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El presente vídeo es un tributo al cine de Sergio Leone, y en particular a la que consideo su obra cumbre, y desde luego la más significativa e inspiradora artísticamente para mí: EL BUENO, EL FEO Y EL MALO. Estrenada originalmente en Italia un 23 de diciembre de hace 50 años, con el paso de los años ha conseguido el reconocimiento que durante mucho tiempo se le negó. No es la primera entrada de este blog dedicada a esta fantástica cinta, de la que escribí una breve reseña hace un par de años que puedes recordar pinchando aquí. En el presente trabajo, a partir de una serie de ilustraciones (que están disponibles para la venta, solo hay que contactar) he creado una pequeña secuencia de animación que espero que os guste. ¡No olvidéis compartir el vídeo por redes sociales!      Con el incomparable Marlon Brando sobran las palabras. No obstante, por si queda alguien que padezca cierto despiste, os recuerdo que podéis encontrar más trabajos relacionados con el séptimo arte entrando en la sección cine, pinchando este enlace. ¡Espero que os guste, y no os olvidéis de compartir!
 EE.UU. 1994, EL ÚLTIMO PARTIDO DE ESCOBAR. Ver el primer partido de Colombia en el mundial de Brasil me ha traído al recuerdo la historia de Andrés Escobar. No todas las historias que rodean los mundiales son agradables, y la del defensor colombiano es trágica. Quienes hayan cumplido la treintena seguramente recuerden la historia de este colombiano que llegó al mundial estadounidense, como toda su selección, con el cartel de "equipo revelación". Para quienes no la conozcan, lean con atención lo que viene a continuación. Los colombianos entrenados por el ex-atlético Pancho Maturana hicieron una fase de clasificación impecable, llegando a derrotar por 0-5 en Buenos Aires a la Argentina de Maradona, que venía de ser subcampeona del mundo en Italia '90. Con jugadores de la categoría de Mondragón (el portero que está como suplente en Brasil 2014 con 42 años), Carlos Valderrama (ex de Valladolid, amigo íntimo de Míchel), Tren Valencia (otro que jugó en el Atleti de Gil), Freddy Rincón (con un breve paso por el Madrid), Aristizabal (llegó a jugar en el Valencia) o el gran Tino Asprilla (quien alcanzó gran éxito con Parma y Newcastle), los colombianos apuntaban a ser una de las grandes sensaciones del mundial, y más aún al caer en suerte en un grupo relativamente asequible, con la desconocida Suiza, la impredecible Rumanía y el anfitrión EE.UU. La derrota por 1-3 en el primer partido contra los rumanos encabezados por Hagi y Raducioiu hizo que cundiera el desánimo en las filas colombianas, quienes se habían creado quizás demasiadas ilusiones y habían llegado demasiado confiados a ese partido. Pero aún no estaba todo perdido, el sistema de competición de aquella época (con solo 24 equipos participando), permitía el pase a octavos de final a 4 terceros clasificados. Por tanto, el segundo encuentro contra los anfitriones de EE.UU., a priori uno de los equipos más flojos del campeonato, se convertía para los colombianos en una especie de segunda oportunidad. 93 mil espectadores se dieron cita en el estadio que albergaría la final, el Rose Bowl de Los Ángeles, el 22 de junio de 1994. Las ilusiones de los colombianos duraron apenas 13 minutos, el tiempo que tardaron los locales en disfrutar de un desgraciado auto-gol del defensor colombiano Andrés Escobar. Los estadounidenses anotaron un segundo gol que hizo que el postrero tanto de Tren Valencia no sirviera para nada. Colombia estaba eliminada en el segundo partido, y la depresión cundió en los miembros de la selección cafetera. A pesar del auto-gol y de la lamentable imagen dada por todos los miembros del equipo, Andrés Escobar no era un jugador cualquiera. Durante esa primavera e inicio del verano, se había hablado mucho de su fichaje por el Milán de Capello, que había sido campeón de Europa unas semanas antes tras vencer al Barça en Atenas. Estaba en la órbita del mejor equipo del mundo, casi nada. Lo que Andrés no se podía ni imaginar es que, tras su regreso a Colombia, ya en julio, iba a ser asesinado. Un supuesto fanático futbolero, un tal Muñoz Castro, le disparó seis veces en una discoteca de Medellín... La historia de la muerte de Andrés Escobar no es tan sencilla como pueda parecer contada de este modo. Es la culminación de una época de violencia y muerte, de narcotráfico y corrupción en la convulsa Colombia de finales de los ochenta y principios de los noventa. Para conocerla, no hay nada mejor que ver el estupendo documental que os dejo aquí debajo, titulado "Los dos Escobar", de 2010 dirigido por Jeff y Michael Zimbalist, donde se cuenta la historia del narcotraficante Pablo Escobar y la estrecha relación de los narcotrafricantes con el mundo del fútbol, así como las circunstancias que llevaron al asesinato de Andrés Escobar. Vale la pena verlo, ¡espero que os guste! ¡Hola gente! Mucho tiempo sin publicar trabajos nuevos, lo cual no significa que no haya estado trabajando en esto, sino que son trabajos que tardaré algo más en poder mostrar. Por eso os traigo un pequeño adelanto de una de las nuevas series a las que estoy dedicando mi tiempo. De nuevo vuelvo a pintar sobre cine, como hice hace unos meses (pinchad aquí si no lo recordáis). En esta ocasión lo he hecho dándole un toque cómic a una de mis escenas favoritas de la historia del cine. ¡Espero que os guste y pronto tendréis más noticias mías! 
"La sociedad inventa una lógica falsa y retorcida para absorber y canalizar el comportamiento de la gente cuyo comportamiento está fuera de los cánones mayoritarios. Supongamos que conoces todos los pros y los contras, sabes que vas a tener una vida corta, estás en posesión de tus facultades, etcétera, etcétera, pero sigues queriendo utilizar el caballo. No te dejarán hacerlo. No te dejarán hacerlo, porque lo verían como una señal de su propio fracaso. El hecho de que simplemente elijas rechazar lo que tienen para ofrecerte. Elígenos a nosotros. Elige un vida. Elige pagar hipotecas; elige lavadoras; elige coches; elige sentarte en un sofá a ver concursos que embotan la mente y aplastan el espíritu, atiborrándote la boca de puta comida basura. Elige pudrirte en vida, meándote y cagándote en una residencia, convertido en una puta vergüenza total para los niñatos egoístas y hechos polvo que has traído al mundo. Elige la vida. Aviso: este post solo debe leerlo quien haya visto la peli y/o leído el libro. Contiene spoilers asesinos. Lo he advertido claramente, después no me vengáis con quejas. Recientemente he tenido la ocasión de leer Trainspotting, la famosa novela de Irvine Welsh publicada en España por la editorial Anagrama. Lo he hecho años después de ver la película (después de verla en muchas ocasiones) que basándose en el libro dirigió Danny Boyle en el ya lejano 1996. Después de terminar la lectura me he visto obligado a revisar la peli de nuevo para dilucidar cuál de las dos versiones me ha gustado más... A continuación os dejo las sesomierdeces que se me han ocurrido al respecto: Por cierto, recomiendo poner esta música de fondo mientras leéis el texto.  EL ARGUMENTO ¿Pero Trainspotting tiene argumento? Pues no, la verdad es que como tal no lo tiene. No tiene un planteamiento-nudo-desenlace clásico, sino que se limita a narrar una serie de aventuras y desventuras de unos tipos muy peculiares del Edimburgo profundo de los años ochenta-noventa, si bien en ambas versiones se llega a una especie de desenlace final que finiquita la historia aunque dejándola abierta (más información sobre esto en el último apartado). La cosa es que la adaptación cinematográfica es bastante fiel en ese sentido a la novela, si bien, como es normal, no aparecen en la peli todas las historias del libro (se haría demasiado larga y confusa). Se podría decir que muchas de las historias del libro llegan a resultar algo farragosas, debido a la forma de escribir de Welsh, quien lo hace en escocés y no en inglés, y a las propias historias que cuenta, cuyos narradores van cambiando cada capítulo. Por lo tanto, diré que la peli quita cierta "morralla" que aparece en el libro, aunque el resto de las historias las respeta de una forma casi religiosa, incluidos monólogos y diálogos casi calcados. En este apartado la peli se suma un tanto. PELI 1 - LIBRO 0. LA TEMÁTICA "Cuando estás con el caballo, lo único que te preocupa es pillar. Te desenganchas de la mandanga, y te preocupas por un montón de cosas. No tengo dinero, no puedo ponerme pedo. Tengo dinero, bebo demasiado. No consigo ligarme a una tía, no hay manera de echar un polvo. Consigues una tía, demasiado agobio, no puedes respirar sin que se te suba a la chepa. O eso, o la cagas, y te sientes todo culpable. Te preocupas de las facturas, la comida (...), de todas las cosas que no te importarían una mierda cuando tienes un verdadero hábito de caballo. Sólo tienes una cosa de la que preocuparte. Es todo tan sencillo. ¿Entiendes lo que quiero decir?"  El libro y la novela cuentan la misma historia, se supone. Lo hacen de un modo muy parecido, pero la extensión del libro le ayuda a profundizar en ciertos temas espinosos. El tema principal de la peli es claro: la heroína. En este aspecto, la claridad y crudeza con que Welsh cuenta los hechos son espectaculares, sobrecogedores, acojonantes. La peli no se queda atrás, y es capaz de trasladar a imágenes lo que se cuenta en el libro de un modo magistral. En este aspecto, Boyle se apunta un tanto. No obstante, el libro profundiza de una forma muy interesante en temas aledaños a la droga, y no menos interesantes. Habla, sobre todo, del sexo y la enfermedad. En la peli estos dos temas solo se tratan de puntillas. La novela de Welsh habla con idéntica crudeza del sexo y, sobre todo, del SIDA. "Hay unos chavales jugando en el patio trasero, y el césped está de un verde eléctrico bajo la brillante luz del sol. El cielo tiene un delicioso azul claro. La vida es hermosa. Voy a disfrutar de ella, y voy a tener una larga vida. Seré eso que el personal médico llama un superviviente a largo plazo. Sencillamente sé que así será." Resulta sorprendentemente edificante acercarse a las reflexiones que sobre tan grave enfermedad y sobre la vida misma plasma Welsh en boca de sus personajes. Si desmerecer a las reflexiones que plantea sobre la droga y el sexo, que son absolutamente imprescindibles y bastante más profundas que las de la película, los fragmentos en que habla de la enfermedad son, con diferencia, los más interesantes del libro. En este apartado, por tanto, el libro se anota un tanto. PELI 1- LIBRO 1.  LOS PERSONAJES Hay grandes diferencias en esta apartado. En la novela, la cantidad de personajes cuyas historias se van entremezclando llega a ser abrumadora. Hay momentos en que cuesta saber qué personaje cuenta su parte de la historia, e incluso se puede apreciar una clara diferencia entre la forma de escribir la primera parte de la historia con respecto a las últimas partes (hay una evolución en el estilo narrativo muy evidente). No obstante, los que podríamos llamar personajes principales están definidos perfectamente, profundizando en su psicología mucho más que la peli (la extensión y el medio juegan a favor del libro claramente). En la peli, los personajes quedan limitados a los principales. Renton (el narrador de la peli, Ewan McGregor), Begbie (Robet Carlyle), Sick Boy (Johnny Lee Miller), Spud (Ewan Bremner) y Tommy (Kevin McKidd). Se agradece la limitación a Renton como único narrador, ayuda a centrar el argumento para el espectador, y la exclusión de personajes secundarios sin mucho interés hace que la cohesión entre los que quedan resulte más llamativa. Además, las interpretaciones de los cuatro primeros son magníficas, cuesta quedarse con uno, si bien un servidor siente debilidad por Renton y, sobre todo, el colgado de Spud (soberbio Ewan Bremner en este papel). En este apartado, por tanto, un punto para la peli. PELI 2 - LIBRO 1.  EL LENGUAJE El lenguaje es el punto fuerte que diferencia a Trainspotting sobre otras obras. Se puede hablar de droga, de relaciones humanas, de sexualidad, de enfermedades... Se pueden tratar todos los temas que trata esta obra, pero la originalidad de los trabajos de Welsh y Boyle radica precisamente en la peculiaridad de su lenguaje. En el libro destaca el léxico utilizado por Welsh. Escribe en escocés, no en inglés. Como dice Renton, no se les entiende una puta mierda. El trabajo de Federico Corriente a la hora de la traducción debió ser titánico y es digno de enmarcar. En cuanto a la peli, es cierto que intenta usar el mismo lenguaje que la novela (de hecho, calca muchos de los monólogos y diálogos), pero será por cosas de la censura que no lo hace con tanta crudeza. También es cierto que la película tiene un tanto a su favor que el libro no puede aprovechar, salvo por ligeras menciones. Pero no es lo mismo que un personaje mencione la letra de una canción en un libro a que suene una melodía en una peli. En este aspecto, la banda sonora de Trainspotting la película es impresionante, a mi gusto una de las mejores de los 90. Iggy Pop (el ídolo de Renton y Tommy), Primal Scream, Brian Eno, New Order, Blur, Pulp, Bedrock, Elastica, Letfield, Underworld, Damon Albarn y Lou Reed. Impresionante colección, sin duda. No obstante, siempre te queda la opción de poner el disco mientras lees el libro. En cuanto a la versión escrita, el abanico de términos acuñados no es menos impresionante: sesomierda, sacomierda, pelocojonera, esquivajabones, chorromoco, chutódromo... En este apartado el libro se apunta un nuevo tanto. PELI 2- LIBRO 2.  CONCLUSIONES
Pues nada, que después de ver la peli seis o siete veces, de leer la novela disfrutándola al máximo (y riendo, riendo mucho, porque es muy divertida), de pensar mucho sobre el tema y de escribir durante casi una hora, he llegado a la conclusión de que tanto la peli como el libro son muy buenos y vale la pena acercarse a ellos. Ambos me gustan por igual. En este momento, ardo en deseos de pillar Porno... No, no penséis mal de mí. Porno es la segunda parte de la novela de Irvine Welsh, ambientada 10 años después del final de Trainspotting, y cuya versión cinematográfica se está rumoreando para 2015 a cargo del propio Danny Boyle y con el mismo elenco que la peli original. ¡Magnífico! Por cierto, que si queréis saber lo que significa la palabra Trainspotting tendréis que leer el libro. Advierto que Welsh lo explica casi al final... ¡Pero vale la pena hacerlo! "El mundo se divide en dos categorías: los que tienen el revólver cargado y los que cavan.  Y el western de Leone, el spaghetti, tocó el cielo con esta película. El Bueno, el Feo y el Malo, la tercera entrega de la trilogía del dólar y la última, vuelve a tener similares elementos que en las dos anteriores películas. Aparte de que en esta tercera peli se traslada el rodaje en exclusividad del poblado almeriense, añadiendo escenas rodadas en la sierra de Burgos, nos vuelve a contar un historia cruzada, la de tres pistoleros en busca de un botín de 200 mil dólares. Para conseguirlo, cada uno necesita la información que tienen los demás. Tardamos una hora de película en contemplar cómo los protagonistas descubren la existencia de los dólares y el lugar donde están esperando, de una forma casual, pero hasta ese momento, sabemos perfectamente quienes son los personajes que durante las siguientes casi dos horas van a compartir sus caminos y pelear su destino a base de disparos y picaresca.  Sin embargo, en los personajes encontramos una gran evolución con respecto a las anteriores pelis. Tenemos al misterioso protagonista interpretado de nuevo por Eastwood, el rubio cuyo nombre desconocemos, un pistolero letal, cauteloso y frío como el acero. El villano no es ya el sádico que fue Volonté en las anteriores, sino que encontramos a Sentenza (Angel Eyes en la versión inglesa). Primera gran diferencia: Sentenza es la versión malvada del personaje misterioso de Eastwood. Poco se sabe de él, salvo que es un mercenario desalmado de sangre fría, en el fondo bastante parecido al bueno. Protagonista y antagonista son el mismo personaje al otro lado del espejo.  ¿Pero qué pasa con el tercero? El tercero es, bajo mi punto de vista, el auténtico amo de la película. A pesar de que siempre va con el pie cambiado, y su suerte siempre parece ir a peor, Tuco Benedicto Pacífico Juan María Ramírez (Tuco para los colegas), es el personaje vertebrador de la historia, en torno al cual gira todo. Tuco es una innovación en cuanto a personajes en el western de Leone, es el contrapunto cómico, guarro, grosero, maleducado, casi salvaje, y pragmático y letal con la pistola (inolvidable la escena de la bañera, en la que dice "cuando se tiene un arma, se dispara" al bandido que no dejaba de hablarle sobre cómo lo iba a matar). La interpretación del incombustible Elli Wallach es inmensa, la más completa de la película, vemos como pasa de ser un bandido de poca monta que engaña a la ley compinchado con Rubio, a casi matar a éste en venganza por haberlo abandonado, para poco después convertirse en su salvador. Lo necesita para encontrar los dólares, pero su halo cambia de rastrero a bueno, sin que apenas nos demos cuenta. Al final de la película, los personajes han cambiado, ya no son tan buenos, feos y malos. Pero hay un cuarto personaje en la película, y quizás es el más importante de todos. "La guerra civil americana es un tema tabú porque su realidad es demente. Pero la verdadera historia de los Estados Unidos fue edificada sobre una violencia que ni la literatura ni el cine han mostrado jamás. Y yo desconfío siempre de la historia oficial. Sin duda porque crecí bajo el fascismo. He visto de qué manera era manipulada la historia."  En efecto, la Guerra Civil estadounidense es el cuarto personaje. Al principio aparece lejana, por medio de los soldados sudistas que huyen del frente y gracias a los cuales Rubio escapa de Tuco en una ocasión. Más tarde, serán los sudistas los que revelan a la pareja la existencia y el paradero de los dólares. Poco a poco, de forma casi inadvertida, la historia de los tres personajes se enreda con la guerra, hasta que se ven metidos de lleno en ella, en el campo de concentración nordista donde Sentenza, ahora oficial de la Unión, descubre lo que se traen entre manos los otros dos. Desde ahí hasta el final, el destino de los tres está ligado al desarrollo de la contienda. Si quieren llegar hasta el cementerio de Sad Hill donde están enterrados los dólares, deberán tomar parte en la batalla volando el puente. 
El final de la película, en el centro del cementerio con las tumbas de centenares de soldados presenciando el grotesco espectáculo, la secuencia de Tuco corriendo hacia la tumba, más tarde de Rubio irrumpiendo en escena, y después del propio Sentenza (siempre apareciendo desde fuera de plano, sorprendiendo al espectador), son el preludio del apoteósico duelo a tres bajo el sol. El lenguaje visual, los planos alternos de los personajes que el director nos va acercando desde uno general al primerísimo tan característico, y esa recreación del momento previo a la batalla acompañada de la magnífica pieza de Ennio Morricone, componen un todo que hoy es por derecho propio historia con letras de oro del cine. Gente, después de soltaros la parrafada me he quedado más a gusto que si hubiese subido y bajado el Everest, y tras haber soltado menos de la mitad de la mitad de las cosas que quisiera decir de esta peli, sé que me puedo retirar al ladito de Arch Stanton. 
 Ficha técnica:
El Bueno, El Feo y El Malo (Il buono, il brutto, il cattivo) Italia, 1966. 161 minutos. Dirigida por Sergio Leone. Escrita por: Agenore Incrocci, Furio Scarpelli, Luciano Vincenzoni y Sergio Leone. Reparto: Clint Eastwood (Rubio), Lee Van Cleef (Sentenza), Elli Wallach (Tuco), Aldo Guiuffré, Mario Brega, Rada Rassimov, Luigi Pistilli, Aldo Sambrell y unos cuantos más.  En mi reseña sobre Por un puñado de dólares dije que Leone alcanza la excelencia con la presente cinta. Explicaré las razones que me llevan a afirmar esto. EL ARGUMENTO. Es memorable. Cierto que está cargado de tópicos del género, como el malvado bandido que escapa de la cárcel y planea su venganza con robo de un banco incluido, o los dos cazarrecompensas renegados que unen sus fuerzas para hacer frente a un enemigo temible. Pero Leone consigue darles un toque magnífico que hace que la acción vaya creciendo y ganando en intensidad hasta el inolvidable duelo final. LOS PROTAGONISTAS. Leone presenta a tres personajes de una entidad inmensa. El Indio (Volonté), es casi un mesías para sus seguidores (menuda panda de desalmados, a cual mejor).  La escena del púlpito en la iglesia abandonada en la que alecciona a sus secuaces sobre el plan a seguir es de una intensidad difícil de superar. El Indio mejora al Ramón Rojo de Por un puñado de dólares, convirtiéndose en un auténtico cabronazo que incluso atemoriza al espectador. El Coronel Mortimer (Van Cleef) es el cerebro de la trama, el inteligente veterano que une sus fuerzas al joven y talentoso Manco (Eastwood) para consumar su venganza. Ambos se necesitan, y forman un equipo perfecto, la tranquilidad y la precisión de Mortimer junto a la fuerza y el ímpetu del Manco. Sin duda, los tres actores estuvieron sembrados en esta película, y parecían tres interpretaciones difíciles de mejorar... LA ESTÉTICA. Leone explota el arte del primer plano, nos invita a meternos en la piel de los personajes con ese acercamiento tan característico de su cine. La forma de desarrollar la trama y de resolver el conflicto es magnífica, recreándose en el momento previo al fragor de la batalla, transmitiéndonos las sensaciones de los personajes por medio de los planos cortos alternados de los mismos, en contraposición a la recreación de la violencia de un director como Peckinpah. Resulta interesante comparar a ambos, tan buenos y tan diferentes. La guinda del producto la pone la inolvidable música de Ennio Morricone, qué vamos a decir de él a estas alturas. Inolvidable. En fin, creo que esta peli que supera a su antecesora, y parecía ya un producto muy interesante... Pero Leone aún nos deparaba una magnífica sorpresa antes de dejar Almería. Pero esa es otra historia.  Ficha técnica:
La muerte tenía un precio. (Per qualche dollaro in più) Italia, 1965. 132 minutos de duración. Dirigida por Sergio Leone. Escrita por Sergio Leone, Fulvio Morsella y Luciano Vincenzoni. Spaghetti Western. Reparto: Clint Eastwood (Manco), Lee Van Cleef (Coronel Mortimer), Gian María Volonté (El Indio), Mario Brega, Luigi Pistilli, Aldo Sambrell, Klaus Kinski y muchos más. SINOPSIS: Dos cazadores de recompensas que buscan al mismo hombre deciden unir sus fuerzas para encontrarlo, aunque las razones que los mueven son completamente diferentes. Este spaghetti-western es una coproducción entre España, Italia y Alemania. Su título original (Per qualche dollaro in più / For a Few Dollars More) ya sugiere que es la continuación natural de "Por unpuñado de dólares" (Per un pugno di dollari, 1964), dirigida por Leone un año antes. (FILMAFFINITY). Gente, he estado escribiendo unas reseñas sobre algunas pelis para ADICTOS AL CINE. Ya sé que no soy Carlos Boyero ni aspiro a llegar a Cahiers du Cinema, pero para que no se pierdan en el tiempo como lágrimas en la lluvia, y para que las lean mis amigos y amigas que no son Adictos, las iré colgando por aquí. Empezaré con una trilogía por la que siento gran afecto. Espero que os guste. A un lado los Baxter, a otro los Rojo y enmedio, yo.  La primera entrega de la famosa Trilogía del Dólar de Sergio Leone, rodada casi exclusivamente en el maravilloso escenario del desierto de Tabernas (Almería, qué mágico es ese lugar), es la menos original de las tres, no por mala, sino porque es un remake de Yojimbo de Kurosawa, en algunas escenas calcado plano a plano. Esto no quita mérito a la de Leone, que sin ánimo de ser sacrílegos, en algunos aspectos incluso mejora a la original. ¿Concretamente en qué? Pues en tener dos monstruos (de la interpretación) a la cabeza como son Volonté e Eastwood, que encarnan un duelo absolutamente mítico. Joe es un vagabundo que llega a una ciudad en plena guerra entre las dos familias más poderosas, los Baxter y los Rojo. La forma en que se infiltra en ambos clanes para conseguir que todos los acontecimientos redunden en su beneficio es magistralmente narrada a lo largo del filme (o calcada del original de Kurosawa, para ser más exactos; y es que no se puede hablar de una película sin hacer referencia a la otra).
El caso es que, sin ánimo de spoilear más de la cuenta, por si alguien no la ha visto, diré que el film mantiene la tensión a un nivel magnífico hasta llegar al duelo final entre Ramón y el hombre sin nombre, el que guarda un secreto bajo el poncho. Mención aparte, las escenas del cementerio (en la que el personaje de Eastwood engaña a todo el mundo de una forma genial), o la huida de Joe de la casa de los Rojo tras ser descubierto, dando paso al eminente duelo final. Por supuesto, es imposible no mencionar que en el ambiente resuenan los ecos del silbido de Kurt Savoy y la música mítica de Ennio Morricone (que levante la mano quien no la haya silbado alguna vez). ¿Eastwood frente a Mifune? Toshiro era el puto amo de los samuráis, nadie ha paseado la espada al hombro como él, con ese andar tan pasota que tenía y esa forma de sacudir las caderas. Pero Clint es poco menos que un Dios, y ese poncho, amigos míos, es tan mítico como la máscara de Darth Vader, el esmoquin de Vito Corleone, o la gabardina de Rick Blaine. Las interpretaciones de Volonté (qué malo más bueno) e Eastwood son magníficas, y la película globalmente no decepciona. Leone daría un salto hacia la excelencia en la posterior La muerte tenía un precio, y tocaría el cielo con la tercera, El Bueno, el Feo y el Malo, pero esas son otra historia, gente.  Ficha técnica:
Por un puñado de Dólares (Per un pugno di dollari) Italia, 1964. 95 minutos duración. Spaghetti Western. Dirigida por Sergio Leone. Escrita por Adriano Bolzoni, Víctor Andrés Catena, Jaime Comas Gil y Sergio Leone. Reparto: Clint Eastwood (Joe), Gian Maria Volonté (Ramón), Marianne Koch, Wolfgan Lukschy, Sieghart Rupp, y unos cuantos más. SINOPSIS: Tras la muerte de Juárez, en México dominan la injusticia y el terror. Joe (Clint Eastwood), un pistolero vagabundo, llega al pueblo fronterizo de San Miguel, donde dos familias se disputan el control del territorio, y entar al servicio del clan Rojo. Una noche, es testigo del intercambio de oro por armas entre mexicanos y soldados de la Unión. Es un remake en clave de western de "Yojimbo", de Akira Kurosawa. (FILMAFFINITY)  EL GRAN DICTADOR (The Great Dictator, 1940) Comedia, drama. 125 min. Director: Charles Chaplin. Con: Charles Chaplin, Paulette Goddard, Jack Ockie. Dicen que los grandes genios del cine mudo no supieron reconvertirse con la sonorización del medio, y sus éxitos pronto quedaron olvidados. Es fácil contradecir esta afirmación tomando como ejemplo "El Gran Dictador", posiblemente la obra maestra del genio Chaplin, y el más bello alegato anti-belicista que jamás se haya rodado. Un Chaplin genial y visionario quiso denunciar los autoritarismos que surgían en el mundo a mediados de la década de los 30, con la ascensión de Hitler, el nazismo y los fascismos europeos. El monólogo final de la película es posiblemente el más bello de la historia del cine. CON LA MUERTE EN LOS TALONES (Norht by northwest, 1959) Acción, aventuras, crimen. 136 min. Director: Alfred Hitchcock. Con: Cary Grant, Eve Marie Sant, James Mason. No lo digo porque sienta cierta admiración por el cine de Hitchcock, o porque Cary Grant sea uno de mis rostros cinematográficos predilectos. Lo digo porque objetivamente este es uno de los mejores thrillers que existen, una de las obras más reconocidas del genio del suspense. La interpretación de Grant es sencillamente memorable, el guión no da tregua, y el desenlace de la trama, como siempre en Alfred Hitchcock, es sencillamente insuperable. Es un clasicazo, si alguien no la ha visto, no debería perder la ocasión de hacerlo.  12 AÑOS DE ESCLAVITUD (12 Years a Slave, 2013) Biográfica, drama, histórica. 134 min. Director: Steve McQueen. Con: Chiwetel Ejiofor, Michael K. Williams, Michael Fassbender, Brad Pitt. No resulta sencillo ver esta película. Como todas las que hablan de guerra o esclavitud, hacer un acercamiento realista conlleva crear una cinta dura para almas sensibles. Pero contemplar la bajeza a la que puede llegar el ser humano es necesario para que no perdamos la poca humanidad que nos va quedando. Es difícil hacer una crítica de una película con cierta objetividad cuando aún se encuentra en cartelera, pues falta la perspectiva de ver la trayectoria que la película tendrá, pero puedo afirmar sin miedo a equivocarme que estamos ante uno de los mejores dramas que se hayan podido estrenar en la última década (a mi juicio, a la altura de El Pianista de Roman Polanski). Considero que 12 años de Esclavitud se trata de una película obligatoria, imprescindible. Cuenta la historia de Solomon Northup, interpretado por Chiwetel Ejiofor, un hombre libre que es secuestrado y vendido como esclavo en los años precedentes a la Guerra de Secesión, y su posterior lucha para conseguir que se haga justicia. Las interpretaciones de Ejiofor como Northup, y la de Michael Fassbender como el Amo Epps son candidatas a formar parte de la historia del cine. Una película que no dejará a nadie indiferente.  EL GOLPE (The Sting, 1973) Comedia, crimen, drama. Director: George Roy Hill. Con: Paul Newman, Robert Redford, Robert Shaw. El Golpe es un mega clásico de la dupla de oro, Newman-Redford. Fue su segunda (y última) película después de Dos Hombres y un Destino. Pocos dúos han alcanzado la química en pantalla que tenían Newman y Redford, dos auténticos animales interpretativos. Esta comedia atípica de gángsters en la américa de la depresión cuenta la historia de dos timadores, Gondorf y Hooker (Newman y Redford respectivamente), que planean un golpe antológico para desplumar a un pez gordo que ha mandado asesinar a un viejo amigo de ambos. El Golpe es engaño en estado puro, una película capaz de jugar con el espectador hasta la última escena. Sublime. V DE VENDETTA (V for Vendetta, 2005) Acción, ciencia ficción, thriller. Director: James McTeigue. Con: Hugo Weaving, Natalie Portman, Rupert Graves, John Hurt, Stephen Rea. Puede ser que me cueste una denuncia por anarquista hacer apología de esta película, y tampoco voy a adelantar mucho de ella para quien no la haya visto. Solo daré unas breves orientaciones. Primera, esta sorprendente película es la adaptación del cómic de Alan Moore (guión) y David Lloyd (dibujos), del mismo título. Segundo, más que ciencia ficción es historia ficción, situada en una Inglaterra imaginaria donde gobierna una férrea dictadura fascista que accedió al poder de forma poco lícita. Tercero, escrito en los años ochenta, se parece sospechosamente a la sociedad en la que vivimos. Cuarto, es bastante probable que dentro de muy poco necesitemos un V en nuestras vidas. Quinto, si la ves, es imposible que te deje indiferente. Es una película necesaria e imprescindible para hacer una reflexión sobre nuestra sociedad actual y plantearse alternativas. |
Juan NepomucenoArte digital, pintura e ilustración, diseño gráfico, murales... Me dedico a todo esto... y a mucho más. La estantería
Octubre 2018
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"Deja de pensar, deja que todo fluya, siéntate al sol y disfruta de la vida."
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