica de Berlín una magnífica versión del tema. Los Scorpions, una de esas banda imposibles de ignorar.

¡Hasta la próxima, gente! Intentaré que sea pronto, adelanto que será desde la 72 hasta la 58.

Tendemos a creer que todo en esta vida es opinable, aunque lo cierto es que hay algunas cosas que no lo son. Pero hemos crecido en esta cultura en la que cualquier persona puede hablar sobre cualquier cuestión sin tener siquiera necesidad de haberse formado un conocimiento documentado sobre el tema. Así nos va...
Hace unos años tuve uno de estos arrebatos de "cuestionador", por llamarlo de algún modo. Pude leer una lista confeccionada por una prestigiosa publicación del mundillo musical en la que se incluían las 100 mejores canciones de la historia de la música mundial del siglo XX. Esta revista (omitiré el nombre, por cuestiones legales y por lo que pudiera suceder...) no hablaba de que tal lista incluyese las que para ellos eran las 100 mejores canciones, sino que daba por sentado que las incluidas eran las 100 mejores canciones. Su palabra es dogma, cosa santa.
Bajo mi humilde, paleto e ignorante punto de vista, pretendiendo ser objetivos habían incluido en puestos de honor a grandes artistas como Kurt Kobain, Johnny Cash, Buddy Holly, Little Richard o a grupos como The Clash, Smokey Robinson and the Miracles o Grandmaster Flash and the Furious Five. No tengo nada en contra de estos grupos o cantantes, de hecho algunos de ellos me resultan agradables al oído e incluso me gustan. Otros, no tanto, aunque hay que reconocer que tuvieron su influencia (importante en algunos casos) o su momento de gloria. Pero me decepcionó un poco encontrar a grupos como Led Zeppelin más allá del puesto 30º, artistas como David Bowie más allá del puesto 120º o canciones como Bohemian Rhapsody en el puesto 163º, por no hablar de la ausencia de otros como Pink Floyd, Dire Straits o Kansas. Observé un exceso de música americana, nada mala a excepción de Madona (imperdonable), pero muchos de ellos prescindibles posiblemente, y sin lugar a dudas inferiores a los grupos británicos que he mencionado. Sin duda, les pudo el color de la bandera antes que el criterio musical.
Así que, comentando el tema con un buen amigo, nos lanzamos a remodelar la lista de las 100 mejores canciones. Tras un año de duro trabajo, con reuniones, sesiones de audición, alguna que otra discusión acerca de qué canciones debían entrar y cuáles no y más de doscientas canciones revisadas y descartadas, conseguimos hacer una nueva lista con nuestras 100 mejores canciones.
Por supuesto que es una lista subjetiva, jamás pretendimos convertir nuestras preferencias en verdad absoluta. Por eso son nuestras 100 mejores canciones. Lo único que pretendimos es crear una lista de reproducción de esas que te hacen saltar del sillón o correr el riesgo de provocar accidentes de tráfico (eso si la escuchas en un coche). Canciones que no puedes dejar de tararear, o bailar, o lo que te guste. Porque son todas muy buenas. En resumen, queríamos hacer una lista que nunca nos cansásemos de escuchar, y creo que vale la pena detenerse.
A lo largo de siete posts, voy a ir colgando enlaces para escuchar estas canciones, en orden inverso a la lista, o sea, empezando por la nº 100 y terminando por la nº 1. Está claro que vale la pena detenerse y disfrutar. Espero que os gusten tanto como a mí.

#100 THE END - The Doors, 1968.
11:43 minutos. Rock psicodélico.  Álbum: The Doors.
Autores: Jim Morrison, John Densmore, Ray Manzarek y Roby Krieger.

Qué mejor forma de comenzar nuestra lista que por un final, un final magnífico e irrepetible, The End, una canción épica de uno de los mejores músicos de los años 60, Jim Morrison y su banda, The Doors. The End habla de una triste despedida que Morrison cantaba en un whisky bar cambiando la letra cada noche hasta que su edípico contenido hizo que el dueño del bar expulsase a la banda.
Finalmente, el grupo la lanzó en su álbum "The Doors", de 1968 si bien la discográfica censuró algunos de los versos de la última estrofa, sacrilegio que corrigieron en una reedición de 1999. Es una canción atípica, sobre todo para la época y por su duración. Es una pieza maestra de The Doors, y fue utilizada por Francis Ford Coppola para ilustrar algunos pasajes de "Apocalypse Now", genial película sobre la Guerra de Vietnam con Marlon Brando, Martin Sheen, Robert Duvall y Dennis Hopper. Tanto la canción como la película son imprescindibles.

#99 HURRICANE - Bob Dylan, 1975.
8:33 minutos. Rock.  Álbum: Desire. Autores: Bob Dylan y Jacques Lévy.

Sobre Bob Dylan ya tendré tiempo de hablar en futuras canciones, así que me centraré en la historia de Hurricane Carter, el hombre que inspiró esta magnífica canción. Rubin Carter, boxeador, fue acusado de un triple asesinato y condenado en un cuestionable proceso judicial lleno de prejuicios raciales y pruebas poco claras (muy cinematográfico, pero real). Dylan se interesó por el caso al leer la autobiografía de Carter (The Sixteenth Round), que el propio boxeador le había hecho llegar al reconocer el compromiso del cantautor en la lucha por los derechos civiles de los afroamericanos. Para saber más sobre el tema, conviene revisar la película de 1999 Huracán Carter del director Norman Jewison protagonizada por Denzel Washington en el papel de Carter. La canción, por cierto, fue uno de los grandes éxitos de Dylan en los años 70.

#98 PARANOID - Black Sabbath, 1970.
2:52 minutos. Heavy metal.  Álbum: Paranoid. Autores: Geezer Butler, Tony Iommi, Bill Ward y Ozzy Osbourne.

Hace falta decir poco sobre Black Sabbath, una de las bandas de heavy metal más influyentes. Los británicos han llegado a vender más de 15 millones de copias de su álbum "Paranoid" solo en Estados Unidos. Precisamente como una canción de relleno para ese álbum fue concebida "Paranoid", para terminar convirtiéndose en una de sus canciones más conocidas. "Paranoid" tiene algo de punk y mucho de heavy. Esta es, sencillamente, una canción  imprescindible.

#97 AFRICA - Toto, 1982.
5:03 minutos. Soft Rock.  Álbum: IV. Autores: David Paich y Jeff Porcaro.

África es uno de los grandes éxitos de la banda de rock Toto, incluida en su álbum titulado "IV". Gracias a ella, el grupo logró vender más de 2 millones de discos en 1983 y llegó a situarse en el nº del Billboard. No deja de ser el gran hit de un grupo de pop-rock, o de soft-rock sin una carrera demasiado trascendental, pero tiene una combinación de sonidos que la hace muy agradable al oído. Una pequeña delicia de canción.

#96 FOR WATH IT'S WORTH - Buffalo Springfield, 1969.
2:37 minutos. Folk Rock.  Single. Autor: Stephen Stills.

Buffralo Springfield fue una banda folk rock estadounidense de corta vida pero intensa influencia. De ella salieron nada menos que Neil Young o Stephen Stills, miembro posteriormente de CSNY (Crosby, Still, Nash & Young). Esta canción es uno de los himnos de los años sesenta, y habla de las movilizaciones sociales que se impulsaron durante la década pidiendo cambios políticos, como fueron las manifestaciones en contra de la Guerra de Vietnam en los EE.UU.

#95 THRILLER - Michael Jackson, 1982.
5:58 minutos. Funk.  Álbum: Thriller. Autor: Rod Temperton.

Michael Jackson y Thriller. Con esto ya está todo dicho. Thriller, el álbum musical más vendido de la historia, y Michael Jackson, el Rey del Pop en su época de mayor esplendor, y tal vez con su mejor trabajo. Como dato interesante cabría señalar que el vídeo musical de Thriller gozó de gran éxito en la época, con una duración de catorce minutos, y fue estrenado casi como un cortometraje cinematográfico con la inolvidable coreografía zombi de Jacko. Imprescindible.

#94 WALK ON THE WILD SIDE - Lou Reed, 1972.
4:12 minutos. Glam Rock.  Álbum: Transformer. Autor: Lou Reed.

Lou Reed es uno de esos tipos peculiares de la música. Guitarrista, vocalista y letrista de The Velvet Underground durante los sesenta, consiguió gran reputación como precursor underground a pesar del escaso comercial del proyecto. Más tarde inició su carrera en solitario. Walk on the wild side pertenece a su segundo álbum, producido por David Bowie, y cuenta ciertas historias de todo tipo de orientación sexual, bastante polémicas para la época, basadas en la experiencia de Reed en el estudio neoyorquino de Andy Warhol. Casi nada.

#93 BORN TO BE WILD - Steppenwolf, 1968.
3:30 minutos. Hard Rock.  Álbum: Steppenwolf. Autor: Mars Bonfire.

Born to be wild es considerada como uno de los gérmenes del Heavy Metal. Steppenwolf era una banda de rock canadiense que tuvo cierto éxito durante las décadas de los sesenta y setenta. El nombre del grupo proviene de la novela El lobo Estepario (Steppenwolf) de Herman Hesse, como homenaje al origen alemán de algunos de sus miembros. Esta canción alcanzó la fama mundial al ser el tema central de la película Easy Rider, dirigida y protagonizada por Dennis Hopper, junto a Peter Fonda y Jack Nicholson, y considerada como una bandera de la contracultura norteamericana de los sesenta. Dos auténticas joyas.

#92 TUBULAR BELLS, PART I - Mike Oldfield, 1973.
25:00 minutos. Rock Progresivo.  Álbum: Tubular Bells. Autor: Mike Oldfield.

Oldfield compuso esta música con apenas 17 años, lo cual habla sobradamente de su talento y virtuosismo. Esta pieza forma parte del primer disco de estudio de este músico multiinstrumentista británico. En ella, Oldfield toca el piano de cola, carillón, farfisa organ, bajo, guitarra eléctrica, speed guitar, taped motor drive amplifier organ chord, mandolina, fuzz guitar, percusiones variadas, guitarra acústica, flageolet, honky tonk, lowrey organ y las imprescindibles campanas tubulares que son la seña de identidad indiscutible del disco. Por cierto, esta canción formó parte de la banda sonora de El Exorcista, lo que dio al disco repercusión mundial.

#91 RELAX - Frankie Goes To Hollywood, 1984.
3:55 minutos.  Dance, New Wave. Álbum: Welcome to pleasuredome. 
Autores: Peter Gill, Holly Johnson, Brian Nash y Mark O'Toole.

Un grupo de éxito salido de Liverpool. No, no eran los sesenta, sino los ochenta, y no eran los Beatles, sino Frankie Goes to Hollywood, algo pop pero más techno que otra cosa. Su gran éxito fue Relax, un buen tema cuya letra es explícitamente homosexual, pero que, a pesar del rechazo y las suspicacias que estas cosas suelen despertar (benditas sociedades modernas tolerantes), cosechó gran éxito de ventas. Es un tema recurrente en el mundo del cine y la televisión, habiendo sido utilizado en películas como Zoolander o Loca Academia de Policía o también en algunos videojuegos.