Quizás dormitaban en la oculta profundidad de nuestras almas aquellas certidumbres que suelen llamarse presentimientos, sobre todo la seguridad de que el viejo emperador moría con cada día más que vivía, como nuestro imperio. De nuestro corazón apenado brotaban los chistes fáciles, surgía un placer insensato en todas las afirmaciones de la vida: en los bailes, en los vinos nuevos, en las chicas, locuras de todo tipo, escapadas sin sentido, en la ironía suicida." El 6 de febrero de 1918 la Gran Guerra se acercaba apresuradamente a su inminente final en la vieja Europa. Apenas un par de meses antes, los EEUU de Woodrow Wilson habían declarado la guerra al Imperio Austro-Húngaro, nación que a esas alturas se descosía irremediablemente por todos sus frentes abiertos poniendo fin a una época. En Viena, capital del arte, muere Gustav Klimt víctima de una apoplejía, al igual que su propio padre años antes. En el centenario de la desaparición del maestro vienés resulta casi un hecho obligado hacer una retrospectiva de su obra y de su persona, indisolublemente ligadas al devenir del Imperio Austro-Húngaro, en cuya Viena de la Belle Epoque de fin de siglo nació y creció el mito de Klimt. La misma Viena de Sigmund Freud, Otto Wagner, Gustav Mahler o Arnold Schönberg entre otros, una de las grandes metrópolis europeas de la época, un crisol artístico que bullía alimentado por las inquietudes de la burguesía dominante debatiéndose entre una sexualidad candente y latente que luchaba por salir a la superficie en contraposición con la moralidad censora del puritanismo austriaco.
4 Comentarios
El mundillo del arte encierra en sus entresijos elementos positivos y negativos que se van descubriendo poco a poco. Son ya unos cuantos años los que llevo trabajando en diversas facetas artísticas, y he de señalar que una de los experiencias más satisfactorias es la de conocer gente interesante que te ayuda a crecer, tanto en lo personal como en lo profesional. El nacimiento de Cóctel Demente, hace ya unos meses, brindó una ocasión magnífica para acercarse a la obra artística de un gran número de artistas en esa especie de (co)laboratorio de mentes agitadas (tal y como el propio magazine se define). Polifacéticos y multidisciplinarios en un compendio de artes, un vivero de ideas y fuente de inspiración para cualquier persona que posea una inquietud artística insaciable. Es por todo esto que resulta más que un privilegio, todo un honor, que parte de mi obra aparezca reseñada en los contenidos de Cóctel Demente. Solo puedo dar las gracias a @dejamehablar13 de forma indefinida por sus palabras y por la confianza demostrada. A continuación os dejo el enlace para que leáis el artículo; de paso, si no conocéis Cóctel Demente, os recomiendo que echéis un vistazo, os cautivará. ¡Gracias!
¡Hola gente! Como siempre (y aunque a veces pueda pasar desapercibido), esta web se encuentra en constante renovación y actualización de contenidos. Recientemente he abierto secciones nuevas (os recuerdo boydpainting edición especial embarazadas) o esta de la vengo a hablaros en esta ocasión. Hace un par de años llevé a cabo un proyecto de muralización de una cocina particular en Alcalá de Henares, Madrid, que dejé documentado y recogido en este blog. Aprovechando que en la actualidad me encuentro preparando varios proyectos de características parecidas (y que llevaré a cabo a lo largo de la próxima primavera) os traigo aquí un amplio reportaje de aquel hermoso y emotivo trabajo. Si queréis ver el reportaje fotográfico al completo (y, de paso, alguna imagen de propina), solo tenéis que acceder a la nueva sección de murales, pinchando este enlace. En los próximos meses iré ampliando con los nuevos proyectos y trabajos, espero que todo sea todo de vuestro agrado. ¡Saludos!
Primeras veces... ¡Existen tantas primeras veces! Hace unos días anuncié en este blog la inminente publicación de un libro en el que he tenido la suerte de participar. Ciertamente, a veces tardamos un tiempo en ser conscientes de lo curiosos y enrevesados que resultan los caminos que nos conducen a determinados objetivos. Allá por el mes de octubre recibí un mensaje de una amiga y compañera del mundillo del artisteo (a la que, a posteriori, estoy muy agradecido por el cable). En un primer momento, la sensación fue de cierto recelo. A base de hostias aprende uno a ser desconfiado en según que temas. A simple vista no parecía un proyecto que exigiera gran dedicación, algo sencillo, realizar una o dos ilustraciones para acompañar los relatos que conformarían un libro recopilatorio. Hasta ahí, nada extraordinario. ¿La temática? La primera vez que... ¿Que qué? #PrimeravezBook es un libro recopilatorio de historias de primeras veces con el sexo como nexo común. Contadas amenamente por bloggers y representadas genialmente por ilustradores a través de las cuales refrescarás recuerdos, te reirás, te excitarás y disfrutarás." Gwen me lo explicó todo perfectamente, y creo que no le costó mucho trabajo convencerme de ello. Lo cierto es que las semanas pasaban y los relatos llegaban casi al mismo ritmo que los ilustradores huían. La trama se iba complicando. Tuve la ocasión de leer algunas de las historias, y me parecieron fantásticas. No entendía cómo las personas que se habían comprometido a convertir aquellos textos en imágenes podían ser tan livianas a la hora de cumplir con su palabra. Por contra, ¡solo hallaba ante mi historias motivadoras! Así que, dejándome llevar por la marea que nos arrastraba a todos en un proyecto tan hermoso, hice lo que más me gusta: pintar sin freno. Para ser justos, hay que decir que la etapa final del proyecto (en la parte que me toca más directamente, la gráfica), fue más llevadera. Es imposible pasar por alto la nota de agradecimiento a los dos fabulosos artistas que se unieron a la causa atendiendo a nuestra petición, Javier Bolaños y Lara Delia. Al resto de participantes del libro solo puedo mostrarles mi satisfacción por haber podido confluir en un proyecto tan edificante: Mary asexora; Otra resaca más; Sexperimentando; Lola Flor; Ven Aquí Sexy; El pez que se muerde la boca; La Chica Imperdible; Tuyo y Suyo. Y la mención especial a Gwen, auténtica ideóloga y aglutinadora de voluntades y talentos en este ilusionante proyecto (lleno de sorpresas) que esperamos repetir algún día. Y bien, llegados a este punto, solo queda mostrar los enlaces para descargar el libro. Sí, tan solo hay que pinchar en los botones que aparecen abajo, y La primera vez que... se descargará en tu ordenador, tablet o smartphone. Lo mejor de todo, ¡es gratis! Pensarás que estamos locos. Pues sí, algo de eso hay en todos nosotros. Pero qué le vamos a hacer, disfrutamos con esto. Tienes dos versiones disponibles, la de Alta Calidad y la versión para Móviles. A partir de este momento, te toca a ti: descarga, comparte y no olvides comentar en RRSS con la etiqueta #PrimeravezBook. ¡Esperamos que te guste!
Debía ser un niño de unos 11 o 12 años cuando descubrí en un libro de texto una ilustración que me produjo una sensación de turbación y desasosiego como hasta ese momento de mi vida no había experimentado jamás observando una obra de arte. Se trataba de un cuadro (famoso) de finales del siglo XIX que desplegaba una variedad cromática que transitaba desde tonos entre anaranjados y terrosos hasta otros más azulados y verdosos. En él se podía presenciar una escena sobrecogedora: sobre el fondo de trazos hiper-sencillos se podía vislumbrar una especie de ensenada (años después descubrí que se trataba de un fiordo), un paisaje imposible de dilucidar si era urbano o rural, y un puente cruzado por varias figuras. Al fondo, la silueta de dos hombres que se alejaban del elemento principal, y atrayendo toda la atención, en el centro mismo del cuadro, un fantasmagórico ente de piel verdosa que miraba al espectador gritando angustiado mientras se llevaba las manos a la cara al tiempo que su cuerpo oscuro se retorcía alcanzando la parte más baja del lienzo. Durante un tiempo llamé inocentemente a aquella obra "el Susto". Sin saberlo aún, acababa de descubrir a Munch. Veo a todo el mundo bajo sus máscaras, caras sonrientes, sumisas, cadáveres blanquecinos... que se escapan incansablemente a lo largo de un camino tortuoso que lleva a la tumba." Durante las últimas semanas los medios de comunicación de este país han llenado minutos y páginas hablando de la flamante exposición sobre el pintor noruego que se está llevando a cabo en el Museo Thyssen-Bornemisza. Así que cualquier cosa que explique al respecto de la figura histórica y pictórica de Edvard Munch va a sobrar, dado que personalidades mucho más versadas en el tema ya lo habrán hecho. Pero no puedo dejar escapar la ocasión de dedicar unas líneas de este espacio para relatar las impresiones que me ha causado visitar MUNCH ARQUETIPOS pocos días después de su inauguración. Es difícil calificar a Munch con adjetivos que no se hayan utilizado ya, y que caen como una cascada de sensaciones sobre quien presencia sus cuadros. Precisamente la organización de la exposición juega con un aluvión de conceptos relacionados con la obra del noruego, que acompañan al visitante durante más de 80 obras, la mayoría de ellas realmente complicadas de ver para el aficionado a la pintura salvo que se viaje hasta Oslo. Melancolía, agitación, añoranza, ansiedad, incomunicación, perplejidad, orgullo, muerte, amargura, desolación, sosiego, serenidad, pánico, desasosiego, zozobra, espanto, feminidad, deleite, euforia, melodrama, agonía, arrepentimiento, despecho, culpa, amor, compenetración, atracción, incertidumbre, obsesión, sumisión, sufrimiento, nocturnidad, desconfianza, extrañeza, sobrecogimiento, vitalismo, complacencia, esperanza, frenesí, relajación, satisfacción, desnudez, armonía, curiosidad, fascinación, languidez, rubor... son tan solo algunos de los centenares de arquetipos que envolverán al visitante que pasee entre los cuadros y grabados de Munch, y que de un simple vistazo dan una idea general del turbador universo que rodeaba al pintor. Hasta el 17 de enero de 2016 se puede visitar la exposición MUNCH ARQUETIPOS en las salas del Museo Thyssen-Bornemisza, en el Paseo del Prado de Madrid. Para expertos o aficionados a la pintura, o simplemente para curiosos. Ser profano en el tema pictórico no supone un impedimento para acercarse a la obra de uno de los pintores (posiblemente) más impactantes de la historia del arte, alguien que ha conseguido que sus obras se conviertan en iconos mundiales inmortales. Si tenéis la ocasión, os animo a que os acerquéis. ¡Un saludo!
¡Hola gente! Hace unos días anuncié novedades importantes en la web. Pues bien, por fin ha llegado el día de anunciar a bombo y platillo la reapertura de juan-nepomuceno.com, totalmente renovada en su apariencia y reestructurada en cuanto a sus contenidos. Como podréis apreciar con un simple vistazo, la estética de la web es completamente diferente. En cuanto a los contenidos, los he agrupado en dos grandes bloques, portada y catálogo. En estas secciones podréis encontrar algunas de las obras que ya estaban en la versión anterior de la web y algunas otros nuevas. También he añadido algunas nuevas secciones a la página, algunas de las cuales estructuran de forma más eficiente elementos que aparecían en la anterior versión de la web, y otras añaden nuevos contenidos. Podéis dar un vuelta, por ejemplo, por diseño gráfico o por regala arte. Sin más que añadir por mi parte, os invito a que os deis un paseo por la página, repaséis los trabajos que ya estaban publicados, descubráis todas las novedades y, sobre todo, disfrutéis del conjunto. ¡Espero que os guste mucho!
Después de una larga-corta espera, por fin ha llegado el día en que los Radicales del Bombo volverán a las calles de Jódar abanderando el nuevo proyecto de Lignum Crucis. A los que estéis en Jódar esta noche, os recomiendo que no os perdáis su salida desde el marco impresionante del Castillo de Jódar. Toda la suerte del mundo a mis amigos de los Radicales del Bombo.
He ilustrado este texto con varias fotografías del edificio, en las que podréis ver una pequeña muestra del magnífico trabajo que Babiloni realizó en su fachada. Si os pica la curiosidad, esto convencido de que no os decepcionará una visita a este hermoso lugar. Debajo de este texto os dejo un pequeño mapa para que lo ubiquéis con exactitud. ¡Un saludo, si os animáis a visitarlo, espero que os guste! A lo largo de los últimos diecisiete años, a veces me he sentido como si fuera uno de esos ciclistas modestos, aquellos cuyo nombre no resulta familiar a la mayoría de aficionados al ciclismo, y que acuden al Tour de Francia cargados de ilusión, de emoción y de miedo a partes iguales, pasando desapercibidos entre la multitud del gran pelotón. Antes de que lleguen las primeras dificultades de la carrera en forma de grandes montañas ya van perdiendo tiempo y alejándose de los primeros puestos de la clasificación general. Si en algún momento tuvieron la vana ilusión de que podrían hacer una buena carrera, esta se va esfumando tan rápida como crecen los minutos y segundos que los van alejando de los gallitos de la clasificación general. Con los días llegan más dificultades: la lluvia y el frío que traen la temida bronquitis, o el calor con sus pájaras, las caídas con sus brutales choques contra el asfalto y las quemaduras que conllevan, las contusiones en piernas y brazos... ¿Pero qué hace un ciclista modesto cuando, yendo ya lejos de la cabeza, da con sus huesos contra el suelo? Se pone en pie, se sacude el polvo, se sube a la bicicleta y sigue la carrera. Los aficionados llegamos a admirar esa entereza, pensamos que son súper hombres (nada que ver con los futbolistas, quienes parecen estar hechos de cristal). Los ciclistas son de hierro, no hay obstáculo que merme su determinación. Pero no, en realidad no lo son, son chicos normales que solo hacen lo que deben: caerse y levantarse, seguir en carrera, de nada les vale quejarse. La carrera no se detiene, el pelotón no espera al que se cae. ¿Qué van a hacer si no? La vida es como el Tour de Francia, una carrera de resistencia, de fondo, de eliminación. Está plagada de dificultades, la mayoría imprevistas que dan al traste con todos los planes previos que se puedan tener. Nunca estás libre de sufrir un percance hasta que llegas al final... Pero no parece una actitud muy positiva contemplar así el recorrido de la vida. Si vivimos pensando solo en la meta, en el objetivo a alcanzar, nos estamos perdiendo la parte más importante: el camino. Si centramos la vista en la carretera, no podemos disfrutar del paisaje. ¿Acaso solo es válido ser el ganador, solo importa el triunfador? ¿Carece de mérito sobreponerse a las dificultades aunque no estés en lo más alto del podio de la vida? En los últimos diecisiete años he vivido multitud de situaciones extremas, situaciones al límite en las que ni siquiera soy capaz de explicarme cómo he podido salir de ellas. Pero no me quedaba más remedio que levantarme, sacudirme el polvo y volver a subirme en la bici. Era lo que debía hacer, ¿qué iba a hacer si no? He visto cómo la vida no avanzaba, cómo se estancaba. He visto a través de los barrotes de la ventana cómo el mismo pájaro regresaba primavera tras primavera para hacer su nido bajo la misma teja del mismo tejado del mismo edificio, y cómo se marchaba una vez que los polluelos estaban creciditos y listos para salir volando. Tal vez pensaba que era el mismo pájaro, o necesitaba creer en ello. El tejado desapareció, lo derribaron, el pájaro se fue para siempre, y yo seguí tras los barrotes. El camino fue duro, demasiado a veces. Nunca esperé otra cosa. Gente nueva llegaba, permanecía un tiempo a mi lado y después desaparecía. Nunca quise reprocharles nada. ¿Qué iban a hacer si no? Me senté al sol, dejé de pensar, dejé que todo fluyera, e intenté disfrutar de la vida a mi manera. Había aprendido que ninguna tormenta es eterna, que siempre sale el sol, termina escampando. Hasta en el día más lluvioso, las horas pasan. Aprendí a disfrutar del paisaje, intentando ser feliz con lo que tenía, con lo que podía llegar a ser, y no con lo que soñaba alcanzar. Lo supe bien desde muy pronto, casi desde el banderazo de salida: lo verdaderamente importante no era el destino, sino el camino. El camino, y la gente que te acompaña en él. Hoy se cumplen diecisiete años del día en que reviví. Nadie dijo que iba a ser sencillo. Seguramente, no voy a ganar el Tour de Francia, pero ¿no habéis visto lo bonito que está el paisaje en esta época del año? Echad un vistazo a estas publicaciones. Dan más detalles sobre el tema: Dieciséis años dando guerra (y lo que queda por vivir). Carreras: 25 años regalando vida. EE.UU. 1994, EL ÚLTIMO PARTIDO DE ESCOBAR. Ver el primer partido de Colombia en el mundial de Brasil me ha traído al recuerdo la historia de Andrés Escobar. No todas las historias que rodean los mundiales son agradables, y la del defensor colombiano es trágica. Quienes hayan cumplido la treintena seguramente recuerden la historia de este colombiano que llegó al mundial estadounidense, como toda su selección, con el cartel de "equipo revelación". Para quienes no la conozcan, lean con atención lo que viene a continuación. Los colombianos entrenados por el ex-atlético Pancho Maturana hicieron una fase de clasificación impecable, llegando a derrotar por 0-5 en Buenos Aires a la Argentina de Maradona, que venía de ser subcampeona del mundo en Italia '90. Con jugadores de la categoría de Mondragón (el portero que está como suplente en Brasil 2014 con 42 años), Carlos Valderrama (ex de Valladolid, amigo íntimo de Míchel), Tren Valencia (otro que jugó en el Atleti de Gil), Freddy Rincón (con un breve paso por el Madrid), Aristizabal (llegó a jugar en el Valencia) o el gran Tino Asprilla (quien alcanzó gran éxito con Parma y Newcastle), los colombianos apuntaban a ser una de las grandes sensaciones del mundial, y más aún al caer en suerte en un grupo relativamente asequible, con la desconocida Suiza, la impredecible Rumanía y el anfitrión EE.UU. La derrota por 1-3 en el primer partido contra los rumanos encabezados por Hagi y Raducioiu hizo que cundiera el desánimo en las filas colombianas, quienes se habían creado quizás demasiadas ilusiones y habían llegado demasiado confiados a ese partido. Pero aún no estaba todo perdido, el sistema de competición de aquella época (con solo 24 equipos participando), permitía el pase a octavos de final a 4 terceros clasificados. Por tanto, el segundo encuentro contra los anfitriones de EE.UU., a priori uno de los equipos más flojos del campeonato, se convertía para los colombianos en una especie de segunda oportunidad. 93 mil espectadores se dieron cita en el estadio que albergaría la final, el Rose Bowl de Los Ángeles, el 22 de junio de 1994. Las ilusiones de los colombianos duraron apenas 13 minutos, el tiempo que tardaron los locales en disfrutar de un desgraciado auto-gol del defensor colombiano Andrés Escobar. Los estadounidenses anotaron un segundo gol que hizo que el postrero tanto de Tren Valencia no sirviera para nada. Colombia estaba eliminada en el segundo partido, y la depresión cundió en los miembros de la selección cafetera. A pesar del auto-gol y de la lamentable imagen dada por todos los miembros del equipo, Andrés Escobar no era un jugador cualquiera. Durante esa primavera e inicio del verano, se había hablado mucho de su fichaje por el Milán de Capello, que había sido campeón de Europa unas semanas antes tras vencer al Barça en Atenas. Estaba en la órbita del mejor equipo del mundo, casi nada. Lo que Andrés no se podía ni imaginar es que, tras su regreso a Colombia, ya en julio, iba a ser asesinado. Un supuesto fanático futbolero, un tal Muñoz Castro, le disparó seis veces en una discoteca de Medellín... La historia de la muerte de Andrés Escobar no es tan sencilla como pueda parecer contada de este modo. Es la culminación de una época de violencia y muerte, de narcotráfico y corrupción en la convulsa Colombia de finales de los ochenta y principios de los noventa. Para conocerla, no hay nada mejor que ver el estupendo documental que os dejo aquí debajo, titulado "Los dos Escobar", de 2010 dirigido por Jeff y Michael Zimbalist, donde se cuenta la historia del narcotraficante Pablo Escobar y la estrecha relación de los narcotrafricantes con el mundo del fútbol, así como las circunstancias que llevaron al asesinato de Andrés Escobar. Vale la pena verlo, ¡espero que os guste! ¡Hola gente! Lo prometido es deuda. Tal y como escribí hace un par de semanas, aquí os traigo la segunda entrega de la cocina que he decorado con un mural. Vuelvo a repetir que ha sido difícil captar en las fotos el resultado final de trabajo, por las limitaciones del espacio, pero os podéis hacer una buena idea viendo estas fotos. Os pido que compartáis estas imágenes en vuestras redes sociales, y os recuerdo que si os gusta el trabajo y os pica la curiosidad, podéis preguntarme todo lo que queráis sobre el tema. ¡Un saludo!
Tal vez recuerden anteriores capítulos de Mis 100 mejores canciones (leer con la voz de Troy McLure)... Pues eso, que en la entrega anterior me extendí más de la cuenta y decidí que lo mejor era dividir la idea original de ir desde la canción 45 hasta la 32 en dos entregas, así que os vuelvo a dar la tabarra, en esta ocasión empezando por la canción 37. Espero que entendáis que hacer esta lista y comentar algo interesante sobre las canciones y los artistas tiene bastante más trabajo del que pueda parecer a primera vista, pues no me vale escribir cualquier cosa ni simplemente tirar de memoria (me da para algunas coas, pera para otros datos tengo que documentarme para saber si estoy en lo cierto o no). En esta ocasión, como podréis ver, no he tardado tanto en publicar como la vez anterior. Procuraré encontrar tiempo donde sea para terminar esta lista de la que ya solo me queda... ¿un tercio? ¡Oh, no, parece eterna! Como siempre, advierto que la elección de las canciones que aparecen en esta lista es subjetiva, pero sí soy objetivo al decir que todas son muy buenas. Y tampoco me cansaré de repetir que lo mejor aún está por llegar... Si pos apetece echarle un vistazo a las canciones anteriormente publicadas, os dejo aquí los enlaces, más fácil imposible: aquí la primera; la segunda; la tercera; la cuarta; y la quinta. #37 WHOLE LOTTA LOVE - Led Zeppelin, 1969.
5:34 minutos. Hard Rock. Álbum: Led Zeppelin II. Autores: Jimmy Page, Robert Plant, John Bonham, John Paul Jones, Willie Dixon. Que viva Led Zeppelin. Resulta complicado resumir su historia e influencia en unas pocas líneas, más que nada por que con casi total seguridad sean la banda de rock duro más importante de la historia de la música. El grupo se formó en el 68 por el guitarrista Jimmy Page tras su salida de los Yardbirds, con la inclusión de John Paul Jones como bajista y teclista, Robert Plant como vocalista y John Bonham a la batería. Su música aunaba influencias bluseras, rockandrolleras, soul, célticas, hindis, folk e incluso country, conformando un sonido espectacular, impactante, inconfundible e inimitable. Han pasado más de treinta años desde su disolución y su música sigue siendo estando de actualidad, no solo se escucha en radio, cine, tele o publicidad, sino que siguen vendiéndose como rosquillas. Más de 300 millones de discos vendidos en todo el mundo hacen que solo The Beatles hayan vendido más discos que ellos. Whole Lotta Love fue la canción que abría su segundo álbum (Led Zeppelin II). Al igual que el resto del álbum tiene marcadas connotaciones sexuales. Algunas de las letras de la canción fueron "tomadas" de un par de temas grabados años atrás por los bluseros Muddy Waters y Willie Dixon, a quienes Plant admiraba. El tema terminó en un juicio ganado por Dixon en el 85, lo cual obligó a que la discográfica lo incluyera como letrista oficial de la canción. Al margen de otras consideraciones, el riff de guitarra de Jimmy Page está considerado por muchos expertos (como la propia casa de guitarras Gibson) como uno de los mejores de la historia. Es una canción para disfrutar con los cinco sentidos. Terminaré de contar la historia de Led Zeppelin en futuras entregas. #36 MY GENERATION - The Who, 1965. 3:18 minutos. Rock. Álbum: My Generation. Autor: Pete Townshend. "La primera acreedora del título de banda de rock más grande del mundo". De este modo se refirieron a The Who tras su inclusión en el Hall of Fame of Rock and Roll. Los británicos formados en 1964 por Roger Daltrey, Pete Townshend, John Entwistle y Keith Moon, sin duda que son merecedores de esta etiqueta, habiendo sido una de las más influyentes formaciones del panorama rockanrollero no solo british, sino mundial. En sus actuaciones destruían los instrumentos y destrozaban el escenario, actitud que les ayudó a hacerse muy populares entre los jóvenes. Alcanzaron gran éxito de fans y ventas con álbumes como My generation, A quick one, Who are you o la ópera rock Quadrophenia (de obligada visión para los melómanos). No obstante, tras la muerte del batería Keith Moon en 1978 con tan solo 32 años, la banda solo sacó dos álbumes de estudio antes de separarse en 1982. Después, volvieron a reunirse en ocasiones puntuales hasta que en 2006 los dos únicos miembros originales vivos, Daltrey y Townshend lanzaron un nuevo trabajo. En cuanto a la canción, My generation quizás sea la más representativa de la banda, una de sus más reconocidas y apreciadas. Compuesta por Pete Townshend con tan solo veinte años, estaba dirigida a los mods, jóvenes británicos rebeldes. Townshend,en referencia a la canción, dijo en alguna ocasión que tenía la sensación de que las personas mayores simplemente no la entendían. #35 MY WAY - Frank Sinatra, 1969. 4:40 minutos. Pop. Álbum: My Way. Autores: Claude François, Jacques Reveaux. Letra: Paul Anka. La Voz, Frankie Ojos Azules, está considerado como una de las figuras más importantes de la música popular estadounidense del siglo XX, y por ende, del panorama musical mundial. Pocos artistas se han mantenido en la cúspide del éxito durante sesenta años. Basando su repertorio en los compositores más reconocidos de la música popular como Porter, Gershwin o Van Heusen, la radio y el cine le dieron la difusión que lo convirtió en un mito. Aparte de consideraciones técnicas musicales como el tono de su voz, su perfecto fraseo o su dominio del tempo y la respiración, quedan incluso relegados por su capacidad para transmitir sentimientos con las letras y la interpretación de sus canciones. Sinatra es un mito con más de 1300 canciones grabadas y 50 pelis en su bagaje. Son inolvidables sus colaboraciones con Dean Martin y Sammy Dave Jr. formando el mítico Rat Pack, como por ejemplo en Ocean's Eleven (no confundir con el remake de Clooney-Pitt, mucho mejor la original, no hay color), o su papel en De Aquí a la Eternidad de Fred Zinneman (¿alguien me puede decir qué relación hay entre Sinatra, Elli Wallach y El Padrino de Coppola?) My Way es una canción francesa bellísima que fue adaptada por Paul Anka, respetando solo la melodía y cambiando casi toda la letra. Cuenta la historia de un hombre mayor que está cercano a la muerte y hace balance de su vida, sintiéndose satisfecho y orgulloso por haberla vivido a su manera (and did it my way). Es, junto a Strangers in the night, la interpretación más celebrada y recordada de Sinatra. #34 THE BOXER - Simon & Garfunkel, 1970. 5:12 minutos. Folk Rock. Álbum: Bridge Over Troubled Waters. Autor: Paul Simon. La historia de Simon & Garfunkel (primera parte). Paul Simon y Art Garfunkel fueron amigos desde la infancia. En el 55, tras haber compuesto varios temas, Paul propuso a Art formar un dueto, tenían solo dieciséis añitos. Tras grabar con el nombre de Tom y Jerry su primera canción, Hey Schoolgirl, un cazatalentos los descubrió y grabaron un álbum que logró vender 100 mil copias. Tras ciertas desvenencias provocadas por la grabación de un sencillo en solitario de Simon (algo que Garfunkel nunca le perdonó), se separaron tomando caminos artísticos diferentes, aunque no llegaron a tener éxito por separado. No fue hasta el 63 cuando volvieron a cantar juntos, dándose a conocer por fin como Simon y Garfunkel. Ese mismo año actuaron en el festival folk de New York junto a Bob Dylan. Después de esto, grabaron su primer disco con Columbia, titulado Wednesday Morning, 3 A.M. Fue un rotundo fracaso y ambos volvieron a separar sus caminos. No obstante, un par de años después The Sound of Silence comenzó a sonar en las radios de Boston dándoles a conocer entre el gran público. Aprovechando el tirón, los avispados productores de la discográfica cambiaron la instrumentación y sacaron un sencillo que cambiaba el estilo de folk a folk-rock. El mundo entero acababa de descubrir a Simon y Garfunkel (la historia continuará en próximas entregas). En cuanto a la canción presente, The Boxer contiene una de las letras más bellas del dueto, y describe en primera persona los apuros y la soledad de un cantante en la ciudad de Nueva York. Es de sobra archifamoso el puente al estribillo, el na-na-na, etc. En la parte final de la canción la perspectiva cambia a la de un boxeador. Se cree que es una ataque velado a Bob Dylan, quien se ve que no era santo de la devoción de el dúo neoyorquino. #33 LIGHT MY FIRE - The Doors, 1967. 7:09 minutos. Rock Psicodélico. Álbum: The Doors. Autor: Robby Krieger. James Douglas Morrison Clarke, The Lizard King (el Rey Lagarto), Mr. Mojo Risin, Jimbo, o simplemente Jim Morrison, es una de las figuras más míticas de la historia del rock. Hablé un poquito de The Doors en la primera entrega de la serie, y en esta ocasión quiero profundizar más en la persona-personaje de Morrison. A finales de los 60, the Doors fueron bandera de la psicodelia musical (junto a Pink Floyd y Jefferson Airplane, quizás los más memorables). Morrison no tenía demasiados conocimientos musicales, apenas sí escribía letras, pero ni componía ni sabía tocar. Por su parte, Manzarek, quien junto a Morrison constituía el alma de la banda, aportó al cuarteto su característica e inconfundible manera de tocar el teclado. En cuanto a Krieger, antes de unirse al grupo apenas se había iniciado como guitarrista. Y John Densmore tocaba la batería. Se podría decir de The Doors que eran un grupo bastante inexperto en sus inicios, pero la excelencia de sus composiciones deja patente que hay gente que ha nacido para hacer música. The Doors fue su primer disco (el nombre del disco y de la banda viene de un poema del poeta británico romántico-decadentista William Blake, "the doors of perception"), donde incluyeron la presente canción y The End -ambas incluidas en esta recopilación-, la también genial Break on through y la deliciosa The Crystal Ship entre otras. Con el irrumpieron de lleno en la escena musical sesentera, y pronto se convirtieron en un fenómeno de masas. En el segundo álbum, Strange Days (People are Strange), el grupo no obtuvo malas ventas, pero sí malas críticas. Con Waiting for the sun (con The Unknow Soldier) y The Shoft Parade (incluyendo Touch Me), aparte de cierto compromiso antibelicista e inconformista en las letras, el grupo se estancó. De hecho, muchas de las canciones habían sido compuestas en la primera época. En Morrison Hotel el grupo regresó al Blues (Roadhouse Blues o Waiting For The Sun), estilo que mantuvo en el último álbum de estudio de Morrison, que dejó un impresionante colofón en L.A. Woman (Riders on the Storm y L.A. Woman). El repaso a todas estas canciones de forma cronológica deja clara la evolución de la banda y su música y del propio Morrison, quien se convirtió por méritos propios en un mito antes de su trágica muerte. Harto de la fama y acosado por el puritanismo reinante en los EE.UU. en la época Nixon, tras verse sometido a varios procesos penales por conducta obscena y escándalo público, incluida una encarcelación en Miami, huyó del grupo y del país estableciéndose en París junto a su novia Pam. Durante un tiempo se dedicó a escribir poesía y a pasear por las calles disfrutando del anonimato. Hasta que el 3 de julio del 71 apareció muerto en la bañera de su apartamento, supuestamente por un paro cardíaco. Con tan solo 27 años, y en cuestión de menos de un año, se habían marchado tres mitos de la historia de la música, Hendrix, Joplin y Morrison. En cuanto a este último, os recomiendo una excelente película documental sobre su vida, When you're stranger, que podéis ver pinchando en el nombre. El narrador es Johnny Depp, casi nada. #32 PAINT IT, BLACK - The Rolling Stones, 1966. 3:52 minutos. Rock. Álbum: Aftermath. Autores: Mick Jagger, Keith Richards. De esta parte de la lista hacia adelante voy a escribir largo y tendido sobre los Stones, sus satánicas majestades. En lo que a esta canción se refiere, está oficialmente compuesta por Jagger y Richards, aunque tanto Charlie Watts como Brian Jones contribuyeron de forma importante para darle a la canción su característico e inconfundible sonido. Formó parte del álbum Aftermath del 66, y fue nº 1 tanto en UK como en EEUU. Se ha asociado con frecuencia a la Guerra de Vietnam gracias a su aparición en pelis como La Chaqueta Metálica de Stanley Kubrick, aunque su letra originalmente no esté inspirada en este acontecimiento. Se cree que Jagger tomó como referencia la muerte de la Reina Victoria, ya que en señal de duelo se pintaron de negro las rejas y las puertas de las casas británicas. Y aprovecharé esta ocasión para hablar del Rolling maldito, Brian Jones. Uno de los fundadores de la banda en el 62 junto a Ian Stewart, Mick Jagger y Keith Richards. En la primera época fue el líder de la banda, y destacó su influencia en los primeros álbumes de los Rolling, Aftermath, Between the Buttons y Their Satanic Majesties Request. A pesar de que nunca figuró como letrista ni compositor ni vocalista en ninguna de las canciones del grupo, se ha señalado que la creatividad del grupo nunca volvió a ser igual después de su salida del mismo, provocada por su comportamiento y por rencillas con los demás miembros, en especial por un rollete de índole cornúpeta con Richars y su ex novia Anita de por medio. En junio del 69 fue despedido de The Rolling Stones, retirándose a su granja de Sussex. Un mes más tarde apareció muerto en su piscina, supuestamente por un ataque de asma, aunque la suya fue una muerte que generó muchas suspicacias. Tenía tan solo 27 años, al igual que Hendrix, Joplin y Morrison. El objetivo de llegar hasta la canción #32 ya está cumplido. Solo me quedan 31 más, y espero tener tiempo para ir publicándolas pronto, aunque tenga que ser poco a poco. Eso sí, os puedo asegurar sin miedo a equivocarme que lo que queda de la lista va a ser legen-espera un momento-dario, ¡legendario! Ciertamente no tengo perdón de dios por el hecho de haber estado más de un año sin terminar de publicar esta lista que tengo confeccionada desde el año 2009, un "trabajo de clase" que realicé con mi buen amigo Miguel Nieto en aquellos "maravillosos" años en que fuimos compañeros de "estudios". Tengo una buena excusa, en realidad no he parado de trabajar durante todo este tiempo, y aunque pueda sonar exagerado, no he tenido tiempo material para dedicar a terminar de publicar esta lista. No obstante, ahora que tengo unas semanitas de vacaciones prometo que voy a terminar de publicarla. Y lo haré siguiendo por donde me quedé: por la quinta entrega de la saga. Vuelvo a advertir que esta lista es subjetiva, pero sí es objetivo el hecho de afirmar que todas las coplas que os traigo son muy buenas, y que lo mejor sigue aún estando por llegar... Por si queréis revisar las publicaciones anteriores, os dejo aquí los enlaces, más fácil imposible: aquí la primera; la segunda; la tercera; y la cuarta. #45 HIGHWAY TO HELL - AC / DC, 1979. 3:29 minutos. Hard Rock. Álbum: Hightway to Hell. Autores: Angus Young, Malcolm Young, Bon Scott. AC/DC es la caña. Son una de las bandas punteras, uno de los máximos exponentes del hard rock. El origen de la banda está en su tierra, Australia. George Young, el hermano mayor de Angus y Malcolm, era un guitarrista del famoso grupo australiano Easybeast, y enseñó a tocar la guitarra a sus hermanos. Malcolm formó el grupo Velvet Underground (nada que ver con Lou Reed). Después de un tiempo tocando juntos a sugerencia de George, la banda se disolvió, formando Angus y Malcolm AC/DC junto a Mark y Dave Evans. Grabaron un primer disco solo para Australia, TNT, y comenzaron a llenar los bares en sus actuaciones. Dave no tenía buena relación con Angus, así que lo sustituyeron por Bon Scott. Más tarde se unirían al grupo Phil Rudd (batería) y Cliff Williams (bajo), conformando así la formación definitiva de la banda. Con High Voltage y Powerage se hicieron famosos en Europa, pero no dieron el gran salto hacia el éxito hasta Let there be rock. Con Highway to Hell se convirtieron en la banda puntera del rock. Su estilo característico, con amplis altos en el escenario y altavoces bajos, al contrario que otros grupos, sin distorsión, con guitarra en limpio y ganancia alta, creó un sonido crudo y fuerte. No solían usar efectos, solo dedos y pedaleras. Uno de los signos característicos de la banda es la indumentaria de su líder, Angus, ataviado con un uniforme escolar. Tras la desgraciada muerte de Bon Scott después de una noche de alcohol y drogas en la que quedó dormido y se atragantó con su propio vómito, Brian Johnson se convirtió en el vocalista del grupo. Su primer disco juntos, Back in black, se ha convertido en el segundo más vendido de la historia después de Thriller de Michael Jackson. Highway to Hell es su canción más famosa. Es musicalmente simple, con un riff de guitarra repetitivo de ritmo pegadizo, más un gran solo de Angus acompañado con la rítmica de Malcolm. Se convirtió en el himno de los seguidores de la banda gracias a la melodía y a la aguda voz del inconfundible Bon, quien murió apenas unos meses después de lanzar el disco. (Quiero dar las gracias a mi buen amigo Angus Yerves por soplarme casi toda la información sobre la canción y la banda. Creo que valía la pena extenderse un poco más.) #44 COMFORTABLY NUMB - Pink Floyd, 1979. 6:23 minutos. Rock Sinfónico. Álbum: The Wall. Autores: Roger Waters, David Gilmour, Bob Ezrin. The Wall es la ópera rock de Roger Waters / Pink Floyd. Como comenté en publicaciones anteriores, junto a Dark Side of the Moon y Wish You Were Here compone la trilogía de obras cumbres de la banda británica, álbumes en los que explotaron al máximo su estilo musical y todas su potencialidades. The Wall como doble álbum y como película (lanzada posteriormente) cuenta la historia de un músico ficticio llamado Pink Floyd, su dura infancia en Inglaterra tras quedar huérfano de padre en la Segunda Guerra Mundial, su ascenso como músico de fama mundial, la incomunicación y la infelicidad que le produce el éxito y su caída en desgracia hasta abrazar la locura. Es una obra musical imprescindible para los amantes del rock y una obra audiovisual impactante y casi diría que de obligatorio visionado para comprender la esencia del disco. Si no la habéis visto aún, os dejo un enlace para que lo hagáis, estoy seguro de que no os dejará indiferentes. Está en versión original con subtítulos, deseo que os guste tanto como a mí. Pinchad aquí para ver The Wall. En cuanto a la canción elegida, Comfortably numb, se trata posiblemente de una de las más bellas del álbum (advierto que no será la última de The Wall en salir en esta lista, y tampoco es la más famosa) en cuanto al tema que trata -la locura del protagonista-, y la forma en que lo hace. Destaca su impresionante solo de guitarra a cargo de Waters. #43 LOSING MY RELIGION - R.E.M., 1991. 4:30 minutos. Rock Alternativo. Álbum: Out of Time. Autores: Will Berry, Peter Buck, Mike Mills, Michael Stipe. R.E.M. fue uno de los grupos de más éxito de finales de los ochenta y de la década de los noventa. Con un sonido genuino e inconfundible, cosa que no es nada fácil de conseguir y que diferencia a los grupos buenos de los demás, tuvieron su mayor éxito con Losing my Religion, una canción que habla del desencanto existencial de una generación que ve cómo los valores en que había sido educada se desmoronan. Los chicos de Michael Stipe se mantuvieron en lo más alto durante dos décadas, dejándonos un gran número de canciones inolvidables, como ejemplo valgan Everybody Hurts, Imitation of Life o Man on the Moon, entre otras muchas. Sin duda, la música de R.E.M. es parte del alma de los 90. #42 EVERY BREATH YOU TAKE - The Police, 1983. 4:15 minutos. Rock, Power Ballad. Álbum: Synchronicity. Autor: Sting. Siento especial debilidad por los Police. Los británicos petaron el panorama musical en los ochenta con un sonido inconfundible. Sé que digo esto de casi todas las canciones que aparecen en la lista, pero es eso lo que las hace merecedoras de ser consideradas como las 100 mejores: que todas tienen un sonido propio e inimitable. En el caso de los Police, los jovenzuelos Sting, Copeland y Summers disfrutaron de un éxito brutal que terminó por engullirlos con solo 5 álbumes en el mercado. Sting fue el único que supo reciclar su carrera, alcanzando gran éxito también en solitario, aunque con una música muy diferente a la de Police. Si bien tienen otras canciones que se pueden considerar míticas como Roxanne o Message in a Bottle, creo que no cabe ninguna duda al respecto de que Every Breath you Take es la gran obra de este grupo que, a pesar de terminar su andadura prematuramente, siempre será considerado como uno de los mega grandes. #41 HEY YOE! - The Jimi Hendrix Experience, 1966. 3:31 minutos. Rock. Álbum: Sencillo. (Smash Hits, 1969). Autor: Billy Roberts. Hey Joe es Jimi en estado puro, visceral, desatado, genial, inimitable, insustituible, insuperable, inclasificable... El que es considerado por muchos (me cuento entre ellos) el mejor guitarrista de la historia suspendió música en el colegio, lo que son las cosas. La historia de Hey Joe es sencilla. Hendrix conoce a Keith Richards, se hace amigo de su novia, Linda, y esta le presenta a Chase Chandler, bajista de los Animals. Éste pensaba dejar la banda y estaba buscando un nuevo proyecto, así que sugirió a Hendrix que hiciese una versión del Hey Joe del blusero Billy Roberts. El esfuerzo de Jimi por lograr una gran canción fue del total agrado de Chandler, así que éste le ayudó a fraguar el proyecto de la Jimi Hendrix Experience junto a Noel Redding y Mitch Michell. Ahora toca disfrutar de esta canción, y el resto de la historia lo contaré en futuras entregas. #40 THE HOUSE OF THE RISING SUN - The Animals, 1964. 4:33 minutos. Rock. Sencillo. Autores: Tradicional, arreglos de Alan Price. La casa del sol naciente es en realidad una canción tradicional de la música estadounidense ambientada en la Nueva Orleans, se cree que de finales del siglo XIX. Cuenta la experiencia de alguien sin demasiada fortuna en esa ciudad, habiendo sido versionada en numerosas ocasiones, las más famosas la de los Animals y la de Joan Baez. En este caso, la versión de los Animals es uno de los mejores exponentes del rock clásico de mediados de los sesenta. Espero que la disfrutéis. #39 PROUD MARY - Credence Clearwater Revival, 1969. 3:09 minutos. Rock sureño, rock and roll. Álbum: Bayou Country. Autor: John Fogerty. La Credence, la banda de John Fogerty que fusionó el country y el rock, obtuvo su primer gran éxito con esta genial y magnífica copla que ha sido versionada en más de 100 ocasiones por numerosos y grandes artistas. La Credence fue una de las bandas más estimadas y reconocidas del panorama musical estadounidense de finales de los sesenta y de la década de los setenta. Liderada por John Fogerty tuvo una trayectoria más bien corta, y con frecuencia su influencia en las generaciones posteriores no ha sido justamente reconocida, si bien es más que evidente. En palabras del propio Bob Dylan -ahí es nada-, Proud Mary es la mejor canción grabada en el año 1969. #38 ME AND BOBBY McGEE - Janis Joplin, 1970. 4:33 minutos. Rock Blues. Álbum: Pearl. Autores: Kris Kristofferson, Fred Foster. Si hablamos de la música de los 60-70, es imperdonable dejar de lado a Janis Joplin, uno de los iconos de la década, pero no solo musicalmente, sino espiritual y socialmente. Janis era la bandera del movimiento contracultural, hippie y feminista, del rock y del blues. Era toda una fuerza de la naturaleza desatada. Después de unirse a The Big Brother and The Holding Company alcanzaron la fama tras actuar en el festival de Monterrey '67, junto a Hendrix, The Mamas & The Papas, Jefferson Airplane, Otis Redding o The Who, lo cual les valió un contrato discográfico con el productor de Bod Dylan. Con Cheap Trills vendieron más de un millón de discos en un mes, y en menos de un año la fama alcanzada por Janis la hizo abandonar el grupo para lanzarse en su carrera en solitario. Tras crear la banda Kozmic Blues, su segundo trabajo no tuvo buenas críticas, y empujada por las circunstancias comenzó a tener problemas con la heroína y el alcohol. Tras su gran éxito en el festival de Woodstock, su vida personal y profesional parecía estar remontando, pero el 4 de octubre del 70 la encontraron muerta por una sobredosis de heroína. Su disco póstumo, Pearl, salió a la venta seis semanas después de su muerte, convirtiéndose en el más vendido durante 14 semanas. Como homenaje, los productores incluyeron el tema Mercedes Benz cantado a capella, era la última canción que había grabado en vida. Me and Bobby McGee, compuesta por Kris Kirstofferson y Fed Foster, fue su gran éxito, y la única canción de Janis en alcanzar el nº 1 del Billboard. En definitiva, un mito de la música que falleció prematuramente a los 27 años, dejando tras de sí una voz insuperable y un legado inolvidable. Ciertamente, esta entrega de la lista debería haber llegado hasta la canción #32, pero he agotado mi tiempo por hoy. Las canciones a estas alturas son tan buenas y los artistas tan interesantes, que resulta imposible hablar de ellos sin recrearse un poco en los detalles. De modo que la que debería haber sido la 5ª entrega de Mis 100 mejores canciones (de la 45-32), va a quedar dividida a su vez en dos entregas. Eso sí, prometo publicarla muy pronto, y no tardar tanto como esta última vez. ¡Doy mi palabra! "La sociedad inventa una lógica falsa y retorcida para absorber y canalizar el comportamiento de la gente cuyo comportamiento está fuera de los cánones mayoritarios. Supongamos que conoces todos los pros y los contras, sabes que vas a tener una vida corta, estás en posesión de tus facultades, etcétera, etcétera, pero sigues queriendo utilizar el caballo. No te dejarán hacerlo. No te dejarán hacerlo, porque lo verían como una señal de su propio fracaso. El hecho de que simplemente elijas rechazar lo que tienen para ofrecerte. Elígenos a nosotros. Elige un vida. Elige pagar hipotecas; elige lavadoras; elige coches; elige sentarte en un sofá a ver concursos que embotan la mente y aplastan el espíritu, atiborrándote la boca de puta comida basura. Elige pudrirte en vida, meándote y cagándote en una residencia, convertido en una puta vergüenza total para los niñatos egoístas y hechos polvo que has traído al mundo. Elige la vida. Aviso: este post solo debe leerlo quien haya visto la peli y/o leído el libro. Contiene spoilers asesinos. Lo he advertido claramente, después no me vengáis con quejas. Recientemente he tenido la ocasión de leer Trainspotting, la famosa novela de Irvine Welsh publicada en España por la editorial Anagrama. Lo he hecho años después de ver la película (después de verla en muchas ocasiones) que basándose en el libro dirigió Danny Boyle en el ya lejano 1996. Después de terminar la lectura me he visto obligado a revisar la peli de nuevo para dilucidar cuál de las dos versiones me ha gustado más... A continuación os dejo las sesomierdeces que se me han ocurrido al respecto: Por cierto, recomiendo poner esta música de fondo mientras leéis el texto. EL ARGUMENTO ¿Pero Trainspotting tiene argumento? Pues no, la verdad es que como tal no lo tiene. No tiene un planteamiento-nudo-desenlace clásico, sino que se limita a narrar una serie de aventuras y desventuras de unos tipos muy peculiares del Edimburgo profundo de los años ochenta-noventa, si bien en ambas versiones se llega a una especie de desenlace final que finiquita la historia aunque dejándola abierta (más información sobre esto en el último apartado). La cosa es que la adaptación cinematográfica es bastante fiel en ese sentido a la novela, si bien, como es normal, no aparecen en la peli todas las historias del libro (se haría demasiado larga y confusa). Se podría decir que muchas de las historias del libro llegan a resultar algo farragosas, debido a la forma de escribir de Welsh, quien lo hace en escocés y no en inglés, y a las propias historias que cuenta, cuyos narradores van cambiando cada capítulo. Por lo tanto, diré que la peli quita cierta "morralla" que aparece en el libro, aunque el resto de las historias las respeta de una forma casi religiosa, incluidos monólogos y diálogos casi calcados. En este apartado la peli se suma un tanto. PELI 1 - LIBRO 0. LA TEMÁTICA "Cuando estás con el caballo, lo único que te preocupa es pillar. Te desenganchas de la mandanga, y te preocupas por un montón de cosas. No tengo dinero, no puedo ponerme pedo. Tengo dinero, bebo demasiado. No consigo ligarme a una tía, no hay manera de echar un polvo. Consigues una tía, demasiado agobio, no puedes respirar sin que se te suba a la chepa. O eso, o la cagas, y te sientes todo culpable. Te preocupas de las facturas, la comida (...), de todas las cosas que no te importarían una mierda cuando tienes un verdadero hábito de caballo. Sólo tienes una cosa de la que preocuparte. Es todo tan sencillo. ¿Entiendes lo que quiero decir?" El libro y la novela cuentan la misma historia, se supone. Lo hacen de un modo muy parecido, pero la extensión del libro le ayuda a profundizar en ciertos temas espinosos. El tema principal de la peli es claro: la heroína. En este aspecto, la claridad y crudeza con que Welsh cuenta los hechos son espectaculares, sobrecogedores, acojonantes. La peli no se queda atrás, y es capaz de trasladar a imágenes lo que se cuenta en el libro de un modo magistral. En este aspecto, Boyle se apunta un tanto. No obstante, el libro profundiza de una forma muy interesante en temas aledaños a la droga, y no menos interesantes. Habla, sobre todo, del sexo y la enfermedad. En la peli estos dos temas solo se tratan de puntillas. La novela de Welsh habla con idéntica crudeza del sexo y, sobre todo, del SIDA. "Hay unos chavales jugando en el patio trasero, y el césped está de un verde eléctrico bajo la brillante luz del sol. El cielo tiene un delicioso azul claro. La vida es hermosa. Voy a disfrutar de ella, y voy a tener una larga vida. Seré eso que el personal médico llama un superviviente a largo plazo. Sencillamente sé que así será." Resulta sorprendentemente edificante acercarse a las reflexiones que sobre tan grave enfermedad y sobre la vida misma plasma Welsh en boca de sus personajes. Si desmerecer a las reflexiones que plantea sobre la droga y el sexo, que son absolutamente imprescindibles y bastante más profundas que las de la película, los fragmentos en que habla de la enfermedad son, con diferencia, los más interesantes del libro. En este apartado, por tanto, el libro se anota un tanto. PELI 1- LIBRO 1. LOS PERSONAJES Hay grandes diferencias en esta apartado. En la novela, la cantidad de personajes cuyas historias se van entremezclando llega a ser abrumadora. Hay momentos en que cuesta saber qué personaje cuenta su parte de la historia, e incluso se puede apreciar una clara diferencia entre la forma de escribir la primera parte de la historia con respecto a las últimas partes (hay una evolución en el estilo narrativo muy evidente). No obstante, los que podríamos llamar personajes principales están definidos perfectamente, profundizando en su psicología mucho más que la peli (la extensión y el medio juegan a favor del libro claramente). En la peli, los personajes quedan limitados a los principales. Renton (el narrador de la peli, Ewan McGregor), Begbie (Robet Carlyle), Sick Boy (Johnny Lee Miller), Spud (Ewan Bremner) y Tommy (Kevin McKidd). Se agradece la limitación a Renton como único narrador, ayuda a centrar el argumento para el espectador, y la exclusión de personajes secundarios sin mucho interés hace que la cohesión entre los que quedan resulte más llamativa. Además, las interpretaciones de los cuatro primeros son magníficas, cuesta quedarse con uno, si bien un servidor siente debilidad por Renton y, sobre todo, el colgado de Spud (soberbio Ewan Bremner en este papel). En este apartado, por tanto, un punto para la peli. PELI 2 - LIBRO 1. EL LENGUAJE El lenguaje es el punto fuerte que diferencia a Trainspotting sobre otras obras. Se puede hablar de droga, de relaciones humanas, de sexualidad, de enfermedades... Se pueden tratar todos los temas que trata esta obra, pero la originalidad de los trabajos de Welsh y Boyle radica precisamente en la peculiaridad de su lenguaje. En el libro destaca el léxico utilizado por Welsh. Escribe en escocés, no en inglés. Como dice Renton, no se les entiende una puta mierda. El trabajo de Federico Corriente a la hora de la traducción debió ser titánico y es digno de enmarcar. En cuanto a la peli, es cierto que intenta usar el mismo lenguaje que la novela (de hecho, calca muchos de los monólogos y diálogos), pero será por cosas de la censura que no lo hace con tanta crudeza. También es cierto que la película tiene un tanto a su favor que el libro no puede aprovechar, salvo por ligeras menciones. Pero no es lo mismo que un personaje mencione la letra de una canción en un libro a que suene una melodía en una peli. En este aspecto, la banda sonora de Trainspotting la película es impresionante, a mi gusto una de las mejores de los 90. Iggy Pop (el ídolo de Renton y Tommy), Primal Scream, Brian Eno, New Order, Blur, Pulp, Bedrock, Elastica, Letfield, Underworld, Damon Albarn y Lou Reed. Impresionante colección, sin duda. No obstante, siempre te queda la opción de poner el disco mientras lees el libro. En cuanto a la versión escrita, el abanico de términos acuñados no es menos impresionante: sesomierda, sacomierda, pelocojonera, esquivajabones, chorromoco, chutódromo... En este apartado el libro se apunta un nuevo tanto. PELI 2- LIBRO 2. CONCLUSIONES Pues nada, que después de ver la peli seis o siete veces, de leer la novela disfrutándola al máximo (y riendo, riendo mucho, porque es muy divertida), de pensar mucho sobre el tema y de escribir durante casi una hora, he llegado a la conclusión de que tanto la peli como el libro son muy buenos y vale la pena acercarse a ellos. Ambos me gustan por igual. En este momento, ardo en deseos de pillar Porno... No, no penséis mal de mí. Porno es la segunda parte de la novela de Irvine Welsh, ambientada 10 años después del final de Trainspotting, y cuya versión cinematográfica se está rumoreando para 2015 a cargo del propio Danny Boyle y con el mismo elenco que la peli original. ¡Magnífico! Por cierto, que si queréis saber lo que significa la palabra Trainspotting tendréis que leer el libro. Advierto que Welsh lo explica casi al final... ¡Pero vale la pena hacerlo! En mi reseña sobre Por un puñado de dólares dije que Leone alcanza la excelencia con la presente cinta. Explicaré las razones que me llevan a afirmar esto. EL ARGUMENTO. Es memorable. Cierto que está cargado de tópicos del género, como el malvado bandido que escapa de la cárcel y planea su venganza con robo de un banco incluido, o los dos cazarrecompensas renegados que unen sus fuerzas para hacer frente a un enemigo temible. Pero Leone consigue darles un toque magnífico que hace que la acción vaya creciendo y ganando en intensidad hasta el inolvidable duelo final. LOS PROTAGONISTAS. Leone presenta a tres personajes de una entidad inmensa. El Indio (Volonté), es casi un mesías para sus seguidores (menuda panda de desalmados, a cual mejor). La escena del púlpito en la iglesia abandonada en la que alecciona a sus secuaces sobre el plan a seguir es de una intensidad difícil de superar. El Indio mejora al Ramón Rojo de Por un puñado de dólares, convirtiéndose en un auténtico cabronazo que incluso atemoriza al espectador. El Coronel Mortimer (Van Cleef) es el cerebro de la trama, el inteligente veterano que une sus fuerzas al joven y talentoso Manco (Eastwood) para consumar su venganza. Ambos se necesitan, y forman un equipo perfecto, la tranquilidad y la precisión de Mortimer junto a la fuerza y el ímpetu del Manco. Sin duda, los tres actores estuvieron sembrados en esta película, y parecían tres interpretaciones difíciles de mejorar... LA ESTÉTICA. Leone explota el arte del primer plano, nos invita a meternos en la piel de los personajes con ese acercamiento tan característico de su cine. La forma de desarrollar la trama y de resolver el conflicto es magnífica, recreándose en el momento previo al fragor de la batalla, transmitiéndonos las sensaciones de los personajes por medio de los planos cortos alternados de los mismos, en contraposición a la recreación de la violencia de un director como Peckinpah. Resulta interesante comparar a ambos, tan buenos y tan diferentes. La guinda del producto la pone la inolvidable música de Ennio Morricone, qué vamos a decir de él a estas alturas. Inolvidable. En fin, creo que esta peli que supera a su antecesora, y parecía ya un producto muy interesante... Pero Leone aún nos deparaba una magnífica sorpresa antes de dejar Almería. Pero esa es otra historia. Ficha técnica: La muerte tenía un precio. (Per qualche dollaro in più) Italia, 1965. 132 minutos de duración. Dirigida por Sergio Leone. Escrita por Sergio Leone, Fulvio Morsella y Luciano Vincenzoni. Spaghetti Western. Reparto: Clint Eastwood (Manco), Lee Van Cleef (Coronel Mortimer), Gian María Volonté (El Indio), Mario Brega, Luigi Pistilli, Aldo Sambrell, Klaus Kinski y muchos más. SINOPSIS: Dos cazadores de recompensas que buscan al mismo hombre deciden unir sus fuerzas para encontrarlo, aunque las razones que los mueven son completamente diferentes. Este spaghetti-western es una coproducción entre España, Italia y Alemania. Su título original (Per qualche dollaro in più / For a Few Dollars More) ya sugiere que es la continuación natural de "Por unpuñado de dólares" (Per un pugno di dollari, 1964), dirigida por Leone un año antes. (FILMAFFINITY). Gente, he estado escribiendo unas reseñas sobre algunas pelis para ADICTOS AL CINE. Ya sé que no soy Carlos Boyero ni aspiro a llegar a Cahiers du Cinema, pero para que no se pierdan en el tiempo como lágrimas en la lluvia, y para que las lean mis amigos y amigas que no son Adictos, las iré colgando por aquí. Empezaré con una trilogía por la que siento gran afecto. Espero que os guste. A un lado los Baxter, a otro los Rojo y enmedio, yo. La primera entrega de la famosa Trilogía del Dólar de Sergio Leone, rodada casi exclusivamente en el maravilloso escenario del desierto de Tabernas (Almería, qué mágico es ese lugar), es la menos original de las tres, no por mala, sino porque es un remake de Yojimbo de Kurosawa, en algunas escenas calcado plano a plano. Esto no quita mérito a la de Leone, que sin ánimo de ser sacrílegos, en algunos aspectos incluso mejora a la original. ¿Concretamente en qué? Pues en tener dos monstruos (de la interpretación) a la cabeza como son Volonté e Eastwood, que encarnan un duelo absolutamente mítico. Joe es un vagabundo que llega a una ciudad en plena guerra entre las dos familias más poderosas, los Baxter y los Rojo. La forma en que se infiltra en ambos clanes para conseguir que todos los acontecimientos redunden en su beneficio es magistralmente narrada a lo largo del filme (o calcada del original de Kurosawa, para ser más exactos; y es que no se puede hablar de una película sin hacer referencia a la otra). El caso es que, sin ánimo de spoilear más de la cuenta, por si alguien no la ha visto, diré que el film mantiene la tensión a un nivel magnífico hasta llegar al duelo final entre Ramón y el hombre sin nombre, el que guarda un secreto bajo el poncho. Mención aparte, las escenas del cementerio (en la que el personaje de Eastwood engaña a todo el mundo de una forma genial), o la huida de Joe de la casa de los Rojo tras ser descubierto, dando paso al eminente duelo final. Por supuesto, es imposible no mencionar que en el ambiente resuenan los ecos del silbido de Kurt Savoy y la música mítica de Ennio Morricone (que levante la mano quien no la haya silbado alguna vez). ¿Eastwood frente a Mifune? Toshiro era el puto amo de los samuráis, nadie ha paseado la espada al hombro como él, con ese andar tan pasota que tenía y esa forma de sacudir las caderas. Pero Clint es poco menos que un Dios, y ese poncho, amigos míos, es tan mítico como la máscara de Darth Vader, el esmoquin de Vito Corleone, o la gabardina de Rick Blaine. Las interpretaciones de Volonté (qué malo más bueno) e Eastwood son magníficas, y la película globalmente no decepciona. Leone daría un salto hacia la excelencia en la posterior La muerte tenía un precio, y tocaría el cielo con la tercera, El Bueno, el Feo y el Malo, pero esas son otra historia, gente. Ficha técnica: Por un puñado de Dólares (Per un pugno di dollari) Italia, 1964. 95 minutos duración. Spaghetti Western. Dirigida por Sergio Leone. Escrita por Adriano Bolzoni, Víctor Andrés Catena, Jaime Comas Gil y Sergio Leone. Reparto: Clint Eastwood (Joe), Gian Maria Volonté (Ramón), Marianne Koch, Wolfgan Lukschy, Sieghart Rupp, y unos cuantos más. SINOPSIS: Tras la muerte de Juárez, en México dominan la injusticia y el terror. Joe (Clint Eastwood), un pistolero vagabundo, llega al pueblo fronterizo de San Miguel, donde dos familias se disputan el control del territorio, y entar al servicio del clan Rojo. Una noche, es testigo del intercambio de oro por armas entre mexicanos y soldados de la Unión. Es un remake en clave de western de "Yojimbo", de Akira Kurosawa. (FILMAFFINITY) EL GRAN DICTADOR (The Great Dictator, 1940) Comedia, drama. 125 min. Director: Charles Chaplin. Con: Charles Chaplin, Paulette Goddard, Jack Ockie. Dicen que los grandes genios del cine mudo no supieron reconvertirse con la sonorización del medio, y sus éxitos pronto quedaron olvidados. Es fácil contradecir esta afirmación tomando como ejemplo "El Gran Dictador", posiblemente la obra maestra del genio Chaplin, y el más bello alegato anti-belicista que jamás se haya rodado. Un Chaplin genial y visionario quiso denunciar los autoritarismos que surgían en el mundo a mediados de la década de los 30, con la ascensión de Hitler, el nazismo y los fascismos europeos. El monólogo final de la película es posiblemente el más bello de la historia del cine. CON LA MUERTE EN LOS TALONES (Norht by northwest, 1959) Acción, aventuras, crimen. 136 min. Director: Alfred Hitchcock. Con: Cary Grant, Eve Marie Sant, James Mason. No lo digo porque sienta cierta admiración por el cine de Hitchcock, o porque Cary Grant sea uno de mis rostros cinematográficos predilectos. Lo digo porque objetivamente este es uno de los mejores thrillers que existen, una de las obras más reconocidas del genio del suspense. La interpretación de Grant es sencillamente memorable, el guión no da tregua, y el desenlace de la trama, como siempre en Alfred Hitchcock, es sencillamente insuperable. Es un clasicazo, si alguien no la ha visto, no debería perder la ocasión de hacerlo. 12 AÑOS DE ESCLAVITUD (12 Years a Slave, 2013) Biográfica, drama, histórica. 134 min. Director: Steve McQueen. Con: Chiwetel Ejiofor, Michael K. Williams, Michael Fassbender, Brad Pitt. No resulta sencillo ver esta película. Como todas las que hablan de guerra o esclavitud, hacer un acercamiento realista conlleva crear una cinta dura para almas sensibles. Pero contemplar la bajeza a la que puede llegar el ser humano es necesario para que no perdamos la poca humanidad que nos va quedando. Es difícil hacer una crítica de una película con cierta objetividad cuando aún se encuentra en cartelera, pues falta la perspectiva de ver la trayectoria que la película tendrá, pero puedo afirmar sin miedo a equivocarme que estamos ante uno de los mejores dramas que se hayan podido estrenar en la última década (a mi juicio, a la altura de El Pianista de Roman Polanski). Considero que 12 años de Esclavitud se trata de una película obligatoria, imprescindible. Cuenta la historia de Solomon Northup, interpretado por Chiwetel Ejiofor, un hombre libre que es secuestrado y vendido como esclavo en los años precedentes a la Guerra de Secesión, y su posterior lucha para conseguir que se haga justicia. Las interpretaciones de Ejiofor como Northup, y la de Michael Fassbender como el Amo Epps son candidatas a formar parte de la historia del cine. Una película que no dejará a nadie indiferente. EL GOLPE (The Sting, 1973) Comedia, crimen, drama. Director: George Roy Hill. Con: Paul Newman, Robert Redford, Robert Shaw. El Golpe es un mega clásico de la dupla de oro, Newman-Redford. Fue su segunda (y última) película después de Dos Hombres y un Destino. Pocos dúos han alcanzado la química en pantalla que tenían Newman y Redford, dos auténticos animales interpretativos. Esta comedia atípica de gángsters en la américa de la depresión cuenta la historia de dos timadores, Gondorf y Hooker (Newman y Redford respectivamente), que planean un golpe antológico para desplumar a un pez gordo que ha mandado asesinar a un viejo amigo de ambos. El Golpe es engaño en estado puro, una película capaz de jugar con el espectador hasta la última escena. Sublime. V DE VENDETTA (V for Vendetta, 2005) Acción, ciencia ficción, thriller. Director: James McTeigue. Con: Hugo Weaving, Natalie Portman, Rupert Graves, John Hurt, Stephen Rea. Puede ser que me cueste una denuncia por anarquista hacer apología de esta película, y tampoco voy a adelantar mucho de ella para quien no la haya visto. Solo daré unas breves orientaciones. Primera, esta sorprendente película es la adaptación del cómic de Alan Moore (guión) y David Lloyd (dibujos), del mismo título. Segundo, más que ciencia ficción es historia ficción, situada en una Inglaterra imaginaria donde gobierna una férrea dictadura fascista que accedió al poder de forma poco lícita. Tercero, escrito en los años ochenta, se parece sospechosamente a la sociedad en la que vivimos. Cuarto, es bastante probable que dentro de muy poco necesitemos un V en nuestras vidas. Quinto, si la ves, es imposible que te deje indiferente. Es una película necesaria e imprescindible para hacer una reflexión sobre nuestra sociedad actual y plantearse alternativas. |
Juan NepomucenoArte digital, pintura e ilustración, diseño gráfico, murales... Me dedico a todo esto... y a mucho más. Llega "El año en que murió Freddie" mi primer libro de la mano de Domiduca Libreros. ¡No te quedes sin él"
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